Louise Bourgeois Arte e la Riduzione della Forma

Per coloro che vedono l'arte astratta come un percorso verso una vita più introspettiva e appagante, Louise Bourgeois era l'incarnazione di un ideale. Ma non per i suoi onori o premi, né per la celebrità che raggiunse: tutt'altro. È perché l'arte di Louise Bourgeois parla di ciò che è rilevante nella nostra vita quotidiana. Per parafrasare Gichin Funakoshi, il padre del karate moderno, quando comprendiamo in che modo qualcosa si rapporta alla nostra vita quotidiana, è allora che ne scopriamo l'essenza. Il mondo dell'arte è fin troppo spesso definito da manifesti e suddiviso in movimenti, epoche e stili. Gli artisti vengono fin troppo spesso classificati in base al genere, alla razza, alla nazionalità e al percorso formativo. Dimentichiamo facilmente che il vero valore dell'arte esiste al di là di considerazioni così meschine. L'opera di Louise Bourgeois si eleva con sicurezza al di sopra delle classificazioni. Il suo contributo estetico abita con sincera convinzione uno spazio al tempo stesso figurativo e simbolico. È grottesco e tuttavia sublime. Esplorò ogni disciplina immaginabile, senza mai legarsi a una particolare tendenza, eppure lungo il cammino ne inventò alcune. Nel corso di una carriera durata sette decenni raggiunse ciò che pochi altri artisti astratti hanno ottenuto: realizzò opere personali che erano universali.

Forze contraddittorie

Louise Bourgeois nacque in una famiglia di contraddizioni. Suo padre era un provveditore di successo, ma era anche la più grande minaccia alla sicurezza di Louise. I suoi genitori erano soci negli affari e nella vita, eppure suo padre intratteneva senza alcun rimorso relazioni sessuali che minacciavano la stabilità di entrambi. La tata e tutrice convivente di Louise, presumibilmente una protettrice e una guida, era in realtà l'amante di suo padre. La madre di Louise, tessitrice nell'azienda tessile di famiglia, era una presenza amorevole e protettiva, nonché la sua più strenua sostenitrice, ma era anche fisicamente debole e alla fine morì giovane.

Per tutta la sua giovinezza Louise fu testimone della brutalità quotidiana di una casa definita e al contempo minacciata dall'affetto. Sperimentò la cruda verità della fragilità del carattere umano. Provò gelosia, rabbia, paura, solitudine e confusione. Eppure non le mancarono mai un tetto, il cibo, i vestiti o l'istruzione. Era amata e tenuta in grande considerazione, almeno da uno dei genitori. Quando sua madre morì, Louise aveva 21 anni e studiava matematica all'università. Invece di proseguire su quella strada, come desiderava suo padre, Louise fu ispirata dalla morte della madre a cambiare radicalmente la propria vita. Si costruì un percorso che le avrebbe permesso di affrontare ed esprimere i propri sentimenti. Abbandonò la matematica e si dedicò invece a vivere la vita di un'artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronzo, patina al nitrato d'argento. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo e psicoterapia

Per sei anni dopo la morte della madre Louise studiò arte e acquisì una formazione pratica visitando gli studi di artisti di successo e assistendo alle loro mostre. All'età di 27 anni aprì per breve tempo un negozio in un angolo del negozio di tessuti di suo padre, dove vendeva stampe d'arte. Lui le permise di utilizzare quello spazio poiché si trattava di un'iniziativa commerciale. Un giorno, nel negozio, iniziò a conversare con un collezionista. Poi, come disse lei, “tra conversazioni sul surrealismo e sulle ultime tendenze,” si sposarono.

Quel collezionista era Robert Goldwater, un rispettato storico dell'arte americano. Robert e Louise si trasferirono a New York, dove Louise continuò a studiare arte e ampliò la gamma della sua produzione estetica. Influenzata dal surrealismo e dal concetto di psicoterapia, Louise si rivolse alla sua infanzia traumatica come soggetto della propria arte. Sviluppò un linguaggio simbolico delle forme basato sulla combinazione dei suoi ricordi e dei suoi sogni.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Scultura in bronzo fuso e lucidato. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Edizione 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Il simbolismo di Louise Bourgeois

Il linguaggio visivo simbolico di Louise consisteva in immagini personali che per lei avevano un significato evidente. Per gli spettatori, tuttavia, la sua arte appariva selvaggia, audace, astratta e persino sconvolgente. Una delle forme simboliche più ricorrenti di Louise era il ragno. Già a partire dagli anni Quaranta, Louise incorporò ragni e ragnatele in disegni e stampe, e realizzò persino una serie di opere all'uncinetto astratte ispirate alle ragnatele. Spiegò che i ragni erano un riferimento simbolico a sua madre. Sua madre era una tessitrice e, proprio come sua madre, i ragni sono protettori perché mangiano le zanzare, che diffondono malattie.

Alla fine le sue forme di ragno assunsero proporzioni monumentali, raggiungendo l'apice con una scultura alta 9 metri intitolata Maman. Oltre ai ragni, il linguaggio visivo simbolico di Bourgeois comprendeva gabbie, case, genitali maschili e femminili, oggetti domestici come sedie e abiti, e spesso raffigurava anche forme biomorfiche simili a parti del corpo. Una delle sue opere più famose si intitola The Destruction of the Father e presenta una selezione di oggetti simili a organi e carne, sparsi su un tavolo e circondati da sfere che evocano un'enorme bocca aperta piena di denti.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Acciaio, arazzo, legno, vetro, tessuto, gomma, argento, oro e osso. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Insieme e isolate

Il filo conduttore di tutta l'opera di Bourgeois è che tutte le sue immagini sono legate alle sue esperienze private e personali. Uno dei sentimenti più potenti che cercò di condividere con gli spettatori era quello dell'interazione tra unione e isolamento. Negli anni Quaranta creò una serie di forme scultoree che rimandavano a varie persone che conosceva. Esponeva le forme in modi apparentemente casuali. Ma gradualmente, osservando le composizioni, le singole forme iniziano a esprimere le proprie caratteristiche e ciascuna assume una personalità individuale, finché tra loro si sviluppa un senso di interazione.

I sentimenti di unione e isolamento sono parte integrante anche di una serie di oggetti scultorei realizzati da Bourgeois negli anni Cinquanta, periodo in cui si concentrava sul lato più dolce della vita, ispirata dal marito e dai figli. Oggetti come Night Garden, Cumul I e Clamart Other raffigurano ciascuno un insieme di forme. Gli insiemi sembrano organici, eppure sembrano anche rappresentare entità che si sono riunite per proteggersi o confortarsi.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (fusa nel 1991). Bronzo e acciaio inossidabile. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Oltre le etichette

Sebbene molte opere di Bourgeois sembrino figurative, l'essenza del suo lavoro è che è simbolico e personale. Rappresentava spesso la nudità e si concentrava sulla forma femminile, ma negava con fermezza qualsiasi intento sociale o politico nelle sue opere. Era una donna e la sessualità era una forza potente nella sua educazione; in tali immagini non vi era alcuna agenda sociale o politica, o ve n'era ben poca. Ciononostante, a causa della potenza delle immagini presenti in gran parte della sua opera, è stata spesso associata all'arte femminista e LGBTQ. Sebbene oggi, se fosse ancora viva, potrebbe non opporsi a tale rappresentazione, dichiarò chiaramente che il suo obiettivo non era affrontare nessuna di queste questioni nella sua opera. Una volta disse: “Il mio lavoro affronta problemi precedenti al genere. Per esempio, la gelosia non è né maschile né femminile.”

Ha senso considerare l'opera di Bourgeois a livello personale. Dopotutto, tutto il suo simbolismo è legato alle sue esperienze. Ciononostante, ognuno di noi può trovarvi qualcosa con cui relazionarsi. Se siamo aperti, possiamo accoglierla dalla prospettiva di una saggezza più ampia. Quando riusciamo a vedere un corpo senza pensare in termini di maschile o femminile, diventiamo meno isolati e più universalmente umani. Quando ci permettiamo di trarre beneficio sia dalla sofferenza sia dall'amore dei nostri simili, il risultato finale è un valore aggiunto tanto alla loro esperienza quanto alla nostra.

Immagine in evidenza: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronzo, patina lucidata. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio 2016
Modificato da IdeelArt (2026)