Vibranza ed Energia nei Dipinti di Joan Mitchell

Quando guardiamo un dipinto di Joan Mitchell, stiamo osservando un'immagine di libertà. Stiamo guardando un abbandono reso palpabile. Mitchell si avvicinava all'atto di dipingere da un luogo di totale libertà, senza un progetto iniziale o un piano definitivo. Qualunque cosa finisse sulla tela proveniva dalla sua intuizione ed era un riflesso immediato della sua verità. Potrebbe essere gioia ciò che provava, o rabbia, o paura; potrebbe essere un'immagine formata da pezzi e frammenti di un ricordo che teneva nella sua mente, o un paesaggio amato che portava nel suo cuore. Quando incontriamo i suoi dipinti, nel mezzo di uno sguardo veloce o casuale, potremmo o meno sentire ciò che Mitchell provava. Potremmo o meno riconoscere il significato esatto che sperava di trasmettere. Ma l'energia che fluiva attraverso di lei con ogni pennellata ci urla. Ci arresta nello spazio e parla a qualunque sostanza primordiale dentro di noi la riconosca per ciò che è: l'eco vibrante, senza tempo e universale di amore, perdita, gioia, paura, orgoglio e dolore.

Intraprendere un'azione

Ogni pennellata fatta da un pittore è il risultato di un movimento fisico. Eppure non ogni pennellata riesce ad annunciare quel movimento agli spettatori. Alcune pennellate cercano intenzionalmente di nascondere il movimento che le ha create e di ignorare del tutto che una mano umana sia stata coinvolta. È uno dei tratti distintivi degli action painters la loro capacità di trasmettere sulla superficie di una tela il potere e l'energia del movimento del loro corpo fisico attraverso lo spazio. Joan Mitchell era un'action painter, un membro di quella che è considerata la seconda generazione di artisti dell'Espressionismo Astratto. Ma non ha iniziato la sua carriera concentrandosi sul gesto e sul movimento, o sull'astrazione, o nemmeno necessariamente sulla pittura. Mentre era a scuola all'Art Institute of Chicago, era un'artista figurativa di talento, che aveva vinto premi per la sua litografia.

Ma Mitchell è sempre stata una persona estremamente fisica. Al liceo a Chicago era un'atleta competitiva a livello nazionale, classificandosi fino al quarto posto ai Campionati di Pattinaggio Artistico degli Stati Uniti. Un infortunio al ginocchio ha messo fine alla sua carriera sportiva. Ma dopo essersi laureata all'Art Institute of Chicago nel 1947, si è trasferita a New York ed è stata esposta al lavoro di pittori astratti gestuali come Arshile Gorky e Jackson Pollock. Ha immediatamente incorporato la fisicità nella sua tecnica di pittura. Nel 1951 aveva sviluppato uno stile maturo e astratto gestuale, e aveva fatto amicizia con diversi esponenti della prima generazione degli Espressionisti Astratti, come Will de Kooning e Franz Kline, e su invito aveva persino aderito al loro prestigioso Eighth Street Club, che ospitava incontri e conferenze per artisti.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Oil on canvas. 6' 5 7/8" x 9' (197.9 x 274 cm). The Museum of Modern Art (MoMA) Collection, New York. © Estate of Joan Mitchell

I Paesaggi di Joan Mitchell

Cresciuta a pochi isolati dalle rive del Lago Michigan nel centro di Chicago, Joan Mitchell aveva, fin da giovane, sviluppato un profondo attaccamento emotivo alla linea dell'orizzonte dove l'acqua incontra il cielo. E, da adulta, vivendo a intermittenza nella campagna francese, così come nei Hamptons, sviluppò anche un grande amore per i paesaggi rurali. Anche se le sue opere mature sono tutte considerate astratte, si riferiva spesso a se stessa come a una pittrice di paesaggi. Molti dei suoi dipinti avevano la parola paesaggio nel titolo, o erano intitolati a luoghi panoramici che le erano cari.

È possibile in molti dei suoi dipinti trovare indizi visivi di composizioni, forme o palette di colori che suggeriscono un paesaggio naturale, o addirittura trovare deboli echi di linee dell'orizzonte. Ma i tipi di paesaggi che Mitchell dipingeva non erano tentativi figurativi di catturare il mondo naturale. Piuttosto, Mitchell interiorizzava un senso delle emozioni che provava mentre si trovava in certi luoghi a lei cari. Aveva una spiccata sensibilità estetica e una connessione con la nostalgia, e si sforzava di catturare il colore, l'equilibrio e l'armonia dei suoi amati paesaggi, comunicando anche l'energia e l'emozione personale che ad essi associava nella sua memoria.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, oil on canvas (diptych), Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

Opposti Complementari

Gran parte della potenza che possiamo percepire nei dipinti di Joan Mitchell sembra essere legata all'idea di forze opposte. Un esempio prominente è nel modo in cui si è allontanata dallo stile di pittura cosiddetto all-over, in cui l'intera tela è coperta da immagini astratte, per adottare un approccio compositivo più tradizionale figura-sfondo, caratterizzato da ampie aree di bianco o tela non preparata. Ma piuttosto che vedere forze opposte in azione nelle sue composizioni figura e sfondo, è più accurato dire che le forze sono complementari. Non si oppongono l'una all'altra né si resistono. La figura e lo sfondo cambiano ruolo, chiarendosi a vicenda e scambiandosi influenza sullo sguardo dello spettatore.

Allo stesso modo, gli altri apparenti opposti visibili nelle sue opere funzionano allo stesso modo. I segni leggeri del pennello completano i segni aggressivi del pennello, definendosi a vicenda con le loro differenze relative; superfici dense, stratificate e impasto conferiscono presenza ai loro omologhi piatti; forme geometriche o biomorfiche sono esaltate da segni astratti lirici. L'essenza unificante che attraversa l'opera di Joan Mitchell non è quella di opposizione, ma quella di impegno verso un mondo di relazioni complementari che si costruiscono in un tutto armonioso.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Oil on canvas. Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

Astrazione Incompleta

Nel corso della sua carriera, Joan Mitchell ha cambiato la sua estetica diverse volte. Ogni cambiamento era collegato a un cambiamento geografico o a un cambiamento nelle circostanze personali. Uno dei periodi di maggiore cambiamento che ha vissuto è stato negli anni '60, quando ha perso entrambi i genitori e un caro amico in pochi anni. Un altro è arrivato negli anni '80, quando le è stata diagnosticata una forma di cancro. Sebbene ogni cambiamento estetico sembri esprimere diverse sfumature emotive distinte, nessuno di essi sembra rappresentare una fine. Ogni evoluzione nel suo lavoro possiede un senso di inchoato; la promessa embrionale di qualcosa di nuovo e ancora non formato.

Dopo il decennio di perdite che ha vissuto negli anni '60, Mitchell si è orientata verso la figurazione geometrica, e poi si è spostata di nuovo, tornando alla pittura totale. La sua tavolozza è cambiata in verdi profondi e gialli vibranti, riflettendo i colori della natura. Poi, negli anni '80, la sua tavolozza è cambiata per includere colori più puri e primari: blu, arancioni, verdi e rossi. I suoi tratti di pennello sono diventati brevi e robusti, elettrizzati e quasi vibranti. Ogni nuova fase comunica l'idea di un nuovo inizio indeterminato, ed è quindi intrinsecamente comunicativa di qualcosa di speranzoso e nuovo.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Oil on canvas. Private collection. © Estate of Joan Mitchell

Lasciar andare

In tutte le fasi della sua opera è presente un senso duraturo di energia e vivacità nei dipinti di Joan Mitchell, sia attraverso le sue pennellate, le sue composizioni, le sue armonie o il suo uso di opposti complementari. Quell'energia continua a ispirare la terza generazione di pittori espressionisti astratti che lavorano oggi, come Francine Tint. Essa informa anche il lavoro di astrattisti gestuali contemporanei come Ellen Priest.

Un universo di emozioni si apre nell'opera di questi pittori, sempre oscillando tra l'energia più oscura e la più leggera, la più aggressiva e la più serena, saltando dalle superfici dei loro dipinti con un frenetico senso di immediatezza. Mitchell una volta descrisse la fonte di quella frenetica immediatezza paragonando la sensazione che provava mentre dipingeva a un orgasmo. Ha anche descritto una volta come “andare in bicicletta senza mani”. Entrambe le descrizioni parlano della gioia assoluta del rilascio emotivo possibile con un atto di totale abbandono. E entrambe parlano dell'espressione dell'onestà umana possibile solo quando qualcuno è libero.

Immagine in evidenza: Joan Mitchell - Senza titolo, 1977, olio su tela, Fondazione Joan Mitchell, New York. © Eredità di Joan Mitchell
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park