Onko Art Brut olennaisesti abstraktia vai ennemminkin figuratiivinen liike?

Ennen kuin aloitamme, meidän on myönnettävä, että se, pitäisikö Art Brut lukea figuratiiviseksi vai abstraktiksi, on hieman hölmöä. Määritelmän mukaan Art Brut tarkoittaa taidetta, joka on olemassa ulkoisten analyysien ulkopuolella. Jean Dubuffet, joka keksi termin, kuvasi Art Brutia taiteeksi, joka on, “täysin puhdasta, raakaa, uudelleen keksitty kaikissa sen vaiheissa tekijänsä toimesta, perustuen ainoastaan hänen omiin impulsseihinsa. Taide, siis, jossa ilmenee ainoastaan keksimisen toiminto.” Dubuffet kuvasi ensimmäisen kerran Art Brutia kirjeessä ystävälleen, taiteilija René Auberjonois'lle, 1940-luvulla. Kuvauksessa verrattiin raakataidetta raakakultaan, josta hän sanoi pitävänsä “parempana nuggettina kuin kellokotelona.” Dubuffet oli kiinnostunut raakataiteesta lukiessaan kirjaa Artistry of the Mentally Ill, joka julkaistiin vuonna 1922 saksalaisen psykiatrin Hans Prinzhornin toimesta. Kirja sisältää ensimmäiset vakavat esteettiset analyysit instituutioissa hoidettujen psykiatristen potilaiden luomasta taiteesta. Dubuffet huomasi, millä hengellä nämä kouluttamattomat, tuntemattomat luojat lähestyivät taidettaan, joka sivuutti kaikki muodolliset, sosiaaliset ja akateemiset konventiot. Heidän taiteensa ei ollut tarkoitettu markkinoille, kritiikille tai tulkinnalle. Sitä ei ollut tarkoitus kyseenalaistaa; eikä välttämättä edes katsoa. Taiteilijat loivat sen, kuten Dubuffet sanoi, “omaansa ja lumoaan varten.” Siitä huolimatta aiomme osallistua hölmöyteemme ja analysoida Art Brutia joka tapauksessa, koska uskomme, että taiteilijoiden aikomuksista huolimatta heidän luomuksillaan saattaa olla meille merkitystä, ja haluamme ymmärtää niitä paremmin, jos voimme.

Kummallinen mieli

Kuka voi määritellä mielenterveyden rajoja? Joskus aivomme ohjaavat meitä yhteen suuntaan ja vaistomme toiseen. Joskus molemmat ovat absurdeja. Toisinaan molemmat vaikuttavat päteviltä. Ennen kuin hänestä tuli kuuluisa lääkäri, joka aloitti vakavan tutkimuksen mielenterveysongelmista kärsivien ihmisten tekemästä taiteesta, Hans Prinzhorn sai aivoiltaan käskyn jättää Saksa ja opiskella taidehistoriaa Wienissä. Hänen vaistonsa puolestaan kehottivat häntä muuttamaan Englantiin ja ryhtymään ammattilaulajaksi. Mutta ennen kuin hän pystyi saavuttamaan unelmansa, ensimmäinen maailmansota, eräänlainen globaali tutkimus mielenterveyden kysymyksistä, kutsui hänet takaisin Saksaan, jossa hänestä tuli kirurgi sodassa.

Sota päättyi yksitoista vuotta sen jälkeen, kun Prinzhorn oli saanut tohtorinsa taidehistoriasta. Koska hän ei nähnyt tulevaisuutta aikaisemmissa intohimoissaan ja oli ilmeisesti harhautunut sekä sydämensä että aivonsa toimesta, hän jäi sodanjälkeiseen Saksaan ja otti työn avustajana psykiatrisessa sairaalassa. Ja silloin hänen alkuperäinen vaistonsa opiskella taidehistoriaa, vaikka se vaikutti tuolloin täysin harhaiselta, osoittautui hyödylliseksi. Hänen tehtävänään sairaalassa oli vastata suuresta kokoelmasta taidetta, jonka olivat tehneet psykiatriset potilaat, ja jonka oli koonnut kiistanalainen psykiatri Emil Kraepelin, joka oli johtava eugeniikan kannattaja. Kun hänelle annettiin tehtävä laajentaa kokoelmaa, Prinzhorn inspiroitui kirjoittamaan kirjan, jossa hän yksityiskohtaisesti esitteli kymmenen erityisen psykiatrisen potilaan taidetta, joita hän kutsui skitsofreenisiksi mestareiksi.

Franz Pohl - L'Horizon Ovipare (Vasen) / August Natterer - Hexenkopf (Noidan pää), n. 1915, Prinzhorn-kokoelma (Oikea), kaksi teosta niin sanotuilta skitsofreenisiltä mestareilta

Brutta Taiteen Impulssi

Mitä Jean Dubuffet näki niin sanottujen skitsofreenisten mestareiden työssä, oli anti-kulttuurin tunne. Me kaikki koemme luovia impulsseja, energian kipinöitä, jotka johtavat äkilliseen haluun ilmentää sisäisiä tuntemuksia ulkoisesti. Mutta suurin osa meistä elää kulttuureissa, jotka estävät impulssien seuraamista. Ja jopa ne meistä, jotka ovat valmiita ja kykeneviä toimimaan impulssiensa mukaan, muokkaavat tai sensuroivat niitä väistämättä, jotta voimme esittää ne kulttuurillemme ymmärrettävällä tavalla. Dubuffet piti kulttuuria esteenä, joka manipuloi luovuutta sopimaan ennalta määrättyihin hyväksyttävän taiteen määritelmiin.

Hän näki, että näiltä psykiatrisilta potilailta ei odotettu samojen kulttuuristen odotusten noudattamista kuin yleisöltä. He eivät olleet anti-kulttuurisia siinä mielessä, että olisivat vastustaneet kulttuuria. He olivat anti-kulttuurisia siinä mielessä, että heillä ei ollut lainkaan kulttuurista viitekehystä. He olivat vapaita asettamaan omat taiteelliset standardinsa. He seurasivat taiteellisia impulssejaan täydellä yksilöllisyydellä, antaen esteettiselle pätevyydelle vallan täysin sille voimalla, jonka he kokivat inspiroivan heitä luomaan. Joskus tuo voima oli henki, jumala tai demoni, tai joskus se oli monimutkainen, keksitty, usein maaginen henkilökohtainen narratiivi. Mutta mikä tahansa se olikin, se oli ainutlaatuista, eikä sitä määrittänyt akateemiset, historialliset tai sosiaaliset käsitykset taiteesta.

Peter Moog - Jerusalemin tuho (Vasemmalla) / August Klett - Wurmlocher (Oikealla), kaksi teosta niin sanotuilta skitsofreenisiltä mestareilta

Hyvä taide, huono tiede

Dubuffet sanoi, että näiden taiteilijoiden luomukset tulivat, "omista syvyyksistään eikä klassisen taiteen tai muotitaiteen kliseistä.” Mutta tuossa utopistisessa oletuksessa oli sisäänrakennettu virhe. Jokainen Mielenterveyden Taiteilijat -teoksessa esitelty potilas oli aiemmin ollut tuottelias yhteiskunnan jäsen. He olivat aikuisia, joskus korkeakoulututkinnon suorittaneita ja usein naimisissa tai eronneita, kun heidät sijoitettiin laitokseen. Ennen sairautensa puhkeamista heidän omat syvyytensä olivat olleet täynnä kulttuurisia odotuksia, mukaan lukien kliseet, muoti ja monet mahdolliset syyt taiteen tekemiseen. Oletus, että he olivat kaikki vapaita ja esteettömiä luovissa ilmaisussaan, on mielikuvituksen hyppy. Ehkä he olivat. Mutta heidän todelliset aikomuksensa kuolivat heidän kanssaan, salaisuus.

Mutta Dubuffet tiesi varmasti tämän. Koska kun hän alkoi kerätä esimerkkejä Art Brutista, hän ei rajoittanut kokoelmaansa vain psykiatristen potilaiden tekemään taiteeseen. Hän keräsi myös vankien, pienten lasten, itseoppineiden taiteilijoiden, primitiivisiä kulttuureja edustavien taiteilijoiden ja muiden taiteilijoiden teoksia, joita hän piti olemassa perinteisen, muodollisen taidekulttuurin ulkopuolella. Hänen on täytynyt ymmärtää, että taide oli hyvää ei siksi, että sen oli tehnyt joku, joka ei ollut koskaan tuntenut kulttuurisia konventioita, vaan siksi, että sen oli tehnyt joku, joka oli rohkea ollakseen idiosynkraattinen niiden huolimatta. Ja juuri tätä hän lopulta yritti saavuttaa taiteessaan, yrittäessään päästä primitiiviseen tilaan luodessaan omia maalauksiaan, toivoen kääntävänsä kulttuurin vaikutukset hänen taiteelliseen kehitykseensä, jotta hän voisi palata omaan alkuperäiseen Art Brut -tilaan.

Johann Knopf - Lamm Gottes (Jumalan Karitsa), Johann Knopf oli yksi taiteilijoista, jotka sisältyivät teokseen Mielenterveyden Taiteilijat, (Vasemmalla) / Jean Dubuffet - Paul Léautaud keinutuolissa, 1946. Öljy hiekalla kankaalla. 51 1/4 x 38 1/8 tuumaa. New Orleansin taidemuseo. © 2019 ADAGP, Pariisi ja DACS, Lontoo (Oikealla).

Laajempi kattavuus

Mitä tulee kysymykseen siitä, pitäisikö Art Brutia lukea abstraktina vai figuurisena, näyttää siltä, että se saattaa riippua siitä, mitä Art Brutia tarkoitat. Art Brut, kuten kaikki taide, voi olla sekä abstraktia että figuurista, ehkä jopa samanaikaisesti. Mutta useimpien Artistry of the Mentally Ill -teoksessa esiteltyjen potilaiden kohdalla he usein väittivät raportoivansa erityisiä näkyjä, jotka he saivat hallusinaatioissaan. Muissa tapauksissa he kirjoittivat pitkiä teoksia, joissa he kuvasivat monimutkaisia tarinoita kuvitellusta elämästään, ja tekemänsä kuvat olivat näiden tarinoiden kuvastuksia. Näissä tapauksissa heidän työtään tulisi pitää figuurisena. Se oli kuvaus heidän maailmastaan, kuten he sen realistisesti kokivat.

Mutta Jean Dubuffetin ja muiden hänen esimerkkiään seuranneiden taiteilijoiden tekemän Art Brutin tapauksessa on sanottava, että siinä on jotain perustavanlaatuista abstraktia. Ilmeisestä aiheesta huolimatta tämä taide nousee suoraan ideoiden maailmasta. On olemassa tuntemattomia ideoita, jotka inspiroivat taiteilijaa luomisprosessin aikana, ja on ideoita, joita katsoja voi extrapoloida tulkitessaan sitä, mitä taiteilija ehdotti. Mutta on myös ylivoimainen ajatus siitä, että kulttuurin vaikutuksia on mahdollista ohittaa, ja että se, mitä katsomme, on tulos taiteilijan ponnisteluista tämän jaloa saavutusta varten.

Esittelykuva: Jean Dubuffet - Lehmä hienovaraisella nenällä, 1954. Öljy ja emali kankaalla. 35 x 45 3/4" (88,9 x 116,1 cm). Benjamin Scharpsin ja David Scharpsin rahasto. 288.1956. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Pariisi
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park