Mark Rothko: Il Maestro del Colore in Cerca del Dramma Umano

Un protagonista chiave dell’Espressionismo Astratto e della pittura a campi di colore, Mark Rothko (1903 – 1970) è stato uno dei pittori più influenti del XX secolo le cui opere hanno parlato profondamente, e continuano a farlo, della condizione umana. Rinomato come maestro del colore, i dipinti di Rothko erano ben lontani dal semplice esplorare elementi pittorici puri. Nonostante numerose interpretazioni basate sulle qualità formali delle sue opere, l’artista intraprese un viaggio per catturare lo spettatore, indagare l’emozione e suscitare un’esperienza all’interno di una tela attraverso pigmenti ricchi, campi di colore e le relazioni che le tonalità instaurano, evocando un legame profondamente umano con l’opera d’arte che spesso sfugge alla ragione e ostacola la spiegazione.

Principalmente autodidatta e in un certo senso un emarginato, Mark Rothko era un uomo e un artista dalla mente complessa, contrario alle etichette, in particolare a quella di “colorista”, e un pittore in continua ricerca di rappresentare la precarietà del dramma umano. Nel corso della sua carriera, il pittore non adottò mai una mentalità di gruppo, creando un corpus unico di opere che seguiva una propria traiettoria, informata dalla tragedia della condizione umana. Dai suoi primi lavori figurativi e dai rivoluzionari multiformi fino alla iconica Cappella Rothko e alla serie Nero e Grigio, l’opera di Rothko è spesso interpretata attraverso una logica evolutiva, manifestando un percorso che rispecchia la sua vita.

Tracciando l’opera dell’artista, la mostra rivoluzionaria in corso Mark Rothko alla Fondation Louis Vuitton di Parigi riconsidera cronologicamente il ruolo del colore, dimostrando che la sua purga fu un inganno. Imbevute di toni prugna e bordeaux, le tele scure del pittore disincantano l’illusione, come mostrato anche da una serie di opere della fine degli anni Sessanta. “Non mi interessa il colore. È la luce che cerco,” osservò una volta Rothko, tessendo un filo comune tra tutti i suoi dipinti, rivelando la vera funzione delle tonalità.

Da Rotkovich a Rothko

Sinonimo di pittura a campi di colore e tra i pionieri dell’arte astratta, Mark Rothko nacque il 25 settembre 1903 in una famiglia di ebrei liberali come Marcus Yakovlevich Rotkovich, adottando il nome anglicizzato di fama mondiale molto più tardi. In giovane età, l’artista fu costretto a fuggire dalla sua città natale Dvinsk (l’odierna Daugavpils, Lettonia) ed emigrò con la famiglia dall’Impero Russo negli Stati Uniti nel 1913. Sebbene avesse frequentato una scuola religiosa nel suo paese d’origine prima di completare la Lincoln High School a Portland, Oregon, Rothko non fu mai particolarmente religioso, né la fede influenzò molto il suo lavoro.

All’inizio degli anni Venti, il pittore si iscrisse a Yale con una borsa di studio, che terminò dopo il primo anno, spingendolo a lasciare gli studi e trasferirsi a New York nel 1923, dove entrò nella Art Students League e iniziò a seguire corsi tenuti dall’artista cubista Max Weber. All’epoca, New York era uno dei rifugi sicuri per artisti europei e un fiorente centro creativo, che riuniva espressionisti tedeschi, modernisti francesi e surrealisti, il cui lavoro influenzò molto il giovane Rothko, particolarmente colpito da Paul Klee e Georges Rouault.

Negli anni Trenta, il pittore conobbe artisti come Adolph Gottlieb, Barnett Newman, e John Graham, avvicinandolo al pittore Milton Avery, che si rivelò fondamentale nella scelta di Rothko di intraprendere una carriera artistica. Sebbene inizialmente sotto l’influenza di Avery, Rothko cominciò lentamente a distanziarsi dallo stile altrui, cosa che divenne evidente alla sua prima mostra personale sulla Costa Est alla Contemporary Arts Gallery di New York nel 1933. Solo due anni dopo, il pittore fondò The Ten, un gruppo indipendente di artisti che includeva Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman e Nahum Tschacbasov, trasformandosi da Marcus Rotkovich in Mark Rothko.

Mark Rothko - Nero su Borgogna, 1958. Olio su tela. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londra. Donato dall’artista tramite American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Parigi, 2023

Indipendentemente dall’epoca o dagli elementi stilistici, Mark Rothko sembra aver gradualmente liberato un interesse nel rappresentare la tragedia dell’esistenza umana incarnata dal colore. La sua prima mostra personale a New York presentava principalmente ritratti e scene urbane, annunciando una logica pittorica guidata da campi e tonalità di colore. Il periodo di transizione dell’artista (1940-1950) si appoggiava ancora alla figurazione, ma in questo tempo Rothko iniziò a incorporare riferimenti mitologici ed elementi surrealisti, influenzato sia da artisti coevi sia dai pionieri della psicologia moderna, Sigmund Freud e Carl Jung. I dipinti di Rothko, come L’Omen dell’Aquila (1942), facevano parte dell’intento di creare un “mito contemporaneo,” fungendo da precursore per l’Espressionismo Astratto.

Liberato da qualsiasi elemento o riferimento figurativo, Rothko iniziò a dipingere i suoi famosi Multiformi nel 1946. La composizione delle opere astratte si riduceva interamente a campi rettangolari sovrapposti di colore, esplorando le sensazioni emotive, psicologiche e visive che la fusione di diverse tonalità e sfumature poteva indurre. “Un dipinto non è l’immagine di un’esperienza. È un’Esperienza,” riassunse Rothko, chiarendo l’importanza della scala e l’abbandono della cornice tanto quanto le tonalità, le sfumature e la vivacità del colore nella sua missione di costruire un’esperienza multisensoriale piuttosto che un semplice dipinto.

Mark Rothko - N. 14, 1960. Olio su tela. 290,83 cm x 268,29 cm. San Francisco Museum of Modern Art - Acquisto con il fondo Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Parigi, 2023

Un’Esperienza Immersiva e Intima

L’intento di Rothko di immergere lo spettatore nelle sue opere si realizzò in diverse commissioni e progetti, inclusi i famosi Murales Seagram (1956-1958), creati in armonia con l’architettura. Sebbene concepiti per il Seagram Building di Mies van Der Rohe, le nove tele trovarono casa alla Tate, costituendo la spettacolare Sala Rothko. Nei Murales Seagram, la tavolozza di Rothko si fece più scura; i campi di colore marrone, bordeaux, borgogna e rosso si fondevano l’uno nell’altro, e la sua composizione si spostò su lastre orizzontali e verticali che suggerivano forme architettoniche, porte e finestre che si confondevano con lo sfondo. Il primo incontro di Rothko con l’architettura fu una commissione per la Philips Collection a Washington D.C., seguita dai Murales di Harvard, e culminando con la Cappella Rothko a Houston, Texas. Prima del suo suicidio nel 1970, Mark Rothko stava lavorando alla serie Nero e Grigio, suggerendo un legame con il Minimalismo secondo alcune interpretazioni recenti.

Durante una fase critica della sua pratica pittorica, Rothko si dedicò alla scrittura di un libro per chiarire la sua visione della pittura. Pubblicato postumo nel 2004, La Realtà dell’Artista offre uno sguardo prezioso nella mente e nell’anima di uno degli artisti più importanti del XX secolo le cui opere continuano a incantare attraverso i loro misteri. Sebbene leggere Rothko fornisca la chiave per svelare i segreti dei suoi dipinti, non potrà mai sostituire il riflesso intimo, emotivo e inspiegabile che si prova quando ne incontriamo uno, se osiamo seguire l’invito di Rothko: “Per noi, l’arte è un’avventura in un mondo sconosciuto, che può essere esplorato solo da chi è disposto a correre dei rischi.”

Di Francis Berthomier

Immagine in evidenza: Rothko alla Fondation Louis Vuitton, © Ideelart