Astrazione e Natura nei dipinti di Ellsworth Kelly

Quando un artista diventa famoso per aver realizzato un particolare tipo di opera, i principali esempi di quel tipo di opera tendono a diventare i pezzi più preziosi dell'opera dell'artista. Forse è per questo che così tanti dei dipinti di Ellsworth Kelly che troviamo nelle collezioni dei musei esemplificano le opere di forma strana e monocromatica che Kelly ha realizzato. Gli osservatori casuali potrebbero assumere che questo sia l'unico tipo di arte che Kelly ha creato. Potrebbero anche presumere che il significato di questi pezzi sia puramente astratto. I monocromi di Kelly potrebbero facilmente essere scambiati per espressioni di astrazione geometrica, pittura a bordi netti, arte concettuale, arte del campo di colore o Minimalismo. E mentre alcune di quelle tendenze potrebbero effettivamente aver influenzato Kelly in un certo momento della sua carriera, sarebbe più accurato dire che gli artisti che lavorano in quei campi sono stati influenzati da lui. Kelly era un innovatore. E, a insaputa di molti, i suoi dipinti non erano puramente astratti, ma rappresentazioni di forme che trovava in natura.

Le Radici Naturali di Ellsworth Kelly

Kelly è cresciuto con un legame personale con la natura. È nato nel 1923 nella idilliaca città di Newburgh, New York, a 60 miglia a nord di Manhattan. Circondato da boschi, colline ondulate e il fiume, ha sviluppato un precoce apprezzamento per le piante e gli animali della wilderness vicina. Dopo aver studiato arte e design alla Pratt per due anni, Kelly si arruolò nell'esercito. Insieme ad altri artisti, Kelly fece parte dell'Esercito Fantasma durante la Seconda Guerra Mondiale, un'unità per la quale era particolarmente adatto, poiché il suo compito era concepire ed eseguire operazioni di camuffamento per ingannare le truppe nemiche nella campagna europea.

 

Ellsworth Kelly - disegno a matita del Giardino delle Tuileries, Parigi, 1949 

 

Dopo la guerra, Kelly trascorse diversi anni a Parigi continuando la sua formazione artistica. Sebbene il suo interesse iniziale fosse per i pittori figurativi, presto si rese conto che il suo interesse estetico personale non era affatto nel lavoro figurativo ornato, né era necessariamente nella pittura. Piuttosto, si sentì attratto dalle forme semplici degli oggetti che vedeva intorno a sé. Fece schizzi di base delle forme che lo interessavano, come finestre, elementi architettonici e vari elementi naturali come fiori, arbusti, alberi, foglie e frutta.

 

Il Giardino delle Tuileries oggi 

 

Disegni di Ellsworth Kelly

Qualunque soggetto disegnasse, Kelly riduceva gli oggetti del suo interesse alle loro forme più semplici. Faceva studi delle forme e iniziava a esprimerle nella sua arte. Durante la sua carriera, i disegni che realizzò all'inizio della sua vita ispirarono un numero enorme di dipinti, sculture, serigrafie e altri oggetti estetici. Sebbene le opere che realizzò siano spesso percepite come astratte Minimaliste di forme prive di significato, la verità è che esse fanno riferimento a un linguaggio specifico e reale di forme naturali che ispirò Kelly.

 

Ellsworth Kelly - Uva selvatica, 1960, Matita su due fogli di carta, 28 1/2 x 45 in, Collezione MoMA

 

Negli anni '60 realizzò una serie di disegni di vari frutti selvatici, ortaggi da giardino, alberi, rami e le foglie e i fiori di varie altre piante. Il suo disegno del 1960 intitolato Wild Grape riduce le foglie della pianta di uva selvatica alle loro forme più semplici. Nella sua pittura del 1962 Red White, Kelly prende quella forma esatta e la inverte su una tela bianca.

 

Ellsworth Kelly - Rosso Bianco, 1962, Olio su tela, 80 1/8 x 90 1/4 in., Collezione SFMOMA

 

Nel suo disegno del 1965 Grapefruit (mostrato di seguito come litografia), Kelly riduce l'immagine di un pompelmo maturo e di diverse foglie appese a un ramo. La conglomerazione di forme e la gamma concettuale di colori rappresentati da questi elementi si manifesta nello stesso anno nella sua litografia Blue and Yellow and Red-Orange.

 

Ellsworth Kelly - Grapefruit (Pamplemousse), 1965, Uno di una serie di dodici litografie, 23 7/16 x 20 in., Collezione MoMA

 

Un altro degli interessi di Kelly era la relazione dello spettatore con lo spazio in cui l'arte è presentata. Nella sua ricerca per affrontare questo aspetto dell'esperienza estetica, Kelly ha fatto la scoperta nel suo lavoro che avrebbe portato allo stile visivo iconico che lo ha reso famoso: oggetti monocromatici sagomati che pendono dal muro. Questi oggetti non erano realmente dipinti; erano più di natura scultorea, una distinzione considerata irrilevante da Kelly. Un esempio precoce di questo tipo di lavoro è Yellow Piece. La forma dell'opera è un'espressione matura della combinazione delle sue ispirazioni naturali e del processo di creazione di fenomeni estetici manufatti.

 

Ellsworth Kelly - Blu e Giallo e Rosso-Arancio (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Litografia, 25 3/8 x 13 13/16 in.

 

Dipinti di Ellsworth Kelly

Yellow Piece, insieme ad altre opere sagomate di Kelly, rappresenta un grande salto concettuale. Modificando la tela, Kelly ha ricontestualizzato il muro e l'architettura circostante. Invece di fungere da sfondo per un'immagine, il muro stesso è diventato il supporto per l'opera. Invece di essere un ambiente disimpegnato e ambientale in cui l'arte viene vista, l'architettura è diventata una parte integrante dell'esperienza del visitatore. In questo modo Kelly ha espresso perfettamente la sua ispirazione. Ha reso la galleria un ambiente naturale. La sua arte era parte dell'ambiente, cresceva da esso, sostenuta da esso, migliorata da esso e migliorandolo. I visitatori la incontravano nello stesso modo in cui potrebbero incontrare una foglia, un fiore, un gambo o qualsiasi altro elemento naturale in un giardino o in un campo.

 

Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, pittura in polimero sintetico su tela, 75 x 75 in.

 

Alcuni dei suoi pezzi sagomati hanno ulteriormente ampliato la sua esplorazione delle relazioni estetiche spaziali introducendo una sorta di elemento stratificato, simile a un collage. Queste opere chiamate "rilievi" erano oggetti stratificati e multi-pannello che combinavano dimensionalità con tele sagomate. Questi pezzi si estendono verso l'esterno nello spazio tra l'oggetto e lo spettatore, invitando a emergere una relazione personale, quasi antropomorfica, tra lo spettatore e l'opera d'arte. Fondamentale per questa relazione è la questione di quali siano realmente le differenze formali tra lo spettatore e l'opera.

 

Ellsworth Kelly - Black over Blue, 1963, Alluminio dipinto, 81 ¾ x 64 ¼ in. x 6 in, Collezione SFMOMA

 

Sculture

Kelly era anche un prolifico creatore di oggetti scultorei tradizionali. Le sue sculture seguono lo stesso linguaggio estetico delle sue altre opere, facendo riferimento alle forme naturali e alle composizioni che appaiono in molti dei suoi schizzi naturalistici. Nella scultura di Kelly del 2002 White Curves vediamo la riapparizione della forma di un singolo petalo di un fiore di magnolia, come catturato nella sua litografia del 1966 Magnolia.

 

Ellsworth Kelly - Curve Bianche, 2002, Alluminio Bianco, Situato nel giardino delle sculture della Fondation Beyeler, Riehen, Svizzera

 

La prossima volta che ti imbatti nel lavoro di Ellsworth Kelly, consideralo dal punto di vista dell'ispirazione che lui stesso ha espresso. Invece di interagire con le sue opere come se fossero oggetti geometrici puramente astratti e privi di emozione, considerale un'espressione del linguaggio visivo della natura che ci circonda. Come ha detto Kelly: “disegnare piante mi ha sempre portato nei miei dipinti e nelle mie sculture. Tutto il mio lavoro nasce dalla percezione. Non sono un artista geometrico.”

 

Immagine in evidenza: Ellsworth Kelly Magnolia, 1966, Litografia, 24 1/4 x 34 3/4" Tutte le immagini © Ellsworth Kelly, tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo.
Di Phillip Park