Come la Pittura d'Azione ha Cambiato l'Arte

Se la frase “action painting” suona confusa, potrebbe essere perché sembra contenere una ridondanza. Dipingere implica azione. Possono esistere dipinti di inattività? Ma né il fatto che dipingere sia un'azione né che i dipinti siano il risultato di un'azione hanno molto a che fare con la definizione di action painting. In effetti, l'action painting non riguarda affatto l'azione o la pittura. Riguarda uno stato d'animo. Il critico d'arte Harold Rosenberg coniò la frase action painting nel 1952, in un saggio intitolato “The American Action Painters.” Il saggio era un tentativo di spiegare quello che Rosenberg considerava un cambiamento fondamentale che stava avvenendo nella mentalità di un piccolo gruppo di pittori astratti americani. Piuttosto che avvicinarsi alla pittura come creazione di immagini, questi pittori stavano usando l'atto di dipingere per registrare i risultati di drammi personali, intuitivi e subconscio che stavano recitando davanti alla tela. Usavano la tela come un palcoscenico. Erano attori, e la vernice era il metodo per registrare le prove dell'evento. Nel suo saggio, Rosenberg non solo sottolineò la novità di questo metodo, ma spostò completamente l'attenzione dai dipinti come oggetti, dichiarando che tutto ciò che importava agli action painters era l'atto creativo.

La Fine dell'Oggettività

Prima dell'osservazione di Rosenberg, nessun critico d'arte rispettato aveva mai suggerito per iscritto che lo scopo del lavoro di un artista non fosse quello di creare qualcosa di tangibile. Si dava per scontato che lo scopo di essere un artista fosse quello di creare opere d'arte. Ma ciò che Rosenberg osservò riguardo ai pittori come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning era che non erano concentrati sulla creazione di oggetti. Piuttosto, erano concentrati sul loro stesso processo come pittori. Stavano dando la massima importanza non al prodotto finito, ma all'atto di connettersi al proprio inconscio. La pittura era semplicemente un modo per loro di registrare gli effetti risultanti di quella connessione.

Immagina di essere bendato e di ricevere un pennello, poi di essere invitato a trovare la tua strada attraverso un labirinto mentre fai scorrere il pennello lungo la superficie del muro. Il segno risultante lasciato sul muro non sarebbe tanto un risultato estetico quanto un documento del tuo viaggio. Tale era la radice dell'osservazione di Rosenberg: che i pittori d'azione non stavano creando immagini; stavano facendo registrazioni esterne dei loro viaggi interiori.

Jackson Pollock - Numero 8, 1949, 1949. Olio, smalto e vernice di alluminio su tela. 34 × 71 1/2 in; 86.4 × 181.6 cm. Federazione Americana delle Arti. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Tecniche di Action Painting

Quando un pittore si propone di realizzare un dipinto di un'immagine specifica, gli strumenti e le tecniche coinvolti devono offrire al pittore il massimo controllo possibile. Ma se lo scopo di un dipinto non è quello di creare un'immagine specifica e predefinita, ma piuttosto di creare un relitto visivo astratto di un evento psico-fisico, il pittore può godere di maggiore flessibilità in termini di strumenti e tecniche. Poiché la pittura d'azione riguarda la spontaneità e la capacità di trasmettere senza soluzione di continuità ogni intuizione subconscia attraverso un gesto fisico, qualsiasi cosa che ostacoli la libertà e l'istinto deve essere abbandonata.

Il pittore d'azione Jackson Pollock abbandonò le preparazioni e i supporti tradizionali e invece dipinse direttamente su tele non preparate stese sul pavimento. Rinunciò agli strumenti tradizionali optando invece di applicare la vernice sulle sue superfici usando ciò che aveva a disposizione, inclusi pennelli per la pittura domestica, bastoni o anche le mani nude. Spesso lanciava, versava, schizzava e gocciolava la vernice sulle sue superfici direttamente da qualsiasi contenitore in cui si trovasse la vernice. E usava qualsiasi mezzo fosse a portata di mano, inclusi tutti i tipi di vernice liquida, così come vetro rotto, mozziconi di sigaretta, elastici e qualsiasi altra cosa il suo istinto comandasse.

Jackson Pollock- Muro, 1943. Olio e caseina su tela. 95 7/10 × 237 1/2 in; 243,2 × 603,2 cm. Museo Guggenheim Bilbao. Bilbao

Grandi gesti

Oltre a essere liberi con i mezzi, gli strumenti e le tecniche, i pittori d'azione si sono anche liberati dai vincoli della propria fisicità. I dipinti d'azione di Franz Kline riguardano tutto il gesto fisico. Ogni segno audace che Kline ha fatto sulla tela è una registrazione di un momento in cui il suo corpo era completamente coinvolto nel movimento. Mentre un colpo di pennello impressionista è realizzato con qualcosa di così sottile come un colpo di polso, i colpi di pennello di Kline erano realizzati con una spinta di tutto il suo braccio, o del suo intero corpo, guidati dalle profondità della sua mente.

Pollock spesso non entrava in contatto con la tela. Invece si affidava all'inerzia e all'uso dinamico del suo corpo, creando velocità e potenza per proiettare il medium nello spazio e sulla superficie. Non ostacolando il suo movimento con il contatto con la superficie, collaborava con le forze della natura, il che portava a segni liberi, eleganti e dall'aspetto organico. In un certo senso, i gesti di Pollock e Kline non creavano solo segni, ma producevano impatti. Come i crateri meteorici, questi impatti possono essere apprezzati sia per il loro aspetto sia per le forze primordiali, antiche e naturali che li hanno causati.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Collage di olio e carta su tela, 80 × 100 in. (203,2 × 254 cm). Museo Whitney d'Arte Americana, New York; acquisto con fondi dei Friends of the Whitney Museum of American Art  57.10. © 2020 The Franz Kline Estate / Artists Rights Society (ARS), New York

L'Inconscio Conscienzioso

L'ascesa della pittura d'azione non era un mistero. Aveva radici logiche nel contesto della cultura americana del dopoguerra. La società americana in generale si stava riprendendo dalla guerra e si stava adattando a una strana nuova realtà moderna. Nei loro sforzi per comprendere se stessi e il loro mondo, le persone divennero sempre più interessate alla psicologia, in particolare alle idee riguardanti i pensieri subconscio e inconscio. Nelle menti dei pittori d'azione americani, queste idee si legavano direttamente al lavoro che i Surrealisti avevano fatto con il disegno automatico, che comportava lasciare che il corpo creasse segni basati su movimenti riflessivi ispirati da impulsi inconsci.

Il loro pensiero si collegava anche alle tradizioni primitive presenti nell'arte totemica delle culture native dell'America del Nord. L'arte totemica è legata a una credenza secondo cui le persone sono connesse tra loro, alla storia e ai mondi naturale e spirituale attraverso determinati oggetti naturali, o attraverso esseri che possiedono poteri spirituali o mistici. I pittori dell'azione speravano che attraverso il loro stile di pittura intuitivo e subconscio potessero canalizzare immagini totemiche con cui gli spettatori potessero connettersi in presenza dei resti estetici del loro processo.

Jaanika Peerna - Small Maelstrom (Ref 855), 2009. Matita pigmentata su mylar. 45,8 x 45,8 cm

L'eredità della Action Painting

L'importanza del dono che l'action painting ha dato alle future generazioni di artisti non può essere sottovalutata. Le osservazioni attentamente formulate di Harold Rosenberg hanno ispirato un enorme cambiamento nell'arte modernista. Ha dato parole al pensiero che il processo è più importante del prodotto. Ha dimostrato che il viaggio è davvero più importante della destinazione, o se questo suona troppo cliché, ha dimostrato che il dramma che si svolge durante il processo dell'atto creativo di un pittore è più importante del relitto che risulta da quel processo.

La realizzazione di Rosenberg ha liberato le generazioni successive di artisti dal pensare al loro lavoro esclusivamente in termini di "produzione di prodotti". Potevano impegnarsi in processi sperimentali e concentrarsi completamente sulle idee. Avevano il permesso di iniziare senza dover prevedere i risultati finali. Senza questo cambiamento nella coscienza degli artisti, non avremmo mai potuto godere dei "happening" o del lavoro degli artisti concettuali o del movimento Fluxus. Non avremmo mai potuto vivere i misteri effimeri e transitori dell'arte ambientale. Non avremmo mai goduto dei frutti del movimento degli spazi alternativi per l'arte. In molti modi, è stata la pittura d'azione a consentire agli artisti di spostare il loro focus da dove esattamente stavano andando, e a ricordare a se stessi che spesso la cosa più importante nell'arte e nella vita è come ci arrivano.

Immagine in evidenza: Jackson Pollock - Arcobaleno grigiato, 1953. Olio su tela. 72 × 96 1/10 in; 182.9 × 244.2 cm. Art Institute of Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park