Franz Kline e il suo modo di dipingere ad azione
E se fin dall’inizio non fossimo destinati a interpretare i geroglifici? E se non fossero simboli, ma semplicemente forme estetiche da apprezzare come arte? Possono certamente essere apprezzati come tali da chi, come noi, non riesce comunque a leggerli. L’opera di Franz Kline rappresenta un momento nell’evoluzione dell’Espressionismo Astratto in cui si pose una domanda simile: se fosse necessario o addirittura possibile interpretare alcune opere astratte. La tecnica gestuale iconica di Kline, unita all’uso di comuni pennelli da casa, ha prodotto segni di pennello che a prima vista sembrano in linea con quelli realizzati da altri Pittori d’Azione come Willem de Kooning e Jackson Pollock. Ma mentre quei pittori creavano opere profondamente radicate in un significato sottostante, Kline realizzava opere che facevano riferimento solo a se stesse. Le pennellate che creava erano, come spiegava, “non collegate a nessuna entità se non alla loro stessa esistenza.”
La ricerca di Franz Kline
Se mai ci fosse stato un pittore che avrebbe potuto dedicare un’intera vita a sondare le profondità del subconscio, quello era Franz Kline. La prima parte della vita di Kline fu segnata dal dolore. Suo padre morì quando Franz aveva solo sette anni, e poco dopo sua madre lo abbandonò in un orfanotrofio e si risposò. In seguito, la moglie di Franz soffrì di frequenti crisi di malattia mentale e trascorse periodi dentro e fuori istituti psichiatrici. Unito al tumulto esistenziale che il mondo intero stava vivendo negli anni Quaranta, le lotte personali di Kline lo resero il rappresentante ideale delle idee sul subconscio e sulla rivelazione mistica che stavano emergendo nella comunità dell’Espressionismo Astratto.
Franz Kline - Senza titolo II, 1952, Inchiostro e olio su pagine di elenchi telefonici ritagliate e incollate su carta montata su tavola, 28 x 23 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Come molti suoi contemporanei, Kline fu inizialmente formato come pittore figurativo. Le sue prime opere mostrano un’ottima padronanza della tecnica formale e un talento avanzato nel disegno. Passò all’astrazione dopo aver stretto amicizia con membri della Scuola di New York, come Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman e Philip Guston. Grazie alla loro influenza, Kline concentrò la sua attenzione, esplorando la natura delle pennellate in grandi dipinti d’azione che utilizzavano una tavolozza semplificata in bianco e nero. Ma uno sguardo alle sue opere precedenti, sebbene figurative, come Puppet in the Paint Box, rivela alcune delle stesse pennellate e una presa grezza sulla composizione e il colore che definirono lo stile astratto che alla fine lo rese famoso.
Franz Kline nel suo studio, 1954, in copertina su LIFE Magazine con due dei suoi iconici dipinti in bianco e nero. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Il legame con il Minimalismo
Anche se era amico e ancora oggi è associato ai membri fondatori dei pittori della Scuola di New York dell’Espressionismo Astratto, l’opera di Kline si differenzia dalla loro in un modo specifico e importante. Mentre gli altri Espressionisti Astratti scavavano nei propri sentimenti, intuizioni ed emozioni inconsce per creare opere profondamente personali e ricche di significati nascosti, Kline realizzava opere che riguardavano le qualità formali della pittura, come la vernice, la pennellata, la composizione e il colore.
Franz Kline - Senza titolo – Locomotiva. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Prese in prestito la tecnica pittorica gestuale ideata dai suoi colleghi Espressionisti Astratti e con essa sviluppò uno stile proprio, attivo e fisico. Ma nelle iconiche opere d’azione di Kline non c’era misticismo né significato nascosto. Inoltre, le sue composizioni pittoriche non erano spontanee e istintive come quelle di Pollock, ma piuttosto pianificate in anticipo, spesso schizzate in dettaglio su pagine di vecchi elenchi telefonici.
Piuttosto che spiegare o analizzare il contenuto delle sue opere, Kline incoraggiava gli spettatori a interagire semplicemente con i segni e le composizioni stesse, senza cercare simbolismi o significati, ma semplicemente interagendo con le qualità formali dell’arte. Queste opere riguardavano esclusivamente l’apprezzamento estetico singolare delle sue pennellate distintive e dello spazio negativo circostante. Kline riteneva che l’impatto emotivo dell’opera potesse essere vissuto interamente attraverso l’apprezzamento di queste qualità formali e insisteva che quello fosse l’aspetto più importante su cui concentrarsi. Attraverso questo stile personale divenne una sorta di collegamento tra il misticismo degli Espressionisti Astratti e il formalismo abbracciato dai Minimalisti.
Franz Kline - Senza titolo – Sedia a dondolo. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Il legame con de Kooning
La storia più raccontata sull’evoluzione di Kline in maestro dell’astratto è questa: stava già realizzando dipinti d’azione gestuali, sebbene in piccolo formato. Queste opere, come Senza titolo – Locomotiva e Senza titolo – Sedia a dondolo, entrambe del 1946, contengono tutti i materiali grezzi di pennellata, linea, colore e composizione che avrebbero poi definito il suo stile successivo. Secondo la leggenda, l’amico di Kline, Willem de Kooning, lo incoraggiò a proiettare questi piccoli dipinti in gran parte sulla parete, ingrandendoli così tanto da poter apprezzare semplicemente le singole pennellate da soli.
Franz Kline - Chief, 1950, Olio su tela, 148,3 x 186,7 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Come tutte le storie del mondo dell’arte, anche questa ha i suoi scettici. Se sia un mito basato su fatti o meno, tuttavia, è irrilevante. È evidente dalle sue opere della fine degli anni Quaranta che Kline si stava già muovendo nella direzione di isolare la natura formale e le caratteristiche delle sue pennellate. Che sia stato de Kooning a consigliargli di lavorare in grande, portando le pennellate a un’attenzione monumentale, o che l’idea sia venuta a lui stesso, non fa molta differenza. In ogni caso, nel 1950 aveva pienamente abbracciato l’idea di lavorare in grande formato. Quell’anno ricevette la sua prima mostra personale alla Charles Egan Gallery di New York, che lo presentò e presentò i suoi dipinti a pennellate ampie, come Chief, all’America.
Cy Twombly - Senza titolo, 1951, Vernice industriale su tela, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Franz Kline insegnante
Negli anni Cinquanta Kline divenne sempre più famoso e influente. Insegnò in diverse istituzioni durante questo periodo, tra cui il Black Mountain College e il Pratt Institute di Brooklyn. Ciò che è più evidente nel lavoro dei suoi studenti è la loro volontà di esplorare il proprio rapporto con il gesto, la traccia e la fisicità. Uno degli studenti più famosi di Kline fu il pittore astratto Cy Twombly, che studiò con Kline nel 1951 al Black Mountain. Lo stile iconico di Twombly è una forma altamente individuale di pittura d’azione profondamente influenzata dalla tecnica di Kline.
Franz Kline - King Oliver, 1958, Olio su tela, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York
Alla fine degli anni Cinquanta, Kline ampliò il suo stile includendo una tavolozza di colori più ampia. In opere come King Oliver, dipinta nel 1958, il suo stile personale iconico è ancora evidente, così come le sue pennellate gestuali. Ma la tavolozza di colori ampliata aggiunge nuove dimensioni all’opera che distolgono l’attenzione dalle qualità dei segni verso un esame più profondo delle altre qualità formali del dipinto. Kline ottenne notorietà internazionale in questo periodo della sua vita grazie all’inclusione delle sue opere in una mostra itinerante organizzata dal MoMA di New York chiamata The New American Painting, che fece il giro d’Europa nel 1958.
Franz Kline morì improvvisamente nel 1962 per insufficienza cardiaca. Sebbene non abbia mai visto il pieno fiorire di movimenti come il Minimalismo e l’Astrattismo Post-Pittorico, il suo focus sulle qualità formali della traccia espressionista astratta ha sicuramente contribuito al loro sviluppo intellettuale e al loro successo critico. Attraverso le opere iconiche di Kline vediamo realizzarsi un ponte concettuale. Il suo lavoro come artista e insegnante ha incoraggiato molti della sua generazione e delle generazioni future a considerare i dipinti come oggetti piuttosto che come mezzi o intermediari per esperienze trascendenti, e ha aiutato il Modernismo della fine del XX secolo nella sua ricerca di rimanere inventivo e libero.
Immagine in evidenza: Franz Kline - Puppet in the Paint Box, 1940, Olio su tavola di tela, 36 x 46 cm.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
