Come definire la pittura monocromatica

Nel 1921, l'artista costruttivista Alexander Rodchenko espose tre dipinti monocromatici – intitolati Colore Rosso Puro, Colore Blu Puro, e Colore Giallo Puro – che considerava la massima espressione pittorica, dichiarando la pittura morta. Se la pittura monocromatica avesse davvero ucciso la pittura, allora la pittura sarebbe morta mille volte. Antichi artisti cinesi dipinsero monocromi così come fecero gli artisti indù. Rodchenko non fu nemmeno il primo artista occidentale moderno a dipingere un monocromo. Il Bianco su Bianco di Kazimir Malevich tentò di uccidere la pittura tre anni prima. Ma invece di ucciderla, i monocromi riuscirono esattamente al contrario. Le ridiedero nuova vita.

I veri colori della pittura monocromatica

Impariamo il colore attraverso l’esperienza. Qualsiasi creatura senziente capace di notare colori diversi è anche potenzialmente capace di associare pensieri e sentimenti personali a essi. Così un singolo colore può evocare una moltitudine di reazioni diverse a seconda delle associazioni che vari osservatori vi collegano. Oltre a essere uno stile di pittura che usa un solo colore, la pittura monocromatica è uno strumento trascendentale. È un modo per gli artisti di confrontarsi con il fenomeno del colore e dell’emozione, del colore e della spiritualità, del colore e della mente. Concentrandosi su una tonalità specifica come soggetto di un dipinto, un artista può esplorare la gamma di associazioni che gli spettatori hanno con quella tonalità.

Molti scrittori, teorici e artisti hanno cercato di definire le qualità consce, subconsce, mistiche o scientifiche delle varie tonalità che compongono il mondo del colore. Ma il colore è tristemente soggettivo. Ognuno di noi lo vede in modi sottilmente diversi, lo descrive diversamente e lo ricorda in modo differente. Come ci sentiamo riguardo a un particolare colore dipende dai contesti in cui lo abbiamo incontrato in precedenza. Questa è una delle spiegazioni per cui i dipinti monocromatici a volte suscitano tanta controversia. Indipendentemente da ciò che un artista intende dipingendo un monocromo, un monocromo non è mai finito finché gli spettatori non lo guardano e aggiungono al suo significato i pregiudizi e le preconoscenze che portano con sé.

Kazimir Malevich - Composizione suprematista, Bianco su Bianco, Olio su tela, 1917-1918, 79,4 x 79,4 cm, Museum of Modern Art (MoMA), New York City, NY

La prospettiva è tutto

Kazimir Malevich e Alexander Rodchenko erano costruttivisti, un gruppo di artisti che credeva che i vecchi modi di guardare l’arte, attraverso linee d’orizzonte, prospettive, soggetti, ecc., fossero inutili nell’epoca moderna. Desideravano un’arte che potesse esistere al di fuori del regno del personale e che potesse essere apprezzata dall’intera società. Non cercavano di uccidere la pittura; cercavano di democratizzarla.

L’ironia del loro sforzo di creare un’arte meno personale è che, semplificando la loro tavolozza e riducendo o addirittura eliminando il loro vocabolario di forme, invitarono a un’introspezione maggiore che mai. Crearono tele che invitavano a valutazioni estetiche intricate. La profondità e la complessità delle sfumature sottili evidenti in Bianco su Bianco offrono agli osservatori attenti infinite ore di piacere contemplativo. E quando si considerano fattori come l’illuminazione e il contesto, entrano in gioco livelli completamente nuovi di contemplazione e interpretazione.

Alexander Rodchenko - Colore Rosso Puro, 1921, Museo d’Arte Regionale di Ivanovo © Archivio A. Rodchenko & V. Stepanova / DACS 

Contenuto vs. Contesto

Già negli anni 1890, Claude Monet dipinse tele in un solo colore. Ma queste tele contenevano contenuti rappresentativi, quindi la tavolozza limitata viene facilmente trascurata a favore delle case, degli alberi o del terreno nell’immagine. Eliminando ogni contenuto e concentrandosi esclusivamente sul colore, un dipinto monocromatico costringe gli spettatori a contemplare qualcosa di completamente personale. Un osservatore potrebbe guardare un dipinto monocromatico rosso e scartarlo del tutto. Un altro potrebbe ricordare qualcosa di personale riguardo al colore rosso e collegare l’opera a quel ricordo. Un altro ancora potrebbe usare il dipinto monocromatico come mezzo spirituale per connettersi con qualcosa di subcosciente o universale. Un altro potrebbe semplicemente reagire esteticamente, dichiarandolo bello o orribile.

Nel 1955, l’artista Yves Klein espose una selezione di dipinti monocromatici di diversi colori. Il pubblico li apprezzò ma li interpretò semplicemente come decorazioni. In reazione a questo fraintendimento, Klein creò la sua propria tonalità di blu e per la sua mostra successiva nel 1957 espose 11 tele identiche tutte dipinte con quel medesimo colore blu. Il colore divenne noto come IKB (International Klein Blue), e l’effetto che questa mostra ebbe sul pubblico fu molto più profondo.

Il Vuoto

Klein seguì la mostra del blu con una mostra intitolata Il Vuoto, in cui rimosse tutto tranne un armadio da uno spazio espositivo e dipinse l’intera stanza di bianco. Tinse una tenda di IKB e la appese all’ingresso dello spazio. Spostò l’attenzione dello spettatore dal contenuto artistico della mostra al contesto in cui l’arte viene mostrata. Questo cambiamento di percezione dal contenuto al contesto cambiò radicalmente il modo in cui l’arte poteva essere vista. E il dipinto monocromatico divenne il veicolo perfetto per esplorare questa nuova prospettiva.

Un dipinto monocromatico può facilmente diventare un elemento attraverso cui un ambiente viene valorizzato. Un monocromo può anche diventare il punto focale di un ambiente, interagendo con il contesto in modo da attirare l’attenzione specificamente su di sé e su nient’altro. Un monocromo può diventare il vuoto o può riempire il vuoto. Può rivelare il vuoto dentro lo spettatore, oppure uno spettatore può riempire il vuoto apparente del monocromo con un trasferimento di contenuti esperienziali.

Alexander Rodchenko - Colore Giallo Puro, 1921, Museo d’Arte Regionale di Ivanovo © Archivio A. Rodchenko & V. Stepanova / DACS 

Allora, cos’è un monocromo?

In parole semplici, l’unica qualità definitoria di un monocromo è l’unicità del colore. Ma un dipinto monocromatico è più della somma delle sue parti. Un dipinto monocromatico è anche definito dalla sua capacità di trasformare uno spettatore o un ambiente. Comunica qualcosa direttamente, come “rosso,” “blu” o “giallo.” Eppure comunica anche nulla. Attende un osservatore, un ascoltatore, un traduttore nella mente di chi guarda, prima di decidere cosa vuole comunicare.

In un certo senso, un monocromo è sia il tipo di pittura più rappresentativo possibile sia il più astratto. È un totem universale. Ci offre qualcosa di specifico e allo stesso tempo accetta qualunque cosa abbiamo da offrire.

Immagine in evidenza: Yves Klein - Monocromo Blu senza titolo (IKB 92), Pigmento secco in resina sintetica su tela, montata su tavola, 92,1 x 71,8 cm, © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Parigi
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio