Franz Kline e il suo modo di dipingere ad azione

Cosa succederebbe se fin dall'inizio non fossimo destinati a interpretare i geroglifici? E se non fossero simboli, ma semplicemente forme estetiche da apprezzare come arte? Possono certamente essere apprezzati come tali da coloro di noi che non possono leggerli comunque. L'opera di Franz Kline rappresenta un momento nell'evoluzione dell'Espressionismo Astratto quando è stata posta una domanda simile riguardo se l'interpretazione fosse necessaria o addirittura possibile con alcune opere d'arte astratta. La tecnica gestuale iconica di Kline, combinata con l'uso di comuni pennelli per vernice da casa, ha prodotto segni di pennello che a prima vista sembrano in linea con quelli realizzati da altri Action Painters come Willem de Kooning e Jackson Pollock. Ma mentre quei pittori realizzavano opere profondamente radicate in significati sottostanti, Kline realizzava opere che facevano solo riferimento a se stesse. I tratti di pennello che creava erano, come spiegava, “non correlati a nessuna entità se non a quella della loro stessa esistenza.”

La ricerca di Franz Kline

Se mai ci fosse stato un pittore che avrebbe potuto dedicare un'intera vita a esplorare le profondità del subconscio, quello era Franz Kline. La vita precoce di Kline era segnata dal dolore. Suo padre morì quando Franz aveva solo sette anni, e sua madre poco dopo lo abbandonò a un orfanotrofio e si risposò. In seguito, la moglie di Franz soffrì di frequenti crisi di malattia mentale e trascorse del tempo in istituti psichiatrici. Combinati con il tumulto esistenziale che l'intero mondo stava vivendo negli anni '40, le lotte personali di Kline lo resero il rappresentante ideale delle idee sul subconscio e sulla rivelazione mistica che stavano emergendo all'interno della comunità Espressionista Astratta.

Franz Kline - Untitled II, 1952, Inchiostro e olio su pagine di un elenco telefonico ritagliate e incollate su carta su tavola, 11 x 9 in. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Come molti dei suoi contemporanei, Kline è stato originariamente formato come pittore figurativo. Le sue prime opere mostrano un'eccellente padronanza della tecnica formale e un talento avanzato per il disegno. È passato all'astrazione dopo aver fatto amicizia con membri della New York School, come Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman e Philip Guston. Grazie alla loro influenza, Kline ha ristretto il suo focus, esplorando la natura delle pennellate in dipinti d'azione su larga scala che consistevano in una palette semplificata, in bianco e nero. Ma uno sguardo alle sue opere precedenti, sebbene di natura figurativa, come Puppet in the Paint Box, rivela alcune delle stesse pennellate e una comprensione grezza della composizione e del colore che hanno definito lo stile astratto che alla fine lo ha reso famoso.

Franz Kline nel suo studio, 1954, in copertina di LIFE Magazine con due dei suoi iconici dipinti in bianco e nero. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Il collegamento minimalista

Anche se era amico e ancora oggi è associato ai membri fondatori dei pittori della Scuola di New York dell'Espressionismo Astratto, l'opera di Kline è diversa dalla loro in un modo specifico e importante. Mentre gli altri Espressionisti Astratti estraevano i propri sentimenti, intuizioni ed emozioni subconscie e li utilizzavano per creare opere profondamente personali e piene di significato nascosto, Kline realizzava opere che riguardavano le qualità formali della pittura, come la vernice, il tratto di pennello, la composizione e il colore.

Franz Kline - Senza titolo – Locomotiva. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Prese in prestito la tecnica della pittura gestuale che era stata ideata dai suoi colleghi espressionisti astratti e con essa sviluppò il suo stile distintivo, attivo e fisico. Ma non c'era mistica o significato nascosto nelle iconiche azioni pittoriche di Kline. Inoltre, le composizioni pittoriche di Kline non erano spontanee e istintive come le opere di Pollock, ma piuttosto erano pianificate in anticipo, spesso abbozzate in dettaglio su pagine di vecchi elenchi telefonici.

Invece di spiegare o analizzare il contenuto delle sue opere, Kline incoraggiava gli spettatori a interagire semplicemente con i segni e le composizioni stesse, senza cercare simbolismo o significato, ma semplicemente interagendo con le qualità formali dell'arte. Queste opere riguardavano tutta l'apprezzamento estetico singolare delle sue pennellate distintive e dello spazio negativo circostante. Kline riteneva che l'impatto emotivo dell'opera potesse essere vissuto interamente attraverso un apprezzamento di queste qualità formali e insisteva sul fatto che fosse la cosa più importante su cui concentrarsi. Attraverso questo stile personale divenne una sorta di collegamento tra il misticismo degli Espressionisti Astratti e il formalismo abbracciato dai Minimalisti.

Franz Kline - Senza titolo – Sedia a dondolo. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Il legame de Kooning

La storia più spesso ripetuta sull'evoluzione di Kline in un maestro dell'astrazione è questa: stava già realizzando dipinti d'azione gestuale, sebbene su scala ridotta. Questi pezzi, come Untitled – Locomotive e Untitled – Rocking Chair, entrambi del 1946, contengono tutti i materiali grezzi di tratto, linea, colore e composizione che avrebbero infine definito il suo stile successivo. Secondo la leggenda, l'amico di Kline, Willem de Kooning, incoraggiò Kline a proiettare questi piccoli dipinti principalmente sulla parete, così ingranditi che potesse semplicemente apprezzare i singoli colpi di pennello da soli.

Franz Kline - Chief, 1950, Olio su tela, 58 3/8 x 73 ½ in. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Come in tutte le storie del mondo dell'arte, anche questa ha i suoi detrattori. Che si tratti di un mito basato su fatti o meno, tuttavia, è irrilevante. È evidente dal suo lavoro alla fine degli anni '40 che Kline si stava già muovendo nella direzione di isolare la natura formale e le caratteristiche dei suoi segni di pennello. Che fosse de Kooning a raccomandargli di lavorare in grande, portando i colpi di pennello in un focus monumentale, o che l'idea fosse venuta a lui stesso non fa molta differenza. In ogni caso, nel 1950 aveva pienamente abbracciato l'idea di lavorare in grande. Quell'anno ricevette la sua prima mostra personale alla Charles Egan Gallery di New York, che lo presentò e presentò i suoi dipinti con colpi di pennello di grande formato, come Chief, all'America.

Cy Twombly - Untitled, 1951, Pittura industriale su tela, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Franz Kline l'Insegnante

Negli anni '50 Kline divenne sempre più famoso e influente. Insegnò in diverse istituzioni durante questo periodo, tra cui il Black Mountain College e il Pratt Institute di Brooklyn. Ciò che è più evidente nel lavoro dei suoi studenti è la loro disponibilità a esplorare il proprio rapporto con il gesto, la creazione di segni e la fisicità. Uno degli studenti più famosi di Kline fu il pittore astratto Cy Twombly, che studiò con Kline nel 1951 al Black Mountain. Lo stile iconico di Twombly è una forma altamente individuale di action painting profondamente influenzata dalla tecnica di Kline.

Franz Kline - King Oliver, 1958, Olio su tela, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), New York

Negli anni '50, Kline ampliò il suo stile per includere una gamma di colori più ampia. In opere come King Oliver, dipinta nel 1958, il suo iconico stile personale è ancora evidente, così come i suoi gesti di pennellate. Ma la gamma di colori aumentata aggiunge nuove dimensioni all'opera che distolgono l'attenzione dalle qualità dei segni e portano a un'esaminazione più profonda delle altre qualità formali del dipinto. Kline raggiunse notorietà internazionale in questo periodo della sua vita grazie al fatto che il suo lavoro fu incluso in una mostra itinerante organizzata dal MoMA di New York chiamata The New American Painting, che girò l'Europa nel 1958.

Franz Kline morì improvvisamente nel 1962 per insufficienza cardiaca. Anche se non visse mai per vedere il pieno fiorire di movimenti come il Minimalismo e Post-Painterly Abstraction, il suo focus sulle qualità formali della marcatura dell'Espressionismo Astratto portò sicuramente al loro sviluppo intellettuale e al loro successo critico. Attraverso le opere iconiche di Kline, vediamo un ponte concettuale prendere forma. Il suo lavoro come artista e educatore incoraggiò molti nella sua generazione e nelle generazioni future a considerare i dipinti come oggetti piuttosto che come mezzi o intermediari per esperienze trascendenti, e assistette il Modernismo della fine del XX secolo nella sua ricerca di rimanere inventivo e libero.

Immagine in evidenza: Franz Kline - Puppet in the Paint Box, 1940, Olio su tavola di tela, 14 x 18 in.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park