Louise Bourgeois Arte e la Riduzione della Forma

A coloro che vedono l'arte astratta come un percorso verso una vita più introspettiva e appagante, Louise Bourgeois era l'incarnazione di un ideale. Ma non per i suoi onori o premi, o per la celebrità che ha raggiunto: al contrario. È perché l'arte di Louise Bourgeois parla di ciò che è rilevante per le nostre vite quotidiane. Per parafrasare Gichin Funakoshi, il padre del karate moderno, quando ci rendiamo conto di come qualcosa si relazioni alle nostre vite quotidiane, è allora che scopriamo la sua essenza. Il mondo dell'arte è troppo spesso definito da manifesti e suddiviso in movimenti, epoche e stili. Gli artisti sono troppo spesso categorizzati per genere, razza, nazionalità e pedigree educativo. Dimentichiamo facilmente che il vero valore dell'arte esiste al di là di tali considerazioni meschine. L'opera di Louise Bourgeois si eleva con sicurezza al di sopra delle classificazioni. Il suo contributo estetico abita sinceramente uno spazio che è sia figurativo che simbolico. È grottesca eppure sublime. Ha esplorato ogni disciplina immaginabile, senza mai attaccarsi a nessuna particolare tendenza, eppure ha inventato alcune tendenze lungo il cammino. Nel corso di una carriera di sette decenni ha raggiunto ciò che pochi altri artisti astratti hanno: ha creato opere personali che erano universali.

Forze Contraddittorie

Louise Bourgeois nacque in una famiglia di contraddizioni. Suo padre era un fornitore di successo, ma era anche la maggiore minaccia per la sicurezza di Louise. I suoi genitori erano partner negli affari e nella vita, eppure suo padre si impegnava senza scuse in relazioni sessuali che minacciavano la stabilità di entrambi. La tata e tutor di Louise, suppostamente una protettrice e guida, era in realtà l'amante di suo padre. La madre di Louise, una tessitrice per l'azienda tessile di famiglia, era una forza amorevole e protettiva ed era la sua più feroce sostenitrice, ma era anche fisicamente debole e alla fine morì giovane.

Durante tutta la sua giovinezza, Louise assistette alla brutalità quotidiana di una casa che era simultaneamente definita e minacciata dall'affetto. Sperimentò la cruda verità sulla fragilità del carattere umano. Provò gelosia, rabbia, paura, solitudine e confusione. Eppure non le mancavano riparo, cibo, vestiti o istruzione. Era amata e apprezzata, almeno da un genitore. Quando sua madre morì, Louise aveva 21 anni e stava studiando matematica all'università. Invece di continuare su quel cammino, che era il desiderio di suo padre per lei, Louise fu ispirata dalla morte di sua madre a cambiare drasticamente la sua vita. Tracciò un percorso che le avrebbe permesso di affrontare ed esprimere i suoi sentimenti. Abbandonò la matematica e si dedicò invece a vivere la vita di un'artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronzo, patina di nitrato d'argento. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo e Psicoterapia

Per sei anni dopo la morte di sua madre, Louise studiò arte e ottenne un'istruzione pratica visitando gli studi di artisti di successo e assistendo alle loro esposizioni. All'età di 27 anni aprì brevemente un negozio in un angolo del negozio di tessuti di suo padre, vendendo stampe artistiche. Lui le permise di utilizzare lo spazio poiché si trattava di un'iniziativa commerciale. Un giorno, nel negozio, avviò una conversazione con un collezionista. Poi, come disse lei, “tra conversazioni sul surrealismo e le ultime tendenze,” si sposarono.

Quel collezionista era Robert Goldwater, un rispettato storico dell'arte americano. Robert e Louise si trasferirono a New York, dove Louise continuò a studiare arte e ampliò la gamma della sua produzione estetica. Influenzata dal Surrealismo e dal concetto di psicoterapia, Louise si rivolse alla sua infanzia traumatica come soggetto per la sua arte. Sviluppò un linguaggio simbolico di forme basato su una combinazione dei suoi ricordi e dei suoi sogni.

Louise Bourgeois - Dare o Prendere (Come Ti Senti Questa Mattina), 1990. Scultura in bronzo fuso e lucidato. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Edizione 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Il simbolismo di Louise Bourgeois

Il linguaggio visivo simbolico di Louise consisteva in immagini personali che per lei avevano un significato ovvio. Ma per gli spettatori, la sua arte sembrava selvaggia, audace, astratta e persino scioccante. Una delle forme simboliche più comuni di Louise era il ragno. Già dagli anni '40, Louise incorporava ragni e ragnatele nei disegni e nelle stampe, e produceva persino una serie di opere all'uncinetto astratte ispirate alle ragnatele. Spiegò che i ragni erano un riferimento simbolico a sua madre. Sua madre era una tessitrice e, come sua madre, i ragni sono protettori poiché mangiano le zanzare, che diffondono malattie. 

Alla fine, le sue forme di ragno assunsero una scala monumentale, raggiungendo un apice con una scultura alta 9 metri intitolata Maman. Oltre ai ragni, il linguaggio visivo simbolico di Bourgeois includeva gabbie, case, genitali maschili e femminili, oggetti domestici come sedie e vestiti, e spesso ritraeva anche forme biomorfiche che somigliano a parti del corpo. Una delle sue opere più famose è intitolata The Destruction of the Father, e presenta una selezione di oggetti che somigliano a organi e carne sparsi su un tavolo, circondati da sfere che evocano una gigantesca bocca aperta piena di denti.

Louise Bourgeois - Ragno, 1997. Acciaio, arazzo, legno, vetro, tessuto, gomma, argento, oro e osso. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolati insieme

Il filo comune che attraversa tutto il lavoro di Bourgeois è che tutte le sue immagini si riferiscono alle sue esperienze private e personali. Uno dei sentimenti più potenti che cercava di condividere con i suoi spettatori era quello dell'interazione tra insieme e isolamento. Negli anni '40, creò una serie di forme scultoree che facevano riferimento a varie persone che conosceva. Espose le forme in modi che sembrano casuali. Ma gradualmente, osservando gli arrangiamenti, le forme individuali iniziano a esprimere le loro caratteristiche e ognuna assume una personalità individuale fino a quando si evolve un senso di interazione tra di esse.

I sentimenti di unità e isolamento sono anche parte integrante di una serie di oggetti scultorei che Bourgeois realizzò negli anni '50, un periodo in cui si concentrava sul lato più morbido della vita ispirata a suo marito e ai suoi figli. Oggetti come Night Garden, Cumul I e Clamart Other ritraggono ciascuno un raduno di forme. I raduni sembrano organici, eppure appaiono anche come entità che si sono raggruppate per protezione o conforto.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (fusione 1991). Bronzo e acciaio inossidabile. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Oltre le etichette

Sebbene molte delle opere di Bourgeois sembrino figurative, l'essenza del suo lavoro è che è simbolica e personale. Spesso ritraeva la nudità e si concentrava sulla forma femminile, ma era decisa nel negare qualsiasi dichiarazione sociale o politica nel suo lavoro. Era donna, e la sessualità era una forza potente nella sua crescita; c'era poco o nessun programma sociale o politico inteso in tali immagini. Tuttavia, a causa delle immagini potenti in gran parte del suo lavoro, è stata frequentemente identificata con l'arte femminista e LGBTQ. Sebbene possa non opporsi a tale rappresentazione se fosse viva oggi, ha anche dichiarato chiaramente che il suo obiettivo non era affrontare nessuno di questi problemi nel suo lavoro. Una volta ha detto, “Il mio lavoro affronta problemi che sono pre-genere. Ad esempio, la gelosia non è maschile o femminile.”

Ha senso considerare il lavoro di Bourgeois a un livello personale. Dopotutto, il suo simbolismo è relativo alle sue esperienze. Tuttavia, ognuno di noi può trovare qualcosa in esso con cui identificarsi. Se siamo aperti, possiamo accettarlo dalla prospettiva di una saggezza più ampia. Quando possiamo vedere un corpo e non pensare in termini di maschio o femmina, diventiamo meno isolati e più universalmente umani. Quando ci permettiamo di trarre beneficio sia dalla sofferenza che dall'amore del nostro simile, il risultato finale è un valore aggiunto sia alla loro esperienza che alla nostra.

Immagine in evidenza: Louise Bourgeois - Arco di Isteria, 1993. Bronzo, patina lucida. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. Il Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park