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Year: 2021
Edition: Unique
Technique: Oil on linen
Framed: No
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Les compositions kaléidoscopiques de Dana Gordon sont contemplatives et évoquent quelque peu le cubisme orphique.
Ses peintures ont une présence écrasante par leur couleur et leur structure, où les courbes gestuelles, les petits motifs et les formes libres jouent ensemble.
Gordon s'intéresse à la conversation visuelle entre les couleurs, les formes et les lignes, cherchant la tension entre la forme et la grille.
Il considère les formes, les formes adjacentes et les groupes de formes comme de petites peintures en elles-mêmes, au sein d'un tableau plus vaste.
Dana Gordon est un peintre abstrait américain dont le travail exubérant a, pendant des décennies, exploré directement le potentiel du tracé et de la ligne pour créer des couleurs, des formes et des espaces chargés de sens. Ces dernières années, il a de plus en plus poussé sa ligne vers la possibilité expressive de la calligraphie liquide. Pour Gordon, "la peinture abstraite peut exprimer la nature humaine et l'expérience dans son intégralité — à travers le sens, le sentiment et la beauté sous forme visuelle."
En tant qu'artiste multidisciplinaire, Gordon a également écrit sur l'art, conçu des décors pour l'opéra et la danse, et, entre 1968 et 1978, réalisé des films avant-gardistes ainsi que des peintures.
Il vit et travaille à New York.
Gordon est né à Boston en 1944 et a grandi à Chicago. Il a passé sa carrière artistique à New York depuis 1967, à l'exception des années 1970 où il a enseigné aux universités du Michigan, du Massachusetts et du Wisconsin, ainsi qu'au Honolulu Museum of Art.
L'artiste a obtenu un BA en art de l'Université Brown en 1966 et un MA en art du Hunter College en 1969. Il a travaillé comme assistant des artistes Tony Smith et George Sugarman dans leurs studios à la fin des années 1960.
En 1966-67, Gordon a étudié la photographie avec Aaron Siskind à l'ID à Chicago. En plus de la peinture, Gordon a également réalisé des films avant-gardistes entre 1967 et 1978, présentés dans des expositions individuelles au Museum of Modern Art et dans des musées du film à l'international. Les écrits de Gordon sur l'art (particulièrement sur Camille Pissarro) ont été publiés dans Commentary Magazine, le Wall Street Journal[ii], le New York Sun, le Jerusalem Post, et Painter’s Table[iii]. Gordon était l'un des fondateurs du Painting Center de New York en 1993 [iv] Sa peinture peut être vue sur danagordon.net.
Enfant, l'artiste était très proche de son grand-père maternel, qui était un érudit talmudique et en qui le jeune Gordon trouvait une spiritualité aimante. Gordon a déménagé avec sa famille à Chicago alors qu'il n'avait que cinq ans. Sa mère lui a fait découvrir les peintures impressionnistes et post-impressionnistes au Art Institute of Chicago, tandis que son père, un scientifique qui jouait du piano, l'a exposé à la musique classique et au jazz. Grandissant avec une conscience des incroyables bâtiments de la ville, Gordon a été tenté de devenir architecte.
Dana Gordon a peint étant enfant et a suivi des cours à l'Institut d'Art de Chicago. Bien que ses parents aient encouragé son appréciation de l'art tout au long de son enfance, lorsqu'il a décidé, pendant ses études universitaires, de devenir artiste, ils se sont totalement opposés à cela, mais il n'a pas changé d'avis.
Au début de sa carrière, Gordon a produit des toiles en forme, tridimensionnelles pendant environ dix ans. Mais au milieu des années 1970, il a "recommencé" (comme il le dit), réexplorant la peinture directement à partir de ses composants les plus basiques, utilisant le geste et la ligne comme son principal véhicule ou point d'entrée.
Les résultats, de séries en séries, ont parfois penché davantage sur la linéarité, d'autres fois sur des amas de marques, d'autres fois encore sur les formes tracées. Les qualités des lignes et de la calligraphie variaient dans toute une gamme, depuis les traits de crayon infiniment fins (bords des formes) jusqu'aux coups de pinceau très larges, suffisamment larges pour être eux-mêmes des formes....
Dans ses peintures de 2010 à 2014, la ligne est devenue le bord des formes, fournissant des zones distinctes pour une pleine expression de couleur. Gordon considère également les formes uniques, les formes adjacentes et les groupes de formes comme de petites peintures en elles-mêmes, au sein de la peinture entière.
Dans sa pratique, l'artiste n'utilise pas de couleurs terre ou de noir, mais seulement des couleurs spectrales créant des œuvres claires, spécifiques et fortes. Interrogé sur son approche de la couleur, Gordon a déclaré : "Un peintre a besoin de couleur pure comme un compositeur a besoin de tons purs et précis."
Lorsqu'on lui a demandé quelles étaient ses inspirations, l'artiste a déclaré : "Je suis inspiré par toutes mes expériences et observations, par les gens, les villes, les paysages et l'art, pour créer des peintures abstraites qui soient aussi pleines, riches, complètes et significatives que les grandes œuvres des maîtres du passé. Je veux que mon art provoque des sentiments et des réflexions profonds, ainsi que du plaisir et de la joie. Essentiellement, il pose et répond à deux questions : quelle est la sensation d'être vivant, et qu'est-ce que l'art."...
Dana Gordon a été immergé dans un environnement artistique durant sa jeunesse, visitant de nombreuses fois l'Art Institute of Chicago. Cependant, la première épiphanie qui lui a permis de comprendre la créativité est née des clubs de jazz qu'il a fréquentés durant son adolescence : entendre et voir les improvisations de Miles Davis et John Coltrane était, comme le dit Gordon, "être à l'intérieur de la pensée créative de génies artistiques en temps réel, pendant qu'ils le faisaient."
Vivant dans le centre de Manhattan à la fin des années 1960, Gordon était entouré d'un monde de l'art concentré et très vivant. Pendant ses études en peinture et sculpture au Hunter College, ses enseignants étaient des artistes tels que Tony Smith, George Sugarman, Ad Reinhardt, et Ralph Humphrey, entre autres.
Dana a été attirée et inspirée par leur pratique parce qu’ils incarnaient un sérieux et un dévouement absolus dans l’art, ainsi que le plus haut niveau de réussite artistique. Parallèlement, il se lie d'amitié avec la peintre Alice Neel, une artiste tout aussi sérieuse et accomplie avec une vision quelque peu différente de l'art et le monde des arts.
Il a travaillé au MoMA pendant environ un an où il a pu examiner certains des travaux les plus importants de l'art moderne en profondeur. Plus tard, Gordon a travaillé au Honolulu Museum of Art où il a étudié sa collection de paysages chinois et de peinture zen.
Les compositions de Dana Gordon évoquent en quelque sorte l'Orphisme Cubiste et sont kaléidoscopiques et contemplatives. En peignant, Gordon s'intéresse à la conversation visuelle entre les couleurs, les formes et les lignes.
Cette compréhension de l'art se retrouve non seulement dans ses peintures mais également dans les essais qu'il a écrits pour diverses publications sur l'une de ses inspirations, l'artiste Camille Pissarro.
À propos de Pissarro, Gordon a écrit dans le Wall Street Journal en 2007 : "Pissarro est communément connu comme le premier Impressionniste. Mais de son vivant, il était connu pour faire plus. Il était, en essence, le premier artiste abstrait. Il a montré que les qualités fondamentales de la peinture — couleurs, coups de pinceau, matérialité, lignes, formes, composition — avaient un sens en elles-mêmes, et a transformé la peinture en poésie visuelle pure."
"On est confronté à des questions existentielles à chaque fois qu'on commence à travailler sur un tableau, et c'est finalement ce qui fait qu'il vaut la peine d'être regardé et réalisé. En général, j'essaie de laisser tout ce que j'ai vécu affecter ma peinture. Et ensuite de laisser le processus Le processus est comme une conversation (souvent une dispute) avec le tableau et il est à la fois mental et physique.
La peinture est un langage visuel complet et ouvert d’expression intellectuelle, psychologique et émotionnelle. (Son essence est véritablement visuelle, rien du tout narrative, littéraire, académique, théorique ou politique.)
Historiquement, l’abstraction dérive de toutes les formes d’art, mais fondamentalement, elle les sous-tend aussi. La forme abstraite comprend notre vision de la nature et se retrouve dans toute la nature. »
James Panero, rédacteur en chef du New Criterion, examine les expositions de Gordon depuis des années et dit à propos de son travail :
“Dana Gordon a travaillé sur une construction abstraite particulière qui positionne une forme de couleur dans une grille. Alors que de nombreux artistes peignent largement, Gordon peint en profondeur. Il s'est singularement consacré à comprendre les possibilités de cet idiome particulier. L'évolution progressive de son travail est devenue un projet artistique en soi. Je peux penser à peu d'artistes qui sont aussi réfléchis dans l'examen des éléments constitutifs de l'huile sur toile (…) Plutôt que d'épuiser un langage simple ; Gordon a démontré comment quelques éléments de base peuvent nous captiver avec un kaléidoscope d'intérêt visuel.”
- La galerie Westbeth dans le quartier de Greenwich Village à New York a invité Gordon à avoir une rétrospective de 50 ans le 19 mars, la galerie a écrit : "Après plusieurs expositions solo de Gordon ces dernières années à New York et à Paris, nous avons pensé qu'il était temps de raconter une histoire plus complète."
- James Panero, critique d'art et rédacteur en chef de The New Criterion, a annoncé l'exposition Westbeth.[v]
- En septembre 2018, le travail récent de Gordon a été présenté à la Galerie Metanoia à Paris, à propos duquel David Cohen, rédacteur en chef d'Art Critical, a écrit "Paris a de la chance !" [vi] [vii]
- "MJ Bono, un collectionneur, a écrit sur le travail de Gordon : "quand j'ai vu votre récente exposition à Westbeth, j'ai regardé vos différentes séries et j'ai pensé ici est un artiste qui a exploré toutes les possibilités pour lui et n'avait pas peur de passer à essayer différents défis. C'est ce que nous devons tous espérer faire."
Il est récipiendaire de plusieurs subventions et bourses, notamment de la Fondation Pollock-Krasner, de la Fondation Edward Albee, du Wisconsin Arts Board et d'autres. En 1980, il reçoit une subvention de Change, Inc., la fondation de Robert Rauschenberg.
Le tableau abstrait acclamé par la critique de Dana Gordon a été présenté dans de nombreuses expositions individuelles depuis les années 1970.
En mars 2019, il a été invité à organiser une rétrospective de 40 peintures sur 50 ans par la galerie d'artistes Westbeth à Greenwich Village à New York.
En septembre 2018, le travail récent de Gordon a été présenté à la Galerie Metanoia à Paris....
Avant cela, Gordon a présenté des expositions individuelles de ses peintures à la Sideshow Gallery, (2017[viii], 2013[ix]), la Andre Zarre Gallery (1997, 2014[x]), le Painting Center (1994), la 55 Mercer Gallery (1993, 1994), et la Ericson Gallery (1982) à New York, El Camino Real à Boca Raton (2003), et l'Université Adelphi (1995), parmi d'autres lieux[xi]. Sa peinture a également été présentée dans de nombreuses expositions collectives, notamment à la Paolo Baldacci, Peder Bonnier, Charles Cowles, Kouros, Janet Kurnatowski, Ledis Flam, Sideshow, Blondie's, et PS122 galleries.
Le travail de Gordon est présenté dans des collections publiques et privées, tant au niveau national qu'international, y compris le Brooklyn Museum of Art, Philip Morris Corp et le American College of Greece.
Galerie André Zarre, New York, New York
Galerie Sideshow, Brooklyn, New York
David Cohen, Art Critical, sur FB, 2018 : Lucky Paris.
James Panero, Painters' Table, 2017 : Associe l'intuition picturale à une conscience philosophique.... Gordon est l'un de ces créatifs originaux....
Ann Saul, Delicious Line, 2017 : Ces peintures puissantes ne sont pas pour les âmes sensibles.
James Panero, New Criterion, 2014 : Alors que de nombreux artistes peignent largement, Gordon peint profondément.... Gordon sait "ce que seule la peinture peut faire."
Grace Glueck, New York Times, 1997 : … un festival oculaire très animé.
Hilton Kramer, Artforum, 1995 : ...parmi les artistes que j'inclurais à la Biennale de Whitney.
Jonas Mekas, lettre, 1995 : Ce que ma petite visite à votre studio a fait, c'est qu'elle a restauré ma foi en l'art.[xii]
Helen Harrison, New York Times, 1994 : ... de magnifiques peintures, remplies de l'exubérance contrôlée d'un spectacle soigneusement orchestré.
Valentin Tatransky, essai de catalogue, 1992 : Regardez ses photos encore et encore.
John Russell, NY Times, 1987 : ...qui vaut la peine d'être recherché…un peintre dont il serait bon de voir davantage.
Linda Gross, L.A.Times, 1978 : ... pour les puristes et les pionniers à la recherche de nouvelles perceptions.
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