Äänen ja muodon selkeys Barnett Newmanin maalauksissa

Barnett Newmanin ikoniset vetoketju maalaukset, joissa on ohuet, hohtavat pystysuorat nauhat ympäröityinä syvällisillä väripinnoilla, ovat 1900-luvun tunteikkaimpia ja voimakkaimpia teoksia. Mutta Newmania ei arvostettu hänen aikanaan. Hän oli nelikymppinen ennen kuin löysi kypsän tyylinsä, ja kun hän ensimmäisen kerran esitteli vetoketjumaalauksiaan, kriitikot ja keräilijät halveksivat niitä yksimielisesti. Siitä huolimatta Newman pysyi yksinomaan keskittyneenä siihen, mitä hän halusi taiteellaan viestiä. Hänen pitkä ja vaikea tiensä menestykseen antoi hänelle ainutlaatuisen näkökulman ja mahdollisuuden pohtia itse elämän ja taiteen merkitystä ja tarkoitusta. Kun historia lopulta saavutti Newmanin, hänen ainutlaatuinen näkemyksensä oli tuottanut taiteellisen tuotannon, joka viestii täydellisellä selkeydellä universaalia, yksilöllistä ja ylevää.

Barnett Newman kirjoittajana

Barnett Newman syntyi intohimolla viestiä sekä sanoin että kuvin. Lapsena Bronxin kaupunginosassa hän voitti kerran koulussa puhekilpailun. Lukion viimeisenä vuonna hän kävi lähes joka päivä taideopiskelijoiden liiton kursseja. Yliopistossa hän käytti intohimonsa hyväksi opiskellen taidetta, pääaineenaan filosofia ja kirjoittaen artikkeleita koulun julkaisuihin. Mutta huolimatta valtavasta lahjakkuudestaan ja tarmostaan, yliopiston jälkeen Newmanilla ei ollut selvää suuntaa sille, miten käyttää intohimojaan urallaan.

Valmistuttuaan filosofian tutkinnolla vuonna 1927 Newman alkoi työskennellä perheyrityksessä säästääkseen rahaa ennen taiteilijan elämää. Mutta kun pörssi romahti kaksi vuotta myöhemmin, lähes kaikki mahdollisuudet hänelle ja hänen perheelleen tuhoutuivat. Kohtaamansa karujen tosiasioiden edessä Newman ryhtyi tosissaan selviytymään kaikin keinoin. Hän kokeili sijaisopettajan työtä ja kirjoitti useisiin julkaisuihin politiikasta ja taidehistoriasta. Kamppaillessaan ja etsien hän jatkoi maalaamista ja loi yhteyksiä muiden samanhenkisten sielujen kanssa, jotka myös kamppailivat löytääkseen oman tiensä. Näihin yhteyksiin kuuluivat hänen vaimonsa Annalee, maalari Mark Rothko ja Adolph Gottlieb sekä gallerian omistaja Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Saksa. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman filosofi

1930-luvun ja 1940-luvun alun ajan Newman oli loputtoman tyytymätön omiin maalauksensa. Hänellä oli runoilijan ja filosofin sydän ja hän etsi tapaa viestiä sisäistä olemustaan taiteensa kautta. Hän löysi lohtua kirjoittamisesta, sillä hän kirjoitti näyttelyluetteloiden esseitä eri taiteilijoista Betty Parsonsin kautta. Nämä kirjoitukset, yhdessä hänen moninaisten elämänkokemustensa ja henkilökohtaisten kamppailujensa kanssa, johtivat hänet vähitellen kehittämään syvällisen teorian ihmiskunnan luonteesta ja taiteen tarkoituksesta.

Hän selitti tämän filosofian kahdessa esseessään, jotka hän kirjoitti vuosina 1947 ja 1948. Ensimmäisen esseen nimi oli The First Man Was an Artist. Siinä Newman väitti, että runollinen tai taiteellinen vaisto on aina edeltänyt hyödyllisyyteen tähtäävää vaistoa ihmisissä ajan alusta lähtien. Hän väitti, että savesta tehdyt jumalapatsaat olivat vanhempia kuin keramiikka, ja että runolliset murinat ja huudot, jotka ilmaisivat kaikkein alkuperäisimpiä tunteita, olivat vanhempia kuin niin sanotut sivistyneet puheenvuorot. ”Keramiikka on sivistyksen tuote,” Newman kirjoitti. ”Taiteellinen teko on ihmisen henkilökohtainen syntymäoikeus.”

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Öljy kankaalle. Koko: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 tuumaa). Lahja Annalee Newmanilta, Kansallisen taidegallerian 50-vuotisjuhlan kunniaksi. 1988.57.2. Kansallisen taidegallerian kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman maalari

Toinen tärkeä essee, jonka Newman kirjoitti, oli nimeltään The Sublime Is Now. Tässä hän moitti kaikkia menneitä taiteilijoita siitä, että he vain tavoittelivat kauneutta. Hän väitti, että jopa modernistit taiteilijat vain tulkitsivat uudelleen sitä, mikä oli kaunista, luoden ”arvojen siirtoa uuden näkemyksen luomisen sijaan.” Hän väitti, että hän ja hänen aikalaisensa tavoittelivat jotain täysin uutta, ”kieltämällä täysin, että taiteella olisi mitään tekemistä kauneuden ongelman ja sen löytämisen kanssa.” Hän korosti, että hänen ja heidän työnsä ei liittynyt mihinkään historialliseen, nostalgiseen tai myyttiseen, vaan oli ”itsestään selvää” ja tehty ”omista tunteistamme.”

Kaikki tämä filosofinen pohdinta ilmeni Newmanin taiteessa vuonna 1948, kun hän loi ikonisen mestariteoksensa Onement, ensimmäisen vetoketjumaalauksensa. Teoksen nimi on sanaleikki. Se viittaa sanaan atonement (sovitus), joka voi tarkoittaa jonkin korjaamista, mutta on myös kristillinen viittaus ihmiskunnan ja jumaluuden yhdistymiseen Kristus-hahmon kautta. Jättämällä pois sanan kaksi ensimmäistä kirjainta Newman viittasi myös yksilön kokonaisuuteen, yhteen, ja hänen yleiseen ajatukseensa, että kaikki ylevä ymmärrys voi olla koottuna yhden ihmisen sisälle tai yhtä hyvin yhteen maalaukseen.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Öljy kankaalle ja öljy teippinauhalle kankaalla. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Lahja Annalee Newmanilta. 390.1992. MoMA-kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Yksilöllinen tarkoituksen ilmaus

Maalaamisen jälkeen Onement, Barnett Newman tuhosi kaikki aiemmat teoksensa. Hän oli saavuttanut etsimänsä esteettisen äänen, ja siitä hetkestä lähtien hän jatkoi kaiken työn tuhoamista, joka ei sopinut hänen tarkkaan näkemykseensä. Ironista kyllä, hän ei ollut ainoa, joka tunsi tarpeen tuhota työnsä. Hän oppi tämän valitettavan läksyn vuonna 1950, kun hänen ystävänsä Betty Parsons alkoi edustaa häntä. Seuraavien kahden vuoden aikana hän piti kaksi yksityisnäyttelyä hänen galleriassaan. Molemmissa näyttelyissä hänen maalauksensa revittiin, ja arvosteluissa kriitikot pilkkasivat teoksia yksimielisesti.

Kokemansa vihan järkyttämänä Newman vetäytyi pois Betty Parsonsin galleriasta ja lopetti kokonaan teostensa näyttämisen seuraavaksi neljäksi vuodeksi. Hän jopa osti takaisin yhden myydyn maalauksensa kirjoittaen keräilijälle: ”Edellytykset eivät vielä ole olemassa... jotka mahdollistaisivat suoran, viattoman asenteen erillistä teostani kohtaan.” Mutta hän jatkoi vetoketjumaalaustensa tekemistä, uskoen sisimmässään, että ne viestivät ylevän, yksilöllisen hengen puhtautta ja suuruutta. Kun hän lopulta päätti jälleen näyttää töitään, ne saivat edelleen pilkkaa, ja eräs kriitikko vuoden 1957 näyttelystä, jossa oli maalaus Vir Heroicus Sublimis, meni niin pitkälle, että kirosi teoksen ja kiinnitti huomion vain sen kokoon ja punaiseen väriin.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Öljy kankaalle. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Lahja herra ja rouva Ben Helleriltä. 240.1969. MoMA-kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Seuraava sukupolvi

Huolimatta yleisön väärinymmärryksestä Newman jatkoi, vahvistaen ilmaisuaan yksinkertaistamalla sitä. Hänen menestyneimmät teoksensa koostuivat vain kahdesta osasta: sävystä ja muodosta. Vetoketjut eivät olleet niinkään muotoja kuin muotoja muistuttavia kuvioita. Mutta maalaukset olivat kokonaisuuksia. Vetoketjut olivat todellisuudessa sävyjen ilmentymiä, värin vaihtelua, joka erotti ne ympäröivistä väripinnoista. Hän ilmaisi myös sävyn musiikillisessa mielessä, selkeänä, täsmällisenä ja venytettynä äänenä. Selkeän sävyn ja muodon ilmaisun kautta Newman määritteli vahvan uskon voimaannuttamisen, yksilöllisyyden ja yksilön yleisen olemuksen arvoon.

Vilpittömyydestään ja intohimostaan huolimatta 1950-luvulla vain yksi kriitikko tuki Barnett Newmania, ja se oli Clement Greenberg. Vaikka hänen tukensa ei juuri vakuuttanut taidemaailmaa teosten arvosta, se kuvasti nuoremman sukupolven kasvavaa ymmärrystä siitä, mitä Barnett Newman edusti. Nuorille maalareille Newman ei sitonut heitä menneisyyteen, vaan vapautti heidät omaksumaan ainutlaatuisen yksilöllisyytensä. Hän osoitti, että katsojat voivat lähestyä mitä tahansa hänen maalaustaan ja kohdata sen aivan samalla tavalla kuin toisen ihmisen: vain yksi olennainen yksikkö kohtaa toisen. Hän todisti, ettei maalauksien tarvitse liittyä toisiinsa eikä historiaan. Hän näytti, että jokainen taideteos on oma maailmansa.

 

Barnett Newman - The Third, 1964. Öljy kankaalle. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Myöhäinen mutta kestävä vaikutus

Vaikka kesti siihen asti, että Newman oli kuusikymppinen, ennen kuin uusi sukupolvi pystyi samaistumaan hänen ajatuksiinsa, hän lopulta ansaitsi ansaitsemansa kunnioituksen ja tunnustuksen. Nykyään Barnett Newmanin vaikutus näkyy monissa nykytaiteen abstrakteissa taiteilijoissa, jotka ovat luoneet omaleimaisia esteettisiä näkemyksiä sävyn ja muodon pohjalta. Esimerkiksi Tom McGlynn, joka on luonut ylevän ja omaleimaisen näkemyksen sävyn ja muodon pohjalta; tai Richard Caldicott, jonka työ tutkii sarjallista toistoa ja rakenteita ainutlaatuisesti yksilöllisten esteettisten tilojen luomisessa.

Huolimatta alun väärinymmärryksestä Barnett Newman luetaan nykyään säännöllisesti parhaiden abstraktin ekspressionismin, väripintataiteen ja jopa minimalismin edustajien joukkoon. Mutta hän ei pitänyt itseään minkään näistä ryhmistä kuuluvana. Hän piti itseään enemmän oman liikkeensä edustajana. Siitä huolimatta, vaikka hän ei tyyliltään ollut abstraktin ekspressionismin edustaja, hän oli henkilökohtaisen ilmaisun arvon puolestapuhuja. Vaikka hän ei ollut väripintataiteilija, hän osoitti, että pelkät sävyominaisuudet voivat luoda mietiskeleviä ja pohdiskelevia esteettisiä muotoja. Ja vaikka hän ei ollut minimalisti, hän ennakoi yksinkertaistamisen ja visuaalisen kielen vähentämisen arvon.

 

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Öljy kankaalle. 114 x 84 tuumaa (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Kuvassa: Barnett Newman - Onement I (yksityiskohta), 1948. Öljy kankaalle ja öljy teippinauhalle kankaalla. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Lahja Annalee Newmanilta. 390.1992. MoMA-kokoelma. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio