Vibranza ed Energia nei Dipinti di Joan Mitchell

Quando guardiamo un dipinto di Joan Mitchell stiamo osservando un’immagine di libertà. Stiamo vedendo l’abbandono reso tangibile. Mitchell si avvicinava all’atto della pittura da un luogo di totale libertà, senza uno schema prestabilito o un piano definitivo. Qualunque cosa finisse sulla tela proveniva dalla sua intuizione ed era un riflesso immediato della sua verità. Poteva essere la gioia che provava, o la rabbia, o la paura; poteva essere un’immagine formata da frammenti di un ricordo che teneva nella mente, o un paesaggio amato che custodiva nel cuore. Quando incontriamo i suoi dipinti, in un rapido o distratto sguardo, potremmo o meno sentire ciò che Mitchell provava. Potremmo o meno riconoscere il significato esatto che sperava di trasmettere. Ma l’energia che fluiva attraverso di lei ad ogni pennellata ci urla addosso. Ci blocca nello spazio e parla a quella parte primordiale dentro di noi che la riconosce per quello che è: l’eco vibrante, senza tempo e universale dell’amore, della perdita, della gioia, della paura, dell’orgoglio e del dolore.

Agire

Ogni pennellata fatta da un pittore è il risultato di un movimento fisico. Eppure non tutte le pennellate riescono a comunicare quel movimento agli osservatori. Alcune pennellate cercano intenzionalmente di nascondere il movimento che le ha create, e di ignorare che una mano umana sia stata coinvolta. È uno dei tratti distintivi dei pittori d’azione il fatto che riescano a trasmettere sulla superficie della tela la forza e l’energia del movimento del loro corpo nello spazio. Joan Mitchell era una pittrice d’azione, membro di quella che è considerata la seconda generazione di artisti espressionisti astratti. Ma non iniziò la sua carriera concentrandosi sul gesto e sul movimento, o sull’astrazione, o nemmeno necessariamente sulla pittura. Mentre studiava all’Istituto d’Arte di Chicago era un’artista figurativa di talento, che aveva vinto premi per la sua litografia.

Ma Mitchell è sempre stata una persona estremamente fisica. Al liceo a Chicago era un’atleta di livello nazionale, arrivando fino al quarto posto ai Campionati statunitensi di pattinaggio artistico. Un infortunio al ginocchio pose fine alla sua carriera sportiva. Ma dopo essersi diplomata all’Istituto d’Arte di Chicago nel 1947 si trasferì a New York e venne a contatto con il lavoro di pittori astratti gestuali come Arshile Gorky e Jackson Pollock. Incorporò immediatamente la fisicità nella sua tecnica pittorica. Nel 1951 aveva sviluppato uno stile gestuale astratto maturo, aveva stretto amicizia con diversi artisti della prima generazione di espressionisti astratti, come Will de Kooning e Franz Kline, e su invito era persino entrata nel prestigioso Eighth Street Club, che ospitava incontri e conferenze per artisti.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Olio su tela. 6' 5 7/8" x 9' (197,9 x 274 cm). Collezione del Museum of Modern Art (MoMA), New York. © Estate of Joan Mitchell

I paesaggi di Joan Mitchell

Cresciuta a poche isolati dalle rive del Lago Michigan nel centro di Chicago, Joan Mitchell aveva, fin da giovane, sviluppato un profondo legame emotivo con la linea dell’orizzonte dove l’acqua incontra il cielo. E da adulta, vivendo a tratti nella campagna francese, così come negli Hamptons, sviluppò anche un grande amore per i paesaggi rurali. Anche se le sue opere mature sono tutte considerate astratte, spesso si definiva una pittrice di paesaggi. Molti dei suoi dipinti avevano la parola paesaggio nel titolo, o erano intitolati a luoghi panoramici a lei cari.

In molti dei suoi dipinti è possibile trovare indizi visivi di composizioni, forme o palette di colori che suggeriscono un paesaggio naturale, o persino deboli echi di linee d’orizzonte. Ma i tipi di paesaggi che Mitchell dipingeva non erano tentativi figurativi di catturare il mondo naturale. Piuttosto, Mitchell interiorizzava il senso delle emozioni che provava in certi luoghi a lei cari. Aveva una spiccata sensibilità estetica e un legame con la nostalgia, e cercava di catturare il colore, l’equilibrio e l’armonia dei suoi amati paesaggi comunicando anche l’energia e l’emozione personale che vi associava nella memoria.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, olio su tela (dittico), Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

Opposti complementari

Gran parte della forza che percepiamo nei dipinti di Joan Mitchell sembra legata all’idea di forze opposte. Un esempio evidente è il modo in cui si allontanò dallo stile cosiddetto all-over, in cui l’intera tela è coperta da immagini astratte, verso un approccio compositivo più tradizionale figura-sfondo, con ampie aree di bianco o tela non preparata. Ma piuttosto che vedere forze opposte all’opera nelle sue composizioni figura e sfondo, è più corretto dire che le forze sono complementari. Non si oppongono né si resistono a vicenda. Figura e sfondo si scambiano ruoli, si chiariscono a vicenda e si influenzano reciprocamente nello sguardo dell’osservatore.

Allo stesso modo, gli altri apparenti opposti visibili nelle sue opere funzionano allo stesso modo. Segni di pennello leggeri completano quelli aggressivi, definendosi a vicenda attraverso le loro differenze relative; superfici dense, stratificate e materiche conferiscono presenza ai loro contrari piatti; forme geometriche o biomorfiche sono esaltate da segni astratti lirici. L’essenza unificante che attraversa l’opera di Joan Mitchell non è di opposizione, ma di impegno verso un mondo di relazioni complementari che costruiscono un insieme armonioso.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Olio su tela. Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

Astrattismo in nuce

Nel corso della sua carriera, Joan Mitchell cambiò più volte la sua estetica. Ogni cambiamento era legato a uno spostamento geografico o a un mutamento nelle circostanze personali. Uno dei periodi di maggior cambiamento fu negli anni Sessanta, quando perse entrambi i genitori e un caro amico in pochi anni. Un altro avvenne negli anni Ottanta, quando le fu diagnosticato un cancro. Sebbene ogni cambiamento estetico sembri esprimere diverse sfumature emotive distinte, nessuno appare come una fine. Ogni evoluzione nella sua opera possiede un senso di inizio incipiente; la promessa embrionale di qualcosa di nuovo e ancora non formato.

Dopo il decennio di perdite vissuto negli anni Sessanta, Mitchell si orientò verso la figurazione geometrica, per poi tornare presto allo stile all-over. La sua tavolozza cambiò verso verdi profondi e gialli vibranti, riflettendo i colori della natura. Negli anni Ottanta la sua tavolozza si arricchì di colori più puri e primari: blu, arancioni, verdi e rossi. Le sue pennellate divennero brevi e robuste, elettrificate e quasi vibranti. Ogni nuova fase comunica l’idea di un nuovo inizio indeterminato, ed è quindi intrinsecamente espressione di qualcosa di speranzoso e nuovo.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Olio su tela. Collezione privata. © Estate of Joan Mitchell

Lasciar andare

In tutte le fasi della sua opera è presente un senso duraturo di energia e vivacità nei dipinti di Joan Mitchell, sia attraverso le sue pennellate, le sue composizioni, le sue armonie o l’uso di opposti complementari. Quell’energia continua a ispirare la terza generazione di pittori espressionisti astratti che lavorano oggi, come Francine Tint. Influisce anche sul lavoro di astrattisti gestuali contemporanei come Ellen Priest.

Un universo di emozioni si apre nell’opera di questi pittori, sempre oscillando tra l’energia più oscura e quella più leggera, la più aggressiva e la più serena, saltando dalle superfici dei loro dipinti con un senso frenetico di immediatezza. Mitchell descrisse una volta la fonte di quell’immediatezza frenetica paragonando la sensazione che provava mentre dipingeva a un orgasmo. La descrisse anche come “andare in bicicletta senza mani.” Entrambe le descrizioni parlano della gioia totale del rilascio emotivo possibile con un atto di completo abbandono. E entrambe parlano dell’espressione di un’onestà umana possibile solo quando qualcuno è libero.

Immagine in evidenza: Joan Mitchell - Senza titolo, 1977, olio su tela, Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio