Astrazione e Natura nei dipinti di Ellsworth Kelly
Quando un artista diventa famoso per aver realizzato un particolare tipo di opera, gli esempi principali di quel tipo di opera tendono a diventare i pezzi più preziosi dell’opera dell’artista. Forse è per questo che molte delle pitture di Ellsworth Kelly che troviamo nelle collezioni museali esemplificano le opere monocromatiche di forma irregolare che Kelly realizzava. Gli osservatori occasionali potrebbero presumere che questo sia l’unico tipo di arte che Kelly abbia creato. Potrebbero anche pensare che il significato di queste opere sia puramente astratto. I monocromi di Kelly potrebbero facilmente essere interpretati come espressioni di astrazione geometrica, pittura a bordi netti, arte concettuale, arte del campo cromatico o Minimalismo. E sebbene alcune di queste tendenze possano effettivamente aver influenzato Kelly in qualche momento della sua carriera, sarebbe più corretto dire che gli artisti che lavoravano in quei campi furono influenzati da lui. Kelly era un innovatore. E, a insaputa di molti, i suoi dipinti non erano puramente astratti, ma rappresentazioni di forme che trovava in natura.
Le radici naturali di Ellsworth Kelly
Kelly è cresciuto con un legame personale con la natura. È nato nel 1923 nella idilliaca cittadina di Newburgh, sul fiume Hudson, nello stato di New York, a 60 miglia a nord di Manhattan. Circondato da boschi, dolci colline e dal fiume, sviluppò presto un apprezzamento per le piante e gli animali della natura circostante. Dopo aver studiato arte e design al Pratt per due anni, Kelly si arruolò nell’esercito. Insieme a diversi altri artisti, Kelly fece parte della Ghost Army durante la Seconda Guerra Mondiale, un’unità per la quale era particolarmente adatto, poiché il suo ruolo era ideare ed eseguire operazioni di camuffamento per ingannare le truppe nemiche nella campagna europea.
Ellsworth Kelly - disegno a matita del Giardino delle Tuileries, Parigi, 1949
Dopo la guerra, Kelly trascorse diversi anni a Parigi continuando la sua formazione artistica. Sebbene il suo interesse iniziale fosse rivolto ai pittori figurativi, presto si accorse che il suo interesse estetico personale non era affatto nelle opere figurative ornate, né necessariamente nella pittura. Piuttosto, si sentiva attratto dalle forme semplici degli oggetti che vedeva intorno a sé. Realizzava schizzi elementari di forme che lo interessavano, come finestre, elementi architettonici e vari elementi naturali come fiori, arbusti, alberi, foglie e frutti.
Il Giardino delle Tuileries oggi
I disegni di Ellsworth Kelly
Qualunque fosse il soggetto che disegnava, Kelly riduceva gli oggetti di suo interesse alle forme più semplici. Realizzava studi delle forme e iniziava a esprimerle nella sua arte. Nel corso della sua carriera, gli schizzi che fece all’inizio della sua vita ispirarono un numero enorme di dipinti, sculture, serigrafie e altri oggetti estetici. Sebbene le opere che realizzò siano spesso percepite come prive di emozioni, astrazioni minimaliste di forme prive di significato, la verità è che esse fanno riferimento a un linguaggio specifico e reale di forme naturali da cui Kelly trasse ispirazione.
Ellsworth Kelly - Wild Grape, 1960, Matita su due fogli di carta, 28 1/2 x 45 pollici, Collezione MoMA
Negli anni Sessanta realizzò una serie di disegni di vari frutti selvatici, ortaggi da giardino, alberi, rami e le foglie e i fiori di varie altre piante. Il suo disegno del 1960 intitolato Wild Grape riduce le foglie della pianta dell’uva selvatica alle loro forme più semplici. Nel suo dipinto del 1962 Red White, Kelly prende quella stessa forma e la inverte su una tela bianca.
Ellsworth Kelly - Red White, 1962, Olio su tela, 80 1/8 x 90 1/4 pollici, Collezione SFMOMA
Nel suo disegno del 1965 Grapefruit (mostrato qui sotto come litografia), Kelly riduce l’immagine di un pompelmo maturo e di alcune foglie pendenti da un ramo. La congerie di forme e la gamma concettuale di colori rappresentati da questi elementi si manifesta nello stesso anno nella sua litografia Blue and Yellow and Red-Orange.
Ellsworth Kelly - Grapefruit (Pamplemousse), 1965, Uno di una serie di dodici litografie, 23 7/16 x 20 pollici, Collezione MoMA
Un altro interesse di Kelly era il rapporto dello spettatore con lo spazio in cui l’arte è presentata. Nella sua ricerca di affrontare questo aspetto dell’esperienza estetica, Kelly fece la svolta nel suo lavoro che avrebbe portato allo stile visivo iconico che lo rese famoso: oggetti sagomati, monocromatici che si appendono alla parete. Questi oggetti non erano veramente dipinti; avevano più natura scultorea, una distinzione considerata irrilevante da Kelly. Un esempio precoce di questo tipo di lavoro è Yellow Piece. La forma dell’opera è un’espressione matura della combinazione delle sue ispirazioni naturali e del processo di creazione di fenomeni estetici prodotti.
Ellsworth Kelly - Blue and Yellow and Red-Orange (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Litografia, 25 3/8 x 13 13/16 pollici
I dipinti di Ellsworth Kelly
Yellow Piece, insieme alle altre opere sagomate di Kelly, rappresenta un grande salto concettuale. Sagomando la tela, Kelly ha ricontestualizzato la parete e l’architettura circostante. Invece che la tela fungesse da sfondo per un’immagine, la parete stessa divenne il supporto per l’opera. Invece di essere un ambiente distaccato e ambientale in cui l’arte viene osservata, l’architettura divenne parte integrante dell’esperienza dello spettatore. In questo modo Kelly espresse perfettamente la sua ispirazione. Fece della galleria un ambiente naturale. La sua arte faceva parte dell’ambiente, ne cresceva, era sostenuta da esso, lo valorizzava e lo arricchiva. Gli spettatori la incontravano nello stesso modo in cui potrebbero incontrare una foglia, un fiore, un gambo o qualsiasi altro elemento naturale in un giardino o in un campo.
Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, Vernice polimerica sintetica su tela, 75 x 75 pollici
Alcune delle sue opere sagomate ampliarono ulteriormente la sua esplorazione delle relazioni estetiche spaziali introducendo una sorta di elemento stratificato, simile a un collage. Queste cosiddette opere “a rilievo” erano oggetti stratificati e multipannello che combinavano la tridimensionalità con le tele sagomate. Queste opere si estendono nello spazio tra l’oggetto e lo spettatore, invitando a emergere un rapporto personale, quasi antropomorfico, tra lo spettatore e l’opera d’arte. Parte integrante di questo rapporto è la domanda su quali siano realmente le differenze formali tra lo spettatore e l’opera.
Ellsworth Kelly - Black over Blue, 1963, Alluminio dipinto, 81 ¾ x 64 ¼ pollici x 6 pollici, Collezione SFMOMA
Sculture
Kelly fu anche un prolifico creatore di oggetti scultorei tradizionali. Le sue sculture seguono lo stesso linguaggio estetico delle sue altre opere, facendo riferimento alle forme naturali e alle composizioni che appaiono in molti dei suoi schizzi naturalistici. Nella scultura di Kelly del 2002 White Curves vediamo la ricomparsa della forma di un singolo petalo di fiore di magnolia, come catturato nella sua litografia del 1966 Magnolia.
Ellsworth Kelly - White Curves, 2002, Alluminio bianco, Collocata nel giardino delle sculture della Fondation Beyeler, Riehen, Svizzera
La prossima volta che incontrerai l’opera di Ellsworth Kelly, considerala dal punto di vista dell’ispirazione che lui stesso ha espresso. Invece di interagire con le sue opere come se fossero oggetti geometrici astratti e privi di emozioni, considerale un’espressione del linguaggio visivo della natura che ci circonda. Come disse Kelly, “disegnare piante mi ha sempre condotto nei miei dipinti e nelle mie sculture. Tutto il mio lavoro nasce dal percepire. Non sono un artista geometrico.”
Immagine in evidenza: Ellsworth Kelly Magnolia,1966, Litografia,24 1/4 x 34 3/4" Tutte le immagini © Ellsworth Kelly, tutte le immagini usate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
