Äänen ja muodon selkeys Barnett Newmanin maalauksissa

Barnett Newman:n ikoniset vetoketjumaalaukset, joissa on ohuita, säihkeitä pystysuoria kaistaleita, joita ympäröi immersiiviset värikentät, ovat 1900-luvun tunteellisimpia ja voimakkaimpia teoksia. Mutta Newmania ei arvostettu hänen aikanaan. Hän oli nelikymppinen, ennen kuin hän saavutti kypsän tyylinsä, ja kun hän ensimmäisen kerran esitteli vetoketjumaalauksiaan, kriitikot ja keräilijät inhosivat niitä yksimielisesti. Siitä huolimatta Newman pysyi yksinomaan keskittyneenä siihen, mitä hän halusi viestiä taiteellaan. Hänen pitkä ja vaikea polkunsa menestykseen antoi hänelle ainutlaatuisen näkökulman ja mahdollisuuden pohtia itse elämän ja taiteen merkitystä ja tarkoitusta. Kun historia lopulta saavutti Newmannin, hänen ainutlaatuinen näkökulmansa oli johtanut taiteelliseen tuotantoon, joka viestii täydellä selkeydellä universaalista, yksilöllisestä ja ylevästä.

Barnett Newman kirjoittajana

Barnett Newman syntyi intohimolla viestimiseen, sekä sanojen että kuvien kautta. Lapsena Bronxissa hän voitti kerran puhekilpailun koulussa. Kun hän oli lukion viimeisellä luokalla, hän kävi lähes joka päivä taideopiskelijoiden liitossa. Yliopistossa hän käytti intohimojaan hyväkseen, opiskellen taidetta, pääaineenaan filosofia ja kirjoittaen artikkeleita koulun julkaisuun. Mutta huolimatta valtavasta lahjakkuudestaan ja motivaatiostaan, yliopiston jälkeen Newman huomasi, että häneltä puuttui selkeä suunta siitä, miten käyttää intohimojaan uralla.

Valmistuttuaan filosofian tutkinnosta vuonna 1927, Newman aloitti työskentelyn perheyrityksessä, yrittäen säästää rahaa ennen kuin siirtyisi elämään taiteilijana. Mutta kun osakemarkkinat romahtivat kaksi vuotta myöhemmin, lähes kaikki mahdollisuudet hänelle ja hänen perheelleen tuhoutui. Kohdaten karut todellisuudet, Newman ryhtyi tosissaan selviytymään kaikin mahdollisin tavoin. Hän yritti sijaisopettamista ja kirjoitti useille julkaisuilla aiheista kuten politiikka ja taidehistoria. Kamppaillessaan ja etsiessään hän jatkoi maalaamista ja teki yhteyksiä muiden samanhenkisten sielujen kanssa, jotka myös kamppailivat löytääkseen oman tiensä. Nämä yhteydet sisälsivät hänen vaimonsa Annaleen, taiteilijat Mark Rothkon ja Adolph Gottliebin, sekä galleristi Betty Parsonsin.

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Saksa. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman filosofi

1930-luvun ja 1940-luvun alun aikana Newman oli loputtoman tyytymätön omiin ponnisteluihinsa taiteilijana. Hänellä oli runoilijan ja filosofin sydän, ja hän etsi tapaa viestiä sisäisestä luonteestaan taiteensa kautta. Hän löysi lohtua kirjoittamalla taiteesta, kun hän kirjoitti näyttelykatalogi-esseitä eri muille taiteilijoille, kiitos hänen suhteensa Betty Parsonsiin. Nämä kirjoitukset, yhdessä hänen moninaisten elämänkokemustensa ja henkilökohtaisten kamppailujensa kanssa, johtivat hänet vähitellen kehittämään syvällisen teorian ihmiskunnan luonteesta ja taiteen tarkoituksesta.

Hän selitti tämän filosofian kahdessa esseessä, jotka hän kirjoitti vuosina 1947 ja 1948. Ensimmäisen esseen otsikko oli Ensimmäinen ihminen oli taiteilija. Siinä Newman väitti, että runollinen tai taiteellinen vaisto on aina edeltänyt hyötyvaistoa ihmisissä, aikojen alusta lähtien. Hän väitti, että saviveistokset jumalista olivat edeltäneet keramiikkaa, ja että runolliset murinat ja huudot, jotka ilmensivät primitiivisimpiä tunteita, olivat edeltäneet niin sanottuja sivistyneitä lausuntoja. "Keramiikka on sivilisaation tuote," Newman kirjoitti. "Taiteellinen teko on ihmisen henkilökohtainen syntymäoikeus."

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Öljy kankaalle. Yhteensä: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 tuumaa). Annalee Newmanin lahja, kunnioittaen Kansallisen Taidegallerian 50-vuotisjuhlaa. 1988.57.2. Kansallisen Taidegallerian kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman taiteilija

Toinen tärkeä essee, jonka Newman kirjoitti, oli nimeltään The Sublime Is Now. Tässä teoksessa hän moitti kaikkia menneitä taiteilijoita siitä, että he vain jahtasivat kauneutta. Jopa modernistiset taiteilijat, hän väitti, vain tulkitsivat kauniita asioita uudelleen, luoden "arvojen siirron sen sijaan, että olisivat luoneet uuden vision." Hän väitti, että hän ja hänen aikalaistensa tavoitteena oli jotain täysin uutta, "kieltämällä täysin, että taiteella on mitään tekemistä kauneuden ongelman kanssa ja sen löytämisen kanssa." Hän väitti, että se työ, jota hän ja he tekivät, ei ollut yhteydessä mihinkään historiallisesti, nostalgisesti tai mytologisesti, vaan oli "itse asiassa itsestään selvää" ja tehty "omista tunteistamme."

Kaiken tämän filosofoinnin tulos ilmeni Newmanille taiteellisesti vuonna 1948, kun hän loi ikonisen mestariteoksensa Onement, joka oli hänen ensimmäinen zip-maalaus. Teoksen nimi on sanaleikki. Se viittaa sanaan atonement, joka voi tarkoittaa jonkin korjaamista, mutta on myös kristillinen viittaus ihmiskunnan ja jumaluuden fuusioon, jota edustaa Kristus-hahmo. Mutta jättämällä pois sanan ensimmäiset kaksi kirjainta, Newman viittasi myös yksilön kokonaisuuteen, ykköseen, ja hänen ylivoimaiseen ajatukseensa, että koko ylevä ymmärrys voi olla itseensä sulautunut yhdessä ihmisessä tai, niin sanotusti, yhdessä maalauksessa.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Öljy kankaalla ja öljy maalarinteipillä kankaalla. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Annalee Newmanin lahja. 390.1992. MoMA-kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Yksittäinen tarkoituksen ilmaus

Maalaamisen jälkeen Onement, Barnett Newman tuhosi kaikki aikaisemmat teoksensa. Hän oli saavuttanut sen esteettisen äänen, jota oli etsinyt, ja siitä hetkestä eteenpäin hän jatkoi minkä tahansa työn tuhoamista, joka ei sopinut hänen erityiseen visioonsa. Ironista kyllä, hän ei ollut ainoa, joka tunsi tarpeen tuhota teoksensa. Hän oppi tämän valitettavan läksyn vuonna 1950, kun hän alkoi olla ystävänsä Betty Parsonsin edustama. Seuraavien kahden vuoden aikana hän piti kaksi yksityisnäyttelyä hänen galleriassaan. Molemmissa näyttelyissä hänen maalauksensa viillettiin, ja niiden arvosteluissa kriitikot yleisesti halveksivat teoksia.

Viha, jota hän koki, järkytti Newmania, ja hän veti työnsä pois Betty Parsonsilta ja lopetti täysin teostensa näyttämisen seuraavaksi neljäksi vuodeksi. Hän jopa osti takaisin yhden myydyistä maalauksistaan, kirjoittaen keräilijälle: “Olosuhteet eivät vielä ole olemassa . . . jotka voisivat mahdollistaa suoran, viattoman asenteen eristettyä teostani kohtaan.” Mutta hän jatkoi zip-maalaustensa maalaamista, uskoen sisimmässään, että ne viestivät puhtaudesta ja suurisuuntaisuudesta ylevässä, yksilöllisessä hengessä. Kun hän lopulta päätti jälleen esitellä teoksiaan, se kuitenkin sai edelleen pilkkaa osakseen, ja yksi kriitikko vuoden 1957 näyttelystä maalauksesta Vir Heroicus Sublimis meni niin pitkälle, että kirosi teosta ja kiinnitti huomiota vain sen kokoon ja siihen, että se on punainen.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Öljy kankaalle. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Lahja herra ja rouva Ben Helleriltä. 240.1969. MoMA-kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Seuraava sukupolvi

Huolimatta yleisestä väärinkäsityksestä hänen ponnisteluistaan, Newman jatkoi sinnikkäästi, vahvistaen ilmaisuaan yksinkertaistamalla sitä. Hänen menestyneimmät teoksensa koostuivat vain kahdesta elementistä: sävystä ja muodosta. Zipsit itsessään eivät olleet niinkään muotoja kuin muotoja. Mutta maalaukset olivat muotoja kokonaisuudessaan. Zipsit olivat todellisuudessa vain sävyjen ilmaisua, värin muutos erotti ne ympäröivistä värikentistä. Ja hän ilmaisi myös sävyä musiikillisessa mielessä, kuten selkeässä, tarkassa, pitkitettyssä äänen ilmaisussa. Selkeän sävyn ja muodon ilmaisunsa kautta Newman määritteli vankkumattoman uskomuksensa voimaantumisen, omalaatuisuuden ja yksilön universaalin olemuksen arvoon.

Huolimatta vilpittömyydestään ja intohimostaan, 1950-luvun aikana vain yksi kriitikko tuki Barnett Newmania, ja se oli Clement Greenberg. Vaikka hänen tukensa ei juurikaan auttanut vakuuttamaan taidekunniaa teoksen arvosta, se heijasti nuoremman sukupolven kasvavaa ymmärrystä siitä, mitä Barnett Newman edusti. Nuorille maalareille Newman oli vapauttanut heidät omaksumaan ainutlaatuisen yksilöllisyytensä sen sijaan, että olisi sitonut heidät menneisyyteen. Hän oli osoittanut, että katsojat voivat lähestyä mitä tahansa hänen maalauksistaan ja kohdata ne samalla tavalla kuin he kohtaisivat toisen ihmisen: vain yksi olennainen entiteetti kohtaa toisen. Hän todisti, että maalauksilla ei tarvinnut olla yhteyttä toisiinsa, eikä niiden tarvinnut liittyä historiaan. Hän näytti, että jokainen taideteos oli universumi itsessään.

Barnett Newman - The Third, 1964. Öljy kankaalle. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Viivästynyt mutta kestävä vaikutus

Vaikka kesti siihen, että Newman oli kuudenkymmenen ikävuoden paikkeilla, ennen kuin uusi sukupolvi pystyi yhdistämään ideansa hänen ajatuksiinsa, hän ansaitsi lopulta kunnioituksen ja tunnustuksen, jonka hän ansaitsi. Tänään Barnett Newman's vaikutus näkyy monilla nykyaikaisilla abstrakteilla taiteilijoilla, jotka ovat luoneet idiosynkraattisia esteettisiä visioita sävyn ja muodon perusteella. Esimerkiksi harkitse Tom McGlynniä, joka on luonut ylevän ja idiosynkraattisen vision sävyn ja muodon perusteella; tai Richard Caldicottin teoksia, jotka tutkivat sarjatoistoa ja rakenteita ainutlaatuisten esteettisten tilojen luomisessa.

Huolimatta alkuperäisestä väärinkäsityksestä hänen työhönsä, Barnett Newman on nyt säännöllisesti mukana parhaiden abstraktien ekspressionistien, värikenttätaiteilijoiden ja jopa minimalistejen joukossa. Mutta hän piti itseään kuulumattomana mihinkään näistä ryhmistä. Hän piti itseään enemmän kuin liike, joka oli täysin hänen oma. Siitä huolimatta, vaikka hän ei ollut abstrakti ekspressionisti tyyliltään, hän oli henkilökohtaisen ilmaisun arvon lippu kantaja. Vaikka hän ei ollut värikenttätaiteilija, hän osoitti sävyjen kyvyn yksin luoda meditaatioon ja pohdiskeluun liittyviä esteettisiä muotoja. Ja vaikka hän ei ollut minimalisti, hän ennakoivasti ilmaisi visuaalisen kielen yksinkertaistamisen ja vähentämisen arvon.

Barnett Newman - Musta tuli I, 1963. Öljy kankaalle. 114 x 84 tuumaa. (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman -säätiö / Taiteilijoiden oikeudet -yhdistys (ARS), New York

Esittelykuva: Barnett Newman - Onement I (yksityiskohta), 1948. Öljy kankaalla ja öljy masking-teipillä kankaalla. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Annalee Newmanin lahja. 390.1992. MoMA-kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park