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Year: 2017
Edition: Unique
Technique: Acrylic, graphite and thread on canvas
Framed: No
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All artworks on IdeelArt are original, signed, delivered directly from the artist's studio, and come with a certificate of authenticity.Les lignes filetées suggèrent une barrière physique qui interrompt les formes et les empêche de se connecter et en même temps une transparence est créée qui permet au spectateur d'entrer à travers les lignes sur la surface peinte.
Les titres de chaque série peuvent être interprétés comme des conditions émotionnelles, psychologiques et physiques.
Ce récent travail continue d'explorer la couleur, la forme, la composition, la forme et la texture pour titiller le regard et éveiller les sens.
Les titres des nouveaux les séries "Shout" et "Crash" reflètent frustration et anxiété en réaction à la société américaine contemporaine d'aujourd'hui, mais l'œuvre tente de transmettre un contenu émotionnel positif et optimiste à travers un langage abstrait personnel.
L'artiste décrit son travail comme suit : "Une ligne fine entre Sculpture et peinture, Peinture et dessin, Dessin et couture, Couture et guérison, Guérison et plaisir, Plaisir et voir, Voir et regarder, Regarder et toucher, Toucher et fabriquer...Matière et illusion, Pensée et intuition, Esprit et cœur, Vie et amour."
Holly Miller est une artiste abstraite américaine dont les peintures s'efforcent de fusionner l'optique avec le tactile à travers le langage de l'abstraction. Elle vit et travaille à Brooklyn, NY.
Né à Buffalo, New York, l'artiste a grandi à Rome, en Italie, à la fin des années 60 et au début des années 70. Sa grand-mère, qui venait de temps en temps rendre visite à Holly et à sa famille, l'emmenait toujours dans les musées pour découvrir différents chefs-d'œuvre. Durant ses années de lycée à New York, elle n'avait qu'un seul rêve : retourner dans la ville où elle a passé son enfance. Après avoir obtenu son diplôme, l'artiste s'installe dans la Ville éternelle et suit des cours d'histoire de l'art et de littérature italienne à l'école Dante Alighieri.
Agée de vingt ans, la jeune artiste retourne aux États-Unis pour étudier le dessin, la peinture et la sculpture à la School of Visual Arts (SVA) où elle obtient son baccalauréat en beaux-arts en 1984.
Après un long voyage d'expérimentation, l'artiste a commencé à s'intéresser au fil, un matériau qui possède des propriétés de dessin mais qui est tactile et sculptural, qui se rapporte à la toile et véhicule d'infinies métaphores. Elle a commencé à dessiner avec une longue aiguille et du fil au lieu d'un crayon sur toile. Elle a trouvé un médium visuel combinant dessin, peinture et sculpture tout en restant simple et humble. Elle était parvenue à une économie obtenue grâce à de nombreuses années d'exploration, de prise de risques, de découverte puis de rejet de ce qui n'était pas absolument nécessaire. En distillant ses expériences, pensées, sentiments et émotions, elle a créé un langage personnel abstrait qui est devenu l'essence de son travail....
"L'acte de coudre des lignes véhicule des métaphores de perforation et de guérison, de connexion et de rupture, de déchirure et de réparation. Les petites piqûres ou piqûres nous rappellent que tout ce qui est beau ou doux peut aussi être légèrement douloureux. C'est là que réside la poésie de l'œuvre."
En combinant des lignes filées répétées avec des formes géométriques de couleur, son travail transmet de nombreuses dichotomies : peinture réductrice et artisanat, illusion et matière, chaud et froid, absence et présence, masculin et féminin, audacieux et subtil, perfection et imperfection...
Les peintures ont une physicalité qui est décrite à travers les coups de pinceau monochromes et les trous perforés des lignes tracées qui percent la surface de la toile, mais de loin, elles semblent plates et suggèrent un dessin au trait fin. À mesure que l'on s'approche des peintures, un élément de surprise se révèle et l'on est inspiré à regarder de plus près et à remettre en question l'hypothèse ou l'attente initiale.
Après avoir obtenu son diplôme, l’artiste retourne en Italie. La plupart de ses œuvres de cette période ont été inspirées par Robert Rauschenberg, Jean-Michel Basquiat et Egon Schiele. Cependant, quatre ans plus tard, elle sentit que vivre dans cette belle ville était comme vivre dans un musée, alors elle réalisa qu'elle devait changer quelque chose pour pouvoir grandir et se développer en tant qu'artiste ; elle avait besoin d'un environnement plus actuel et d'un dialogue plus large avec d'autres artistes. Elle est retournée à New York où elle a établi ses racines en tant qu'artiste américaine contemporaine....
La communication par le toucher (langage corporel) a inspiré ses peintures abstraites tactiles. La palette de Miller fait écho aux tons et aux nuances du design industriel italien des années 60 et 70, tandis que ses formes rappellent l'architecture et les structures urbaines.
Son travail a une énorme affinité avec l'approche physique de Fontana envers ses peintures et la manipulation tactile de la surface de la peinture de Burri. Les formes et les couleurs audacieuses de Ellsworth Kelly ont résonné en elle sur un plan purement optique. Les lignes dessinées subtiles, silencieuses et répétitives d'Agnes Martin, les fortes lignes architecturales et minimales en fibre de Fred Sandback dessinées dans l'espace, les toiles structurées émotionnellement chargées d'Eva Hesse, les dessins excentriques et frais et les objets humbles de Richard Tuttle, les compositions dynamiques et optiques de Bridget Riley ont laissé une profonde impression sur Miller, l'inspirant à se forger sa propre voix dans l'Abstraction.
Deven Golden, critique d'art de New York pour Artcritical et Art Monkey Wrench, a écrit à propos de son travail : "Un si grand effort est fait dans la quête de l'uniformité, mais c'est l'imperfection humaine qui est embrassée et mise en avant à chaque action... Holly Miller" pratique offre une tactilité visuelle que nous pouvons voir flotter devant nous, mais jamais toucher."
Les œuvres de l'artiste sont exposées dans des collections publiques, notamment au Weatherspoon Art Museum en Caroline du Nord, au University of Kentucky Art Museum et à l'Arkansas Arts Center.
L'artiste a exposé son travail dans des expositions personnelles dans de nombreuses galeries, principalement sur la côte américaine, et à l'international dans de nombreuses expositions collectives, notamment à la Serpentine Gallery de Londres et au Miscetti Studio de Rome.
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