Un'intervista con Ellen Priest

Ellen Priest ha lasciato il segno nel mondo dell'arte con i suoi vivaci dipinti astratti collage per oltre trent'anni. Influenzata da Cezanne fin dall'inizio della sua carriera e dal jazz dagli anni '90, ha cercato di catturare i movimenti e i ritmi intricati di una varietà di composizioni jazz in pennellate dai colori vivaci. IdeelArt ha avuto l'opportunità di discutere il suo processo di lavoro, ottenendo nel contempo un'idea delle sue influenze e della sua passione per la musica.

"Hai menzionato di essere stato fortemente influenzato da un'esposizione intitolata 'Cezanne: The Late Works' che presentava le sue ultime acquerelli al Museum of Modern Art. Il suo stile influenza ancora e pervade le tue opere?"

Oh assolutamente. È divertente; è una di quelle intuizioni che abbiamo quando siamo giovani. Questa è rimasta per me. E potevo dire all'epoca che era qualcosa di grande. Al Philadelphia Museum of Art c'è un paesaggio di Cezanne degli ultimi anni che ogni volta che ho bisogno di schiarirmi le idee o trovare ispirazione, o capire qualcosa, vado a vederlo. Rimango davanti a quel paesaggio finché non riesco a capirlo. Il suo lavoro tardivo è stata un'influenza costante, e sono passati più di trenta anni. Penso che sia perché ha trovato un modo per gestire i colori, e ciò che molte persone non si rendono conto è che la scelta del posizionamento di un particolare colore è essenzialmente disegno. Cezanne aveva un modo di comprendere come gli oggetti negli spazi fluttuano. Il suo modo di pensare sembra corrispondere al mio. Le forme appaiono, e poi si dissolvono. Poi riappaiono e svaniscono di nuovo, il che dà l'illusione che il dipinto stia respirando. È ancora per me altrettanto magico come quando ho visto per la prima volta il pezzo.

Mi sento fortunato, onestamente. Penso che parli della forza e della brillantezza del suo lavoro. Per me, è stato tanto un punto di svolta quanto Giotto con la prospettiva e il modo in cui gestiva le figure nello spazio. Il mio presentimento è che se potessi saltare avanti di 500 anni, la gente continuerebbe a parlare di Cezanne come di un punto di svolta. Quell'espressionismo astratto che mi ha affascinato fin dall'inizio è altrettanto forte per me ora. Mi sento fortunato di averlo colto e di averlo compreso presto. Ho semplicemente realizzato ciò che era potente per me visivamente. 

Puoi parlarci del tuo processo di lavoro? Quali materiali e tecniche utilizzi?

Uso carta; tutto il mio lavoro è su carta. I colori che uso sono flash e olio. Il flash, essendo una vernice a base di vinile solubile in acqua, prende i pigmenti come fa l'acquerello e la gouache. Non ingiallisce i colori come fa l'acrilico. È molto compatibile con gli oli. A livello di colore, è un po' diverso, ma funzionano davvero bene insieme nello spazio. Uso anche molto la matita. Le carte variano da carta da acquerello francese molto pesante, a due pesi di velina da tracciamento Canson. Una è molto pesante e si chiama Opalux, l'altra è più sottile e entrambe sono archivistiche. Ho lavorato molto negli ultimi quindici anni con una coppia a Boston, Jim e Joan Wright, che sono entrambi conservatori di museo, e mi hanno guidato in questo processo. Jim mi ha insegnato come usare la vernice ad olio su questo tipo di carta senza avere problemi. Lo faccio da molto tempo ormai, e il lavoro sembra resistere bene; non ho avuto difficoltà. Uso anche gel MSA come colla, e non lamino i pezzi di strato - li incollaggio a punti - e li peso per far asciugare il gel. Ci vuole circa una settimana per asciugare.

"Menzioni che trascorri da uno a cinque anni su una serie data. Come mantieni la tua motivazione e non ti esaurisci?"

Il mio processo è piuttosto lungo ma molto vario. Va da studi con il pennello, che sono i miei primi incontri con i suoni e il movimento della musica. E gli studi con il pennello durano forse trenta secondi e progrediscono fino a costruire lentamente questi pezzi spessi e stratificati. Non ho problemi perché il processo è uno che si è evoluto nel corso di molti anni e funziona davvero per me. È diventato un linguaggio in cui mi sento molto a mio agio, anche se è sempre una sfida. Penso anche che a un certo punto si diventi semplicemente professionisti, e non importa come mi senta in un dato giorno. È tempo di andare a lavorare. Nuoto a stile libero, prendo un frullato e mi metto al lavoro. Ho imparato che se la mia testa non è concentrata, ci sono una varietà di cose che posso fare per entrare nel giusto stato d'animo. Di solito so il giorno prima cosa devo fare per il giorno successivo. Quando cerco di capire le relazioni di colore, devo solo sedermi e guardare, e continuare a cambiare i campioni di colore per vedere come si comportano nello spazio. Ho anche la musica accesa. Quindi il processo stesso a volte mi porta avanti quando la mia mente e il mio cuore non sono necessariamente lì, ma devo arrivarci. Disciplina che arriva con gli anni.

Ellen Priest - Studio frontale di Jazz Cubano #2, 2013. Gouache su carta. 106,68 x 106,68 cm.

Come selezioni i tuoi contenuti e argomenti?

La materia e il contenuto sono cose molto diverse. Il contenuto è il risultato finale, o le emozioni che provi quando guardi il pezzo. La materia è il jazz. Pochissimi artisti astratti hanno una materia consapevole. Ho scoperto molto presto che non potevo mantenere le mie immagini fresche senza andare a cercare materia esterna. E ho lottato con questo per circa dieci anni. È finalmente successo quando stavo ascoltando jazz. Ero in viaggio verso il Vermont per andare a sciare e stavo ascoltando la stazione NPR locale, e c'era un pezzo di Michel Camilo, un pianista jazz dominicano. All'improvviso, mi sono reso conto che gli spazi che vedevo nella mia testa erano spazi presenti nella sua musica.

Era il 1990, e da allora lavoro con il jazz. È un argomento consapevole. Ci sono voluti diversi anni per sviluppare come avrei sviluppato le immagini da esso. De Kooning non si è mai visto come un pittore astratto; guardava costantemente figure e paesaggi, occasionalmente nature morte. Joan Mitchell, che è una delle mie altre icone, ha avuto una carriera molto lunga come pittrice espressionista astratta ed è davvero difficile. Ha preso ispirazione dal paesaggio e dalla poesia. Aveva un certo numero di amici poeti, uno dei quali era John Ashbury, e lei "illustava" le sue poesie. De Kooning e Mitchell sono tra i pochi che hanno mantenuto questo stile di pittura espressionista gestuale per tutta la durata delle loro carriere.

Come si naviga nel mondo dell'arte?

Non molto bene. Sono una di quelle persone che sa come essere un imprenditore e sono molto professionale, ma non sento di avere molto successo in questo campo. È un'area su cui sto ancora lavorando molto duramente. Il più grande ostacolo per me è stato che, da quello che posso capire, le persone che guardano molta arte mi dicono sempre che il mio lavoro è qualcosa che devi vedere di persona. Non solo, il lavoro è unico. Nessun altro sta guardando o usando i materiali in questo modo. L'unicità è un vantaggio, ma è anche una responsabilità, perché è difficile per alcune persone trovare un modo per relazionarsi a ciò che stanno vedendo, perché non hanno mai visto nulla di simile. 

"Menzioni che le tue opere sono fortemente influenzate dai ritmi e dalla rigorosità intellettuale della musica jazz. Cosa stai ascoltando attualmente che alimenta il tuo lavoro?" 

Ascolto effettivamente in anticipo di un anno o due prima di iniziare un nuovo progetto. I miei progetti possono richiedere da un anno a cinque anni, quindi se devo lavorare su un particolare pezzo per quel periodo di tempo, è meglio che mi piaccia! Altrimenti sarei in grossi guai se non mi rimanesse impresso. Sto appena finendo questa serie di Jazz Cubano, e l'ho affrontata perché amo il jazz afro-cubano. I ritmi sono così complessi che ho realizzato che l'unico modo per capirli era scomporli nei pezzi più semplici—un suono di percussione alla volta—e poi ricostruire il tutto. È stata una serie davvero divertente. La finirò entro la fine dell'autunno, e poi inizierò una composizione della lunghezza di un CD chiamata The River di un pianista e compositore di Chicago di nome Ryan Cohan.

È un pezzo bellissimo e ha otto sezioni scritte con molta attenzione. Tra ciascuna, c'è una sezione di pianoforte improvvisata—quella è simbolicamente il fiume. Ha ricevuto una sovvenzione per viaggiare in Africa, e Chamber Music America, che ha anche finanziato la Suite venezuelana di Edward Simon, su cui ho lavorato per cinque anni, ha finanziato la composizione. Quello che Ryan ha fatto è prendere i ritmi africani insieme a tutto il resto che lo ha influenzato, e trasformarlo in qualcosa che era davvero suo. Questo è un pezzo di musica splendidamente digerito e innovativo. È molto intelligente e ha una grande gamma emotiva. Quello che sto scoprendo è che spesso sono attratto da cose sia emotivamente che intellettualmente. Non vedo l'ora di The River. Inizierò a lavorarci a fine autunno, o sicuramente prima della fine dell'anno.

Ellen Priest - Jazz: La Suite Venezuelana 16 di Edward Simon, 2008. Carta, olio, flashe, matita, gel MSA. 106,68 x 106,68 cm.

Quale delle tue opere d'arte ti rende più orgoglioso e perché?

Penso che i pezzi di cui sono più felice siano in due gruppi diversi: uno sarebbe gli ultimi pezzi della serie Venezuelan Suite, perché sono riuscito a ottenere un livello di complessità e semplicità allo stesso tempo che mi ha reso molto felice. Sono finalmente riuscito a catturare la velocità della musica senza che si perdesse. Ho anche apprezzato molto i disegni della serie Jazz Cubano. Sono così essenziali, ma hanno molto mordente. Questi sarebbero i due gruppi di cui direi di essere estremamente orgoglioso. Per quanto riguarda un pezzo specifico, davvero non saprei dire. 

Come fai a sapere quando un lavoro è finito?

Penso che ci sia un momento in cui guardo un'opera, e ad ogni fase devo prendere quella decisione. Quando non c'è più nulla che voglio fare, o quando sento che qualsiasi cosa in più che farei è troppo, è allora che so che è completa. Di solito aspetto e la guardo per un po'. A volte so subito cosa fare, ma a volte ci vuole un po'. Se c'è un'area che non si muove, cercherò di capire un modo per farla muovere. Spesso significa che devo modificare qualche altra parte del dipinto. Potrebbe non essere necessariamente il punto stesso; potrebbe essere qualche altro componente che potrebbe aver bisogno di essere cambiato. In generale, ci dormo su un po'. Potrei pensare che sia finito, ma aspetterò. Devo prendere queste decisioni prima di incollare. Quando rifilo i bordi del pezzo, a volte ricevo una sorpresa—e non è sempre positiva. Di tanto in tanto metto insieme qualcosa e non è ciò che mi aspettavo. A volte, dopo aver rifilato i pezzi, l'opera può risultare sbilanciata e potrei perdere il pezzo perché non mostra più la gamma di emozioni che mostrava una volta. 

Cosa significa avere uno spazio fisico per creare arte nel tuo processo e come fai a far funzionare il tuo spazio per te?

Ho una vecchia casa, un trilocale degli anni '90, o quello che chiamiamo un twin. Ho tre piani di luce del Nord e sono all'angolo. Quindi ho una quantità enorme di luce. Uso l'intero primo piano per il mio studio, tranne per la mia cucina. Al secondo piano ho il mio ufficio e la mia zona giorno, e al terzo piano ci sono la mia stanza per incollare e il magazzino. Quindi ho davvero non solo spazio adeguato, ma anche uno spazio buono, e ha fatto tutta la differenza del mondo. Avere uno spazio permanente e ampio è stato una benedizione per il mio lavoro. Essere in grado di sistemarmi e farlo funzionare correttamente è stato incredibile. A volte penso che potrei usare più spazio, ma ho abbastanza spazio!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo e Elio, Pensando ad Alta Voce, 2016. Carta, olio, flashe, matita, gel MSA. 81,23 x 81,23 cm.

Cosa ti parla quando vedi un'opera astratta?

Per me, l'astrazione (quando è buona) ha una chiarezza di pensiero che mi attrae davvero. Può essere colore, può essere bianco e nero, può essere molto piena di immagini o può essere una singola forma che fluttua nel campo. Ma c'è semplicemente una qualità di pensiero che è nitida. Uno dei miei artisti contemporanei preferiti di sempre è lo scultore Martin Puryear. Una volta sono entrato in una retrospettiva delle sue opere al MoMA, e mi ha lasciato senza fiato. La stessa mostra era presentata a Washington D.C. e ho riorganizzato l'intero mio programma per andare a vederla di nuovo. È brillante; il suo lavoro ha una tale purezza di forma e pensiero. Il suo lavoro ha riferimenti a veicoli, animali, barche. L'astrazione può fare riferimenti al mondo reale e rimanere comunque astratta. I tuoi occhi usano gli stessi indizi per orientarsi nel mondo che usano per guardare l'arte astratta. I nostri occhi lo capiscono fin da piccoli. Stiamo usando quegli stessi strumenti per guardare l'arte astratta, ma non ne siamo consapevoli. C'è qualcosa nell'astrazione che si basa sulla nostra comprensione del mondo.

Sei coinvolto in qualche spettacolo o evento imminente? Dove e quando?

"Sono in trattative con la Chiesa di San Pietro a Manhattan, dove ho esposto la scorsa primavera—spero di esporre un altro progetto lì, che riguarda Il Fiume. A parte questo, potrei avere una mostra locale qui a Wilmington, Delaware, questo autunno sulla serie Jazz Cubano."


Immagine in evidenza: Ellen Priest - Jazz: Pensando ad Alta Voce, Raggiungendo la Canzone 31, 2011. Carta, olio, flashe, matita, gel MSA. 81,3 x 119,4 cm.