Artisti Astratti Molto Pittorici: I Nuovi Alchimisti

Nel suo studio di Heidelberg, Arvid Boecker (immagine in evidenza) raschia metodicamente la sua tela con una spatola da serigrafia. Strato dopo strato, costruisce quella che chiama un "archeologia del colore." A ottomila chilometri di distanza, nel suo studio americano, Clay Johnson fa lo stesso con attrezzi per cartongesso, a volte distruggendo e ricostruendo la stessa sezione trenta volte. Nel frattempo, a Bruxelles, Janise Yntema riscalda la cera d'api alla temperatura esatta con la sua torcia, aggiungendo un altro strato traslucido a mesi di lavoro accumulato.

Questi artisti non si sono mai incontrati, eppure condividono un'ossessione che sta diventando sempre più rara nell'arte contemporanea: la convinzione che la vernice stessa—il suo peso, la sua texture e la sua presenza fisica—possa detenere un potere insostituibile.

Clay Johnson, After Midnight,  2020

L'arte scomparsa della pazienza

Viviamo in un'epoca di scorciatoie artistiche. Gli strumenti digitali promettono risultati istantanei. Nuove tecniche emergono settimanalmente, celebrate semplicemente per la loro novità. Il mondo dell'arte, come tutto il resto, è stato sedotto dalla velocità e dalla comodità. Le tecniche pittoriche tradizionali—lente, laboriose, implacabili—sembrano quasi anacronistiche.

Eppure, sparsi tra studi dalla Germania alla California, dal Belgio all'Olanda, alcuni artisti continuano a spostare la vernice sulle tele con la dedizione degli artigiani medievali. Rappresentano ciò che potremmo chiamare Very Painterly Abstract Art, una pratica definita non da un'estetica condivisa, ma da una convinzione comune: che la manipolazione fisica della vernice crei qualcosa che nessun processo digitale può replicare.

Questa non è nostalgia. È resistenza.

Janise Yntema, Murmur, 2015

Cosa rende l'arte "molto pittorica"?

Guarda Clay Johnson lavorare, e capisci subito. Non usa pennelli - troppo delicati, troppo prevedibili. Invece, attacca la sua tela con spatole e attrezzi da costruzione, raschiando, costruendo, distruggendo, ricostruendo. La sua vernice acrilica si asciuga abbastanza in fretta da permettergli di reagire a ogni strato mentre emerge, creando superfici così lavorate da avvicinarsi alla scultura.

Oppure osserva il metodo meticoloso di accumulo di segni impasto di Martina Nehrling, ogni pennellata accuratamente posizionata che si aggrappa al suo vicino come elementi architettonici. I suoi colori puri e opachi creano motivi ipnotici che sembrano vibrare di energia fisica.

Ciò che questi artisti condividono non è lo stile—le loro opere finite appaiono notevolmente diverse. Ciò che condividono è il processo: un impegno ossessivo verso la pittura come materiale, la superficie come soggetto, il tempo reso visibile attraverso strati accumulati.

Martina Nehrling, Apophis, 2024

I quattro pilastri della Very Painterly Art

Attraverso un'attenta osservazione delle loro pratiche, emergono quattro principi fondamentali che definiscono la Very Painterly Abstract Art. Non sono regole ma ossessioni, forze motrici che plasmano ogni decisione in studio.

Onestà materiale

Questi artisti non cercano di far sembrare la pittura qualcos'altro. Yari Ostovany celebra il modo in cui il pigmento si dissolve, copre, si raschia via, si dissolve di nuovo. Danny Giesbers costruisce strati trasparenti che creano campi luminosi, ogni pennellata gioca un ruolo cruciale in una composizione complessiva che ha richiesto mesi per essere completata. La pittura è lasciata essere pittura—vischiosa, opaca, testarda, bella di per sé.

Profondità temporale

Ogni strato rappresenta una decisione, un momento nel tempo, una risposta a ciò che è venuto prima. Le superfici simili a rilievi di Jeremy Annear diventano siti archeologici di decisioni creative. Puoi leggere la storia di ogni dipinto nella sua topografia—dove l'artista ha costruito, raschiato, cambiato direzione, trovato risoluzione.

Impegno fisico

Queste opere richiedono corpi, non solo menti. Robert Niesse costruisce e danneggia molteplici sezioni di colore attraverso processi fisici complessi. Emily Berger lavora con ampie pennellate orizzontali gestuali, coinvolgendo tutto il corpo in ogni segno. I dipinti portano tracce dello sforzo umano che nessun assistente potrebbe replicare, nessun processo digitale potrebbe simulare.

Resistenza alla riproduzione

Forse cosa più importante, queste opere non possono essere apprezzate pienamente attraverso gli schermi. Richiedono la presenza fisica per una comprensione completa. Nell'era di Instagram, questo rappresenta una dichiarazione artistica audace: alcune esperienze non possono essere digitalizzate, alcuni piaceri non possono essere condivisi virtualmente.

Jeremy Annear, Cascading Lines, 2013

Il coraggio dell'anacronismo

Ci vuole coraggio per lavorare in questo modo nel 2025. Mentre altri artisti esplorano la collaborazione con l'AI, le possibilità degli NFT e installazioni spettacolari, questi pittori si ritirano nei loro studi per mesi di lavoro solitario. Abbracciano tecniche che non offrono scorciatoie, nessuna gratificazione istantanea, nessun potenziale virale.

I dipinti di Arvid Boecker emergono attraverso una costruzione paziente—prima disegnando la composizione a matita, poi evolvendo colori e strati per lunghi periodi. Ogni opera diventa una mappa topografica di attenzione sostenuta. In una cultura che premia l'immediato, lui insiste sull'eventuale.

Janise Yntema lavora con la cera encausto, una tecnica letteralmente antica—usata dai Romani, perfezionata nel corso dei millenni. Nel suo studio, applica cera d'api naturale e resina su pannelli di legno, usando il calore come solvente attivo. Attraverso lente accumulazioni di strati semi-trasparenti, crea immagini in cui la luce stessa diventa compositivamente presente. Il suo processo richiede quella che chiama "una danza alchemica tra il diretto e l'indiretto"—l'opposto della prevedibilità digitale.

Danny Giesbers, Neon 1 (a sinistra) e Dan Flavin (a destra), 2020

Echi Storici, Urgenza Contemporanea

Questo approccio si collega a illustri precedenti. I dipinti con spatola di Gerhard Richter dimostrano il dialogo supremo tra controllo e caso attraverso superfici intensamente lavorate. Frank Auerbach e Leon Kossoff hanno trasformato l'impasto in rilievo scultoreo. Anselm Kiefer ha incorporato sabbia, cenere e memoria in superfici che portano il peso della storia.

Ma gli artisti di Very Painterly Abstract di oggi affrontano un contesto culturale diverso. Dove i loro predecessori lavoravano contro il dominio della fotografia e dei mass media, questi artisti lavorano contro il dominio della cultura digitale stessa. Non stanno solo creando dipinti; stanno preservando un modo di pensare, una modalità di coinvolgimento, un tipo di esperienza.

Emily Berger, Old Flame (a sinistra) e Red Dream (a destra), 2022

La Persistenza Internazionale

Ciò che è notevole è come questo impegno appaia attraverso culture e continenti. Danny Giesbers nei Paesi Bassi sviluppa approcci algoritmici combinati con segni spontanei. La sua serie "Shifts" incorpora vernici fosforescenti che si trasformano con le condizioni di illuminazione—la superficie intensamente lavorata diventa partecipe della propria evoluzione continua.

Emily Berger stende pittura a olio su pannelli di legno in California, creando dinamiche di spinta e trazione attraverso colori complementari che conferiscono alle sue composizioni una luminosità sfumata. Attraverso la raschiatura e lo sfregamento, unisce il gesto dell'Espressionismo Astratto con una consapevolezza materiale contemporanea.

Robert Niesse costruisce strati lucidi alternati a potenti segni distintivi, creando ciò che descrive come "contesto brutale e conclusione delle composizioni cromatiche." Il suo approccio sistematico ma intuitivo riflette un background nel design abbracciando l'espressione astratta spontanea.

Ogni artista porta specificità culturale a un'ossessione materiale condivisa, arricchendo il vocabolario pur mantenendo un impegno essenziale verso superfici intensamente lavorate e profondità temporale.

Yari Ostovany, Qui è dove ci incontriamo (Per John Berger), 2015

Perché questo è importante ora

Difendendo Very Painterly Abstract Art, difendiamo più di una preferenza estetica. Difendiamo il valore dell'impegno sostenuto, di processi che non possono essere accelerati, di esperienze che non possono essere digitalizzate.

Questi artisti ci ricordano che, nonostante i progressi tecnologici, esiste qualcosa di insostituibile nella manipolazione diretta e fisica dei materiali. Le loro superfici intensamente lavorate sono monumenti alla creatività umana—testimonianze di un impegno sostenuto tra artista e medium che nessun processo digitale può replicare.

Il mercato riconosce questa insostituibilità. Alcuni collezionisti cercano opere che richiedono la presenza fisica per una comprensione completa, dipinti che rivelano nuovi dettagli a ogni visione, superfici che cambiano con la luce e la prospettiva. Gli artisti Very Painterly Abstract offrono esattamente questa esperienza.

Robert Niesse, 2121-6, 2024

Il Futuro della Resistenza

Man mano che la cultura digitale diventa più pervasiva, Very Painterly Abstract Art diventa più preziosa—non come curiosità storica, ma come necessità contemporanea. Questi artisti non stanno preservando il passato; stanno garantendo che certi tipi di esperienza umana rimangano possibili.

Rappresentano gli ultimi alchimisti in un'epoca di tutto istantaneo, trasformando materie prime in esperienze insostituibili attraverso il tempo, la pazienza e l'impegno fisico. I loro studi diventano santuari dove rimangono possibili diversi rapporti con il tempo e la creazione.

Celebrando questi artisti, celebriamo non solo il successo individuale, ma la vitalità continua di pratiche che rifiutano compromessi con la fretta. Essi garantiscono che la pittura rimanga non solo rilevante ma essenziale, offrendo qualcosa di sempre più raro: l'opportunità di incontrare tracce fisiche di pensiero e sentimento umano sostenuti.

Le loro superfici spesse di pittura portano più del pigmento: portano la convinzione che alcune cose non possono essere affrettate, digitalizzate o semplificate. Nella nostra epoca accelerata, insistono sulla decelerazione. Nel nostro mondo virtuale, richiedono la presenza fisica. Nella nostra epoca di riproduzione infinita, creano l'irrinunciabile.

Questo è il loro coraggio, il loro dono e la loro eredità.

Immagine in evidenza: Arvid Boecker, da sinistra a destra: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Cortesia dell'artista.