Post-Painterly Abstraction - Il Significato e l'Ambito

In termini di storia dell’arte, il Modernismo non fu un movimento. Fu piuttosto un processo di consapevolezza artistica. Piuttosto che concentrarsi sulla rappresentazione oggettiva, i pittori modernisti esplorarono ciò che potevano esprimere attraverso l’astrazione, o attraverso le qualità formali della pittura come il colore, la forma, il gesto e la superficie. Tra i movimenti pittorici modernisti, Post-Painterly Abstraction fu uno degli ultimi a emergere prima che gli atteggiamenti postmoderni acquisissero rilievo alla fine del XX secolo. Si concentrava sull’elemento più essenziale della pittura—la bidimensionalità, o piattezza. Eliminava ogni riferimento a soggetti narrativi così come alla personalità dell’artista. Riuscì a raggiungere ciò che il critico d’arte Clement Greenberg considerava il vero scopo della pittura modernista, cioè ridurre la pittura alla sua “essenza vitale.”

I principi della Post-Painterly Abstraction

Per comprendere la Post-Painterly Abstraction, è utile considerare il suo opposto: la Painterly Abstraction, il cui esempio perfetto è l’Espressionismo Astratto. Immaginate una delle pitture a spruzzo di Jackson Pollock, con la sua energia primordiale e il dramma insito. È un’espressione del sé subconscio di Pollock. La vernice si accumula in strati e cumuli, creando creste e valli. Detriti come vetro e mozziconi di sigaretta si mescolano con il mezzo, creando un’opera vivida e “pittorica”, dove la mano, la personalità e l’ego dell’artista sono evidenti in ogni segno.

Helen Frankenthaler - Approach, 1962, Olio su tela, 82 x 78 pollici, Collezione Anderson presso l’Università di Stanford, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

In un dipinto Post-Painterly Abstract non ci sono pennellate visibili. La superficie del dipinto è piatta. Vernice e superficie sono una cosa sola. I colori sono lineari, non stratificati, e sono anche vividi e brillanti, espressivi delle loro qualità essenziali ma nient’altro. Non ci sono dettagli nel dipinto oltre al colore, alla forma e allo spazio. Piuttosto che la composizione raccontare una storia o trasmettere un dramma subconscio, la composizione è aperta, permettendo alle qualità formali del colore e della superficie di essere il soggetto dell’opera. Un esempio perfetto è Bridge, dipinto nel 1964 dall’artista americano Kenneth Noland.

Kenneth Noland - Bridge, 1964, Acrilico su tela, 89 x 98 pollici, © Kenneth Noland

Modernismo vs. Postmodernismo

Può sembrare confuso definire la Post-Painterly Abstraction uno degli ultimi movimenti d’arte modernista. Dopotutto, molti credono che il Modernismo sia ancora in corso oggi. Se vi considerate modernisti o postmodernisti dipende fondamentalmente da ciò in cui credete. Il postmodernismo considera la storia relativa e ritiene che i concetti di “progresso” lineare siano sciocchezze.

Jack Bush - Nice Pink, 1965, Acrilico su tela, © Jack Bush

Il Modernismo si basava sull’idea di un passato artistico formale condiviso. Il Modernismo richiedeva un’evoluzione artistica. Esigeva novità, che richiedeva invenzione, che a sua volta richiedeva la comprensione di ciò che era venuto prima. In sostanza, il Modernismo racconta una storia. Dice: “Gli artisti facevano questo finché non hanno iniziato a fare quest’altro,” e così via. Per comprendere l’impatto contestuale di un’opera d’arte modernista, bisogna prima capire perché era innovativa per il suo tempo, il che richiede la comprensione del suo posto all’interno del movimento specifico e del posto di quel movimento nella più ampia narrazione storica dell’arte.

Ellsworth Kelly - Blue White, 1962, Olio su tela, © Ellsworth Kelly

La mostra Post-Painterly Abstraction del 1964

Il critico d’arte Clement Greenberg era un vero modernista, cioè credeva nella narrazione generale della storia dell’arte e sentiva il bisogno di contestualizzare le tendenze contemporanee in relazione a quella storia più ampia. La sincerità e la profondità della conoscenza storica di Greenberg lo resero uno dei narratori più influenti del Modernismo. Nel corso del XX secolo, i suoi scritti estesi definirono la narrazione modernista descrivendone l’evoluzione a partire dalla metà del 1800, contestualizzandone i progressi e nominando persino i suoi movimenti più noti del dopoguerra, incluso l’Espressionismo Astratto.

Morris Louis - Earth Gamut, 1961, Resina acrilica (Magna) su tela, 86 7/8 x 60 pollici, Copyright © MICA / Artists Rights Society (ARS), New York

Greenberg coniò e definì il termine Post-Painterly Abstraction curando una mostra con lo stesso nome al Los Angeles County Museum of Art nel 1964. La mostra LACMA Post-Painterly Abstraction presentava le opere di 31 artisti, tutti considerati da Greenberg rappresentativi di quella che egli riteneva fosse questa nuova tendenza nell’arte modernista. Tra gli artisti inclusi nella mostra vi erano diversi che in seguito divennero alcuni dei pittori più famosi del XX secolo, tra cui Helen Frankenthaler, Jack Bush, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland e Frank Stella.

Kenneth Noland - Cadmium Radiance, 1963, Magna su tela, © Kenneth Noland

Le stelle della Post-Painterly Abstraction

Helen Frankenthaler contribuì con tre opere alla mostra LACMA Post-Painterly Abstraction. Tra queste vi era Approach, che presenta la tecnica unica di Frankenthaler chiamata “soak stain”. Questa tecnica consisteva nel versare vernice diluita direttamente su tela non preparata per permettere al mezzo di assumere forme organiche eliminando al contempo le pennellate per minimizzare la presenza della mano dell’artista.

Jack Bush era un pittore astratto canadese associato al gruppo chiamato Painters Eleven. Gli artisti di Painters Eleven non condividevano uno stile comune. Erano semplicemente tutti dediti a creare opere astratte e a sostenere gli sforzi reciproci. Clement Greenberg fu un sostenitore influente del gruppo e mostrò un interesse particolare per le opere di Bush, incoraggiandolo a continuare a perfezionare e semplificare i suoi colori e le sue forme.

I dipinti vividi e ultra-piatti di Ellsworth Kelly incorporano un linguaggio visivo iconico basato sulla distillazione delle forme osservate in natura. Oltre al suo contributo all’avanzamento della Post-Painterly Abstraction, ebbe un impatto anche sul Minimalismo e sull’Arte Concettuale con le sue opere sagomate e monocromatiche. Tra i contributi di Kelly alla mostra LACMA Post-Painterly Abstraction vi era il dipinto Blue White.

Come la sua contemporanea Helen Frankenthaler, Morris Louis, nato a Baltimore, versava la vernice direttamente sulla tela non preparata per evitare la comparsa di pennellate. La sua estetica comprendeva bande vibranti e colorate di colore versato, rappresentate dal dipinto Earth Gamut, incluso nella mostra LACMA.

Per Kenneth Noland l’obiettivo del suo lavoro era eliminare ogni apparenza di emozione. Creò un vocabolario estetico basato su superfici piatte composte da cerchi concentrici e bande di colore. Le sue opere erano prive di texture, non rivelando nulla del gesto o della mano dell’artista. È considerato un pioniere non solo della Post-Painterly Abstraction ma anche di idee influenti per il Minimalismo.

Ancora attivo oggi a 80 anni, Frank Stella è diventato uno dei nomi più riconoscibili dell’astrazione contemporanea. I suoi sforzi abbracciano molteplici movimenti e sfidano la categorizzazione. Stella si fece conoscere con le sue prime opere nella Post-Painterly Abstraction e ne ebbe tre incluse nella mostra LACMA. Tra queste vi era questo pezzo, Henry Garden.

Immagine in evidenza: Frank Stella - Henry Garden, 1963, Olio su tela, 80 x 80 pollici, Galleria Leo Castelli, New York, © Frank Stella
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio