2025 में देखने के लिए 10 दक्षिण अमेरिकी अमूर्त कलाकार

दक्षिण अमेरिकी सार कला एक असाधारण पुनर्जागरण का अनुभव कर रही है, जिसे अभूतपूर्व बाजार मान्यता और वैश्विक संस्थागत स्वीकृति द्वारा प्रेरित किया गया है।

यह पुनरुत्थान केवल क्यूरेटोरियल ट्रेंड-स्पॉटिंग नहीं है; इसे मिड-सेंचुरी मास्टर्स जैसे Lygia Pape और Hélio Oiticica के नीलामी मूल्यों में वृद्धि द्वारा मापा जाता है और Hauser & Wirth, Pace, और David Zwirner जैसे प्रतिष्ठित वैश्विक गैलरियों द्वारा ऐतिहासिक संपत्तियों और समकालीन कलाकारों के प्रतिनिधित्व से मजबूत किया गया है।

साथ ही, गेट्टी से लेकर म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट तक के संग्रहालयों ने नियो-कॉन्क्रीटिज़्म और काइनेटिक आर्ट जैसे आंदोलनों की गंभीर विद्वतापूर्ण पुनर्मूल्यांकन की है, जिससे इन्हें वैश्विक कला इतिहास के केंद्र में लाया गया है।

यहाँ हाइलाइट किए गए दस कलाकार इस पुनर्जीवित परंपरा के वारिस और नवप्रवर्तक हैं, जो इसकी शक्तिशाली दृश्य भाषा का उपयोग समकालीन पहचान, भौतिकता, और स्थान के मुद्दों का अन्वेषण करने के लिए करते हैं।

एड मिनोलिटी (अर्जेंटीना)

एड मिनोलिटी (जन्म 1980) समकालीन दक्षिण अमेरिकी अमूर्तता में सबसे नवोन्मेषी आवाजों में से एक के रूप में उभरे हैं, जो "पोस्ट-ज्यामितीय" कार्य बनाते हैं जो "ज्यामिति और रंग का उपयोग करके गैर-बाइनरी काल्पनिक कथाएँ बनाते हैं।" उनका प्रमुख प्रदर्शनी "Manifestación pluriversal" कंटेम्पररी आर्ट म्यूजियम सेंट लुइस (सितंबर 2024-फरवरी 2025) में अमेरिकी दर्शकों को अमूर्तता के प्रति उनके विशिष्ट सामाजिक अभ्यास दृष्टिकोण से परिचित कराता है।

मिनोलिटी का काम अर्जेंटीना की समृद्ध ज्यामितीय अमूर्तता की परंपरा पर आधारित है जबकि इसकी संभावनाओं की पूरी तरह से पुनर्कल्पना करता है। उनके "कैंडी पैलेट्स" और खेलपूर्ण औपचारिक अनुसंधान ने द गार्जियन द्वारा "नॉन-बाइनरी ज्यामिति" के रूप में वर्णित अमूर्त कार्य बनाए हैं: ऐसे अमूर्त कार्य जो पारंपरिक द्विआधारी सोच को केवल दृश्य माध्यमों से चुनौती देते हैं। हाल के प्रोजेक्ट्स ने क्वीरनेस, नारीवाद, और काल्पनिक भविष्य जैसे विषयों का अन्वेषण किया है, यह दिखाते हुए कि अमूर्त कला समकालीन सामाजिक मुद्दों से कैसे जुड़ सकती है।

उनका प्रदर्शनी "Nature is Queer" (2024) और Galerie Crèvecoeur में "The Feminist School of Painting" में उनकी भागीदारी उनके बढ़ते अंतरराष्ट्रीय मान्यता को दर्शाती है। मिनोलिटी का काम दक्षिण अमेरिकी कलाकारों की नई पीढ़ी का प्रतिनिधित्व करता है जो वैकल्पिक भविष्य की कल्पना करने और स्थापित सामाजिक संरचनाओं को चुनौती देने के लिए अमूर्तता का उपयोग करते हैं।

ब्रूनो डनले (ब्राज़ील)

ब्रूनो डनले (जन्म 1984, पेट्रोपोलिस) ने खुद को उस कलाकार के रूप में स्थापित किया है जिसे आलोचक "पेंटर का पेंटर" कहते हैं: एक ऐसा कलाकार जिसका काम पेंटिंग की मूलभूत विशेषताओं की गहरी समझ दिखाता है जबकि माध्यम को नए क्षेत्रों में ले जाता है। उनका हालिया एकल प्रदर्शनी "Pequenas Alegrias" (छोटी खुशियाँ) नारा रोस्लर रियो डी जनेरियो (अप्रैल-जून 2024) में उनकी अमूर्तता के प्रति परिपक्व दृष्टिकोण को दर्शाता है, जो निरंतर संशोधन और परिष्करण की प्रक्रिया है।

डनले की पेंटिंग्स धीरे-धीरे प्रकट होती हैं, जो परतों के माध्यम से बनाई जाती हैं, संपादन और मिटाने के साथ। उनके संयमित इशारे ऐसे कार्य बनाते हैं जो प्रतिनिधित्व और शुद्ध अमूर्तता के बीच मंडराते प्रतीत होते हैं, ऐसे रूप जो दर्शक के दृष्टिकोण के अनुसार परिदृश्य, वास्तुकला, या शुद्ध भावना का सुझाव देते हैं। आलोचकों ने उनके काम के संबंध को अल्फ्रेडो वोल्पी के ज्यामितीय अनुसंधानों और लुक टुइमन्स जैसे समकालीन यूरोपीय कलाकारों के अधिक चित्रकारी दृष्टिकोणों से जोड़ा है।

उनकी 2023 की प्रदर्शनी "Clouds" Nara Roesler New York में "एक अमूर्त घटना" के रूप में अमूर्तता की खोज करती है, यह जांचती है कि प्राकृतिक घटनाओं को केवल औपचारिक जांचों में कैसे अनुवादित किया जा सकता है।

वर्तमान में Nara Roesler द्वारा प्रतिनिधित्व की जा रही Dunley ब्राजील की समकालीन पेंटिंग के लिए एक अनूठा दृष्टिकोण विकसित करना जारी रखती हैं जो देश की आधुनिकतावादी विरासत का सम्मान करता है जबकि पूरी तरह से समकालीन बना रहता है।

Cristina Ghetti (Argentina/Spain)

अर्जेंटीना में जन्मी Cristina Ghetti (जन्म 1969) स्पेन के वेलेंसिया से काम करती हैं, जहां उन्होंने ज्यामितीय अमूर्तता के लिए एक विशिष्ट दृष्टिकोण विकसित किया है जो Op Art, Geometric Abstraction, और Kinetic Art को जोड़ता है। मास्टर ऑफ विजुअल आर्ट्स और मल्टीमीडिया धारक और Polytechnic University of Valencia में "Post Medial Geometry" शीर्षक से डॉक्टोरल थीसिस पूरी करने वाली Ghetti अपने अभ्यास में कलात्मक अंतर्ज्ञान और शैक्षणिक कठोरता दोनों लाती हैं।

उनकी पेंटिंग्स कठोर ज्यामितीय प्रणालियों का उपयोग करती हैं जो सूक्ष्म धारणा परिवर्तनों को उत्पन्न करती हैं, जिससे स्थिर रचनाएं धड़कती और सांस लेती प्रतीत होती हैं। Op Art की परंपरा के भीतर काम करते हुए, Ghetti के क्रमिक रंग संरचनाएं वह "दृश्य संगीत" कहती हैं: पैटर्न जो केवल दृश्य माध्यमों से अपनी स्वयं की ध्वनिक विशेषताएं उत्पन्न करते प्रतीत होते हैं। उनकी तकनीक डिजिटल रचनाएं बनाना शामिल है जो मन को गति और गहराई का भ्रम देती हैं, जिसे वह फिर कैनवास पर ऐक्रेलिक पेंटिंग्स में अनुवादित करती हैं।

Ghetti का काम व्यापक रूप से प्रदर्शित किया गया है, जिसमें MACBA Buenos Aires, वाशिंगटन DC में Argentine Embassy, और Miami के Frost Art Museum शामिल हैं। उनका काम स्थायी संग्रहों में रखा गया है, जिनमें National Museum of Contemporary Art and Design of San José, Costa Rica, और Buenos Aires के Municipal Museum of Plastic Arts Eduardo Sívori शामिल हैं, जो उनके स्पेनिश आधार के बावजूद दक्षिण अमेरिकी कला दृश्य से उनके निरंतर जुड़ाव को दर्शाता है।

Daniela Marin (Venezuela/Peru)

वेनेजुएला में जन्मी Daniela Marin (जन्म 1977) ने पेरू के लीमा से समकालीन दक्षिण अमेरिकी अमूर्त कला में सबसे प्रभावशाली आवाज़ों में से एक के रूप में अपनी पहचान बनाई है। प्रतिष्ठित Altos de Chavón School of Design की स्नातक, Marin ऐसे कार्य बनाती हैं जो वास्तुशिल्पीय सटीकता के साथ धड़कते हैं जबकि उनके रंग संबंधों में लगभग संगीतात्मक लय बनी रहती है।

उनकी पेंटिंग्स को "रचनात्मक गीतात्मकता" कहा जा सकता है: प्रत्येक कैनवास ज्यामितीय रूपों की विधिपूर्वक परतों के माध्यम से निर्मित होता है जो किसी तरह अपने गणितीय मूल से परे जाकर कुछ गहराई से भावनात्मक प्राप्त करते हैं। रंगों के सावधानीपूर्वक संयोजन के माध्यम से जो चमक वह प्राप्त करती हैं, उसे महान वेनेजुएलन काइनेटिक कलाकारों से तुलना मिली है, फिर भी उनका काम अपनी वैचारिक कठोरता में स्पष्ट रूप से समकालीन बना रहता है।

वर्तमान में IdeelArt द्वारा प्रतिनिधित्व की जाने वाली Marin का काम उनके वेनेजुएला विरासत और उनके अपनाए हुए पेरू के घर के बीच सांस्कृतिक संवाद को दर्शाता है, ऐसे अमूर्त कार्य बनाता है जो प्रवासन और सांस्कृतिक संश्लेषण के व्यापक लैटिन अमेरिकी अनुभव से बात करते हैं।

Francisca Aninat (चिली)

चिली की कलाकार Francisca Aninat ने समकालीन दक्षिण अमेरिकी कला में अमूर्त पेंटिंग के लिए सबसे विशिष्ट दृष्टिकोणों में से एक विकसित किया है। उनकी प्रक्रिया, जिसमें पेंट किए गए कैनवास को सचमुच फाड़कर सिलाई के माध्यम से पुनः संयोजित किया जाता है, ऐसे कार्य बनाती है जो पेंटिंग और वस्त्र वस्तुओं दोनों के रूप में कार्य करते हैं, मीडिया के पारंपरिक सीमाओं को चुनौती देते हैं।

उनकी हाल की एकल प्रदर्शनी "Hills in the Distance" पेरिस के Bendana-Pinel में (जुलाई 2024 तक) दिखाती है कि कैसे उनके फटे और सिलवाए गए कैनवास वह बनाते हैं जिसे वह "स्पर्शीय अमूर्तता" कहती हैं। प्रत्येक कार्य स्मृति, आघात, और उपचार पर ध्यान केंद्रित करता है, जिसमें मरम्मत की भौतिक क्रिया कार्य के अर्थ के लिए केंद्रीय बन जाती है।

Aninat की प्रक्रिया पेंटिंग की मौलिक भौतिकता पर ध्यान केंद्रित करती है जबकि ऐसे कार्य बनाती है जो विखंडन और पुनर्निर्माण के व्यापक विषयों से बात करते हैं—ऐसे विषय जो चिली के जटिल राजनीतिक इतिहास के संदर्भ में शक्तिशाली रूप से प्रतिध्वनित होते हैं। उनका काम कैम्ब्रिज विश्वविद्यालय की महिला कला संग्रह सहित संग्रहों में रखा गया है, और वह अमूर्तता के लिए अपनी अनूठी दृष्टिकोण को दृश्य और भौतिक अनुभव दोनों के रूप में विकसित करना जारी रखती हैं।

Jaime Gili (वेनेजुएला/यूके)

लंदन-आधारित वेनेजुएला के कलाकार Jaime Gili ने ज्यामितीय अमूर्तता के लिए एक विशिष्ट दृष्टिकोण विकसित करने में दशकों बिताए हैं जो "मध्य-शताब्दी के आधुनिकतावादी कला, वास्तुकला, और डिजाइन की गतिशीलता और आशावाद" का जश्न मनाता है जबकि अपनी चिंताओं में पूरी तरह समकालीन रहता है। उनकी उच्च-रंग तीव्रता वाली हार्ड-एज पेंटिंग्स वह बनाती हैं जिसे एक समीक्षक ने "गति में विद्युत ज्यामिति" कहा।

Gili का काम स्पष्ट रूप से वेनेजुएला की गतिशील और ज्यामितीय कला की समृद्ध परंपरा पर आधारित है, लेकिन ये ऐतिहासिक संदर्भ समकालीन दर्शकों के लिए पुनः सक्रिय करता है। उनकी पेंटिंग्स, प्रिंट्स, और सार्वजनिक कलाकृतियां दिखाती हैं कि लैटिन अमेरिकी आधुनिकतावादी परंपराओं को केवल नॉस्टैल्जिक बने बिना कैसे पुनर्जीवित किया जा सकता है। हाल के कार्यों ने उनके मातृभूमि की राजनीतिक स्थिति के साथ अधिक जुड़ाव दिखाया है, अमूर्त माध्यमों का उपयोग करके ठोस सामाजिक वास्तविकताओं को संबोधित किया है।

1996 से यूके में रहने और काम करने वाले Gili दक्षिण अमेरिकी अमूर्त कला की वैश्विक पहुंच का प्रतिनिधित्व करते हैं। उनके कार्य प्रमुख संग्रहों में दिखाई देते हैं और ज्यामितीय अमूर्तता और राजनीतिक जुड़ाव के संगम की खोज कर रहे युवा कलाकारों को प्रभावित करना जारी रखते हैं।

Johanna Unzueta (चिली)

Johanna Unzueta (जन्म 1974, सैंटियागो) "गर्म न्यूनतावाद" कहा जा सकता है—ज्यामितीय अमूर्तताएं जो प्राकृतिक सामग्रियों और हस्तनिर्मित प्रक्रियाओं का उपयोग करती हैं ताकि ऐसे कार्य बनाए जा सकें जो दोनों व्यवस्थित और गहराई से मानवीय महसूस होते हैं। न्यूयॉर्क और बर्लिन के बीच काम करते हुए, Unzueta ने एक विशिष्ट अभ्यास विकसित किया है जो फेल्ट, लकड़ी, और ड्राइंग को एकीकृत प्रणालियों में जोड़ता है।

उनकी हाल की प्रदर्शनी "Naturalist" Casey Kaplan (2024) में उनके अमूर्तता के परिपक्व दृष्टिकोण को प्रदर्शित करती है जो प्राकृतिक और निर्मित पर्यावरणों के बीच संबंधों की खोज का माध्यम है। उनके फेल्ट कार्य, विशेष रूप से, यह दिखाते हैं कि पारंपरिक शिल्प तकनीकों का उपयोग कैसे परिष्कृत अमूर्त रचनाएं बनाने के लिए किया जा सकता है जो स्वदेशी वस्त्र परंपराओं और समकालीन न्यूनतम कला दोनों से संवाद करती हैं।

Unzueta का कार्य "श्रम, उत्पादकता, और प्रगति की अवधारणाओं" को हस्तनिर्मित प्रक्रियाओं के माध्यम से संबोधित करता है जो जानबूझकर कलात्मक उत्पादन को धीमा करते हैं। उनकी ज्यामितीय रचनाएं, जो गणितीय प्रणालियों के बजाय सहज अभिव्यक्ति के माध्यम से बनाई जाती हैं, ऐसे कार्य उत्पन्न करती हैं जो समकालीन और कालातीत दोनों महसूस होते हैं। वह संपादकीय डिजाइन और कलाकार प्रकाशनों में भी सक्रिय हैं, जो उनकी दृश्य संस्कृति के साथ व्यापक जुड़ाव को दर्शाता है।

Marina Perez Simão (Brazil)

Marina Perez Simão (जन्म 1980, विटोरिया) ब्राज़ील की सबसे प्रसिद्ध समकालीन अमूर्त चित्रकारों में से एक हैं, और 2025 उनके अंतरराष्ट्रीय मान्यता के लिए एक मील का पत्थर है। उनका प्रमुख संस्थागत प्रदर्शनी "Tuning Fork" Instituto Tomie Ohtake (अगस्त-अक्टूबर 2025) में ब्राज़ील में उनका पहला प्रमुख संग्रहालय शो है, जबकि "Horizontes - Peintures brésiliennes" में उनकी भागीदारी Fondation Cartier, पेरिस (अप्रैल-अक्टूबर 2023), ने उनके कार्य को यूरोपीय दर्शकों के सामने प्रस्तुत किया है।

Pace Gallery और Mendes Wood DM दोनों द्वारा प्रतिनिधित्व, Simão ऐसे चित्र बनाती हैं जो परिदृश्य के किनारे पर मंडराते हैं बिना कभी पूरी तरह प्रतिनिधित्वात्मक बने। उनके संतृप्त रंग क्षेत्र शुद्ध वातावरण में विलीन होते प्रतीत होते हैं, ऐसे कार्य बनाते हैं जो भावनात्मक अनुभवों के रूप में उतने ही कार्यात्मक हैं जितने कि दृश्यात्मक। उनकी प्रक्रिया, यादों और छवियों के संचय और संयोजन पर आधारित, ऐसे चित्र बनाती है जो गहराई से व्यक्तिगत और सार्वभौमिक रूप से प्रतिध्वनित महसूस होते हैं।

"Diffusion" Mendes Wood DM पेरिस (2024) और "ZWIELICHT" G2 Kunsthalle, लाइपज़िग में हाल की प्रदर्शनियां उनकी बढ़ती अंतरराष्ट्रीय उपस्थिति को दर्शाती हैं। उनका कार्य अमूर्तता के लिए एक विशिष्ट ब्राज़ीलियाई दृष्टिकोण प्रस्तुत करता है, जो देश की समृद्ध आधुनिकतावादी विरासत और इसकी समकालीन वैश्विक स्थिति दोनों को अपनाता है।

Marina Weffort (Brazil)

Marina Weffort (जन्म 1980, साओ पाउलो) ब्राज़ीलियाई वस्त्र अमूर्तता की अग्रिम सीमा का प्रतिनिधित्व करती हैं, ऐसे कार्य बनाती हैं जो चित्रकला, मूर्तिकला और शिल्प के संगम पर मौजूद हैं। Galeria Luisa Strina द्वारा प्रतिनिधित्व, जो ब्राज़ील की सबसे प्रतिष्ठित समकालीन कला दीर्घाओं में से एक है, Weffort चित्रकला, रेखांकन, वस्तुएं, और स्थापना के साथ काम करती हैं ताकि सामग्री, प्रक्रिया, और अर्थ के बीच संबंधों की जांच की जा सके।

उनकी न्यूनतम वस्त्र अमूर्तताएं कटे और बुने हुए कपड़े का उपयोग करके जाली जैसे ढांचे बनाती हैं जो प्रकाश के साथ सांस लेते प्रतीत होते हैं। ये कार्य पारंपरिक उच्च कला और शिल्प के बीच की पदानुक्रमों को चुनौती देते हैं, यह दिखाते हुए कि वस्त्र तकनीकों का उपयोग कैसे परिष्कृत अमूर्त रचनाएं बनाने के लिए किया जा सकता है जो ब्राज़ीलियाई सांस्कृतिक परंपराओं और समकालीन अंतरराष्ट्रीय कला विमर्श दोनों से संवाद करती हैं।

Weffort का अभ्यास समकालीन ब्राज़ीलियाई कला में सामग्री प्रयोग और प्रक्रिया-आधारित कार्य की व्यापक प्रवृत्ति को दर्शाता है। विभिन्न माध्यमों के बीच संबंधों की उनकी जांच ऐसे कार्यों का परिणाम है जो दोनों ही वैचारिक रूप से कठोर और संवेदी रूप से आकर्षक हैं, जो अमूर्त कला की संभावनाओं का विस्तार करने वाली ब्राज़ीलियाई कलाकारों की नई पीढ़ी का प्रतिनिधित्व करते हैं।

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna ने 'तरल ज्यामिति' कहा जा सकने वाले क्षेत्र में एक मास्टर के रूप में उभर कर सामने आए हैं। मुख्य रूप से जलरंग में काम करते हुए, जो एक ऐसा माध्यम है जिसे गंभीर अमूर्त विमर्श में अक्सर नजरअंदाज किया जाता है, Reyna बड़े पैमाने पर ऐसे कार्य बनाते हैं जहाँ गुरुत्वाकर्षण उनकी मुख्य रचनात्मक उपकरण बन जाती है। उनके ऊर्ध्वाधर वॉश पेपर पर नियंत्रित सहजता के साथ बहते हैं, ऐसे वायुमंडलीय प्रभाव पैदा करते हैं जो प्राकृतिक घटनाओं और शुद्ध वर्णात्मक अनुभव दोनों का सुझाव देते हैं।

ब्यूनस आयर्स और पेरिस के बीच आधारित, Reyna का काम अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की भावनात्मक स्वतंत्रता और हेलन फ्रैंकेंथलर जैसे कलाकारों के रंग क्षेत्र के अन्वेषण के बीच की खाई को पाटता है, लेकिन एक विशिष्ट दक्षिण अमेरिकी संवेदनशीलता के साथ। उनकी पेंटिंग अक्सर अर्जेंटीनी पंपास के विशाल परिदृश्यों को याद दिलाती हैं, फिर भी दृढ़ता से गैर-प्रतिनिधि हैं।

कलाकार के हाल के काम ने इस बात के लिए ध्यान आकर्षित किया है कि कैसे जलरंग की अंतर्निहित अप्रत्याशितता को आश्चर्यजनक संरचनात्मक अखंडता वाली कलाकृतियाँ बनाने के लिए उपयोग किया जा सकता है। प्रत्येक टुकड़ा एक दृश्य स्कोर की तरह पढ़ता है, जिसमें रंग संबंध अपनी आंतरिक संगीत उत्पन्न करते प्रतीत होते हैं।

उनका काम हाल ही में वेनेजुएला के MACA-Zulia में 'The Sound of Color' नामक एक संग्रहालय प्रदर्शनी का विषय था, जो लैटिन अमेरिकी अमूर्तन के व्यापक संदर्भ में उनकी जगह को पुष्ट करता है।

वर्तमान में IdeelArt द्वारा प्रतिनिधित्व किए जाने वाले Reyna तरल माध्यमों के माध्यम से अमूर्तन के अपने अनूठे दृष्टिकोण को विकसित करना जारी रखते हैं। 

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ये दस कलाकार समकालीन दक्षिण अमेरिकी अमूर्त कला की विविधता और जीवंतता का प्रतिनिधित्व करते हैं, प्रत्येक अमूर्तन और पहचान, परंपरा और नवाचार के बीच चल रहे संवाद में एक अनूठा दृष्टिकोण लाते हैं।

जो उन्हें जोड़ता है वह साझा शैली या दृष्टिकोण नहीं है, बल्कि अमूर्त कला को नए क्षेत्रों में ले जाने की प्रतिबद्धता है जबकि उनके क्षेत्र की समृद्ध सांस्कृतिक परंपराओं से जुड़े रहना। जैसे-जैसे दक्षिण अमेरिकी कला अंतरराष्ट्रीय मान्यता प्राप्त कर रही है, ये कलाकार 21वीं सदी में अमूर्तन का क्या अर्थ है, इसे परिभाषित करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाने के लिए तैयार हैं।

उनका काम दिखाता है कि दक्षिण अमेरिकी अमूर्त कला केवल अंतरराष्ट्रीय रुझानों का पालन नहीं कर रही है, बल्कि उन्हें सक्रिय रूप से आकार दे रही है, यह नए अवसर पैदा कर रही है कि अमूर्त कला समकालीन सामाजिक, राजनीतिक और सांस्कृतिक वास्तविकताओं के साथ कैसे जुड़ सकती है जबकि अपनी मौलिक प्रतिबद्धता को औपचारिक नवाचार और सौंदर्य अनुभव के प्रति बनाए रखती है।

Francis Berthomier

विशेष छवि: Double Wave  by Cristina Ghetti (2017, विवरण)। सभी छवियाँ कलाकारों की अनुमति से।

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