Mark Rothko: Il Maestro del Colore in Cerca del Dramma Umano

Un protagonista chiave dell'Espressionismo Astratto e della pittura a campi di colore, Mark Rothko (1903 – 1970) è stato uno dei pittori più influenti del XX secolo, le cui opere hanno parlato profondamente, e continuano a farlo, della condizione umana. Rinomato come un maestro del colore, i dipinti di Rothko erano tutt'altro che semplici esplorazioni di elementi pittorici puri. Nonostante le numerose interpretazioni basate sulle qualità formali del suo lavoro, l'artista intraprese un viaggio per catturare lo spettatore, indagare l'emozione e istigare un'esperienza all'interno di una tela attraverso pigmenti ricchi, campi di colore e le relazioni che le tonalità stabiliscono, evocando una connessione profondamente umana con l'opera d'arte che spesso sfugge alla ragione e ostacola la spiegazione.

Predominantemente un autodidatta e un emarginato in un certo senso, Mark Rothko era un uomo e un artista dalla mente complessa, opposto alle etichette, affrontando in particolare l'epiteto di "colorista" e un pittore in costante ricerca di rappresentare la precarietà del dramma umano. Durante la sua carriera, il pittore non adottò mai una mentalità di gruppo, creando un corpo unico di opere che seguiva la propria traiettoria, informata dalla tragedia della condizione umana. Dalle sue prime opere figurative e i rivoluzionari multiformi alla iconica Cappella Rothko e alla serie Nera e Grigia, il lavoro di Rothko è spesso interpretato attraverso una logica evolutiva, manifestando una traiettoria che rispecchia la sua vita.

Tracciando l'opera dell'artista, la continua e innovativa esposizione Mark Rothko alla Fondazione Louis Vuitton a Parigi riesamina cronologicamente il ruolo del colore, dimostrando che la sua purificazione era un inganno. Imbevute di tonalità prugna e bordeaux, le tele scure del pittore disincantano l'illusione, come dimostrato anche da una serie di opere della fine degli anni '60. “Non sono interessato al colore. È la luce che cerco,” osservò Rothko, tessendo un filo comune tra tutti i suoi dipinti, rivelando la vera funzione delle tonalità.

Da Rotkovich a Rothko

Sinonimo della pittura a campi di colore e tra i pionieri dell'arte astratta, Mark Rothko nacque il 25 settembre 1903, in una famiglia di ebrei liberali come Marcus Yakovlevich Rotkovich, adottando il nome anglicizzato di fama mondiale molto tempo dopo. In giovane età, l'artista fu costretto a fuggire dalla sua nativa Dvinsk (l'attuale Daugavpils, Lettonia) ed emigrò con la sua famiglia dall'Impero Russo agli Stati Uniti nel 1913. Sebbene avesse frequentato una scuola di impostazione religiosa nel suo paese d'origine prima di completare la Lincoln High School a Portland, Oregon, Rothko non fu mai particolarmente religioso, né la fede influenzò gran parte del suo lavoro.

Negli inizi degli anni '20, il pittore si iscrisse a Yale con una borsa di studio, che terminò dopo il primo anno, spingendolo a interrompere gli studi e trasferirsi a New York nel 1923, dove si unì all'Art Students League e iniziò a seguire corsi tenuti dall'artista cubista Max Weber. All'epoca, New York era uno dei rifugi sicuri per gli artisti europei e un fiorente centro creativo, che riuniva espressionisti tedeschi, modernisti francesi e surrealisti, il cui lavoro influenzò notevolmente il giovane Rothko, particolarmente colpito da Paul Klee e Georges Rouault.

Negli anni '30, il pittore incontrò artisti come Adolph Gottlieb, Barnett Newman, e John Graham, avvicinandosi al pittore Milton Avery, che si rivelò fondamentale nella scelta di Rothko di intraprendere una carriera artistica. Anche se inizialmente sotto l'influenza di Avery, Rothko cominciò lentamente a distaccarsi dallo stile degli altri, il che divenne evidente alla sua prima esposizione personale sulla Costa Est alla Contemporary Arts Gallery di New York nel 1933. Solo due anni dopo, il pittore formò The Ten, un gruppo indipendente di artisti che includeva Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman e Nahum Tschacbasov, trasformandosi da Marcus Rotkovich in Mark Rothko.

Mark Rothko - Nero su Marrone, 1958. Olio su tela. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londra. Presentato dall'artista attraverso la American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Parigi, 2023

Indipendentemente dall'epoca o dagli elementi stilistici, Mark Rothko sembra aver gradualmente liberato un interesse per la rappresentazione della tragedia dell'esistenza umana, epitomizzata dal colore. La sua prima mostra personale a New York presentava per lo più ritratti e scene urbane, annunciando una logica pittorica guidata da campi e tonalità di colore. Il periodo di transizione dell'artista (1940-1950) si basava ancora sulla figurazione, ma durante questo tempo, Rothko iniziò a incorporare riferimenti mitologici ed elementi surrealistici, influenzato sia da artisti contemporanei che dai pionieri della psicologia moderna, Sigmund Freud e Carl Jung. I dipinti di Rothko, come L'Omen dell'Aquila (1942), facevano parte dell'intento di creare un "mito contemporaneo", fungendo da precursore per l'Espressionismo Astratto.

Liberato da qualsiasi elemento o riferimento figurativo, Rothko iniziò a dipingere i suoi famosi Multiforms nel 1946. La composizione delle opere astratte fu interamente ridotta a campi rettangolari sovrapposti di colore, esplorando le sensazioni emotive, psicologiche e visive che il filtrare di diverse tonalità e sfumature poteva indurre. "Un dipinto non è un'immagine di un'esperienza. È un'Esperienza," riassunse Rothko, chiarendo l'importanza della scala e l'abbandono della cornice come critici quanto le tonalità, le sfumature e la vivacità del colore nella sua missione di costruire un'esperienza multi-sensoriale piuttosto che semplicemente un dipinto.

Mark Rothko - No. 14, 1960. Olio su tela. 290,83 cm x 268,29 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco - acquisto del Fondo Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Parigi, 2023

Un'esperienza immersiva e intima

L'intento di Rothko di immergere lo spettatore nelle sue opere si realizzò in diverse commissioni e progetti, tra cui i famosi Murali Seagram (1956-1958), creati in armonia con l'architettura. Sebbene concepiti per il Seagram Building di Mies van Der Rohe, i nove telai trovarono la loro casa al Tate, costituendo il spettacolare Rothko Room. Nei Murali Seagram, la tavolozza di Rothko si scurì; i campi di colore marrone, bordeaux, porpora e rosso si mescolarono l'uno nell'altro, e la sua composizione si spostò su lastre orizzontali e verticali che insinuavano forme architettoniche, porte e finestre che si fondevano con lo sfondo. La prima convergenza di Rothko con l'architettura fu una commissione per la Philips Collection a Washington D.C., seguita dai Murali di Harvard, e culminando con la Rothko Chapel a Houston, Texas. Prima del suo suicidio nel 1970, Mark Rothko stava lavorando alla serie Black and Grey, suggerendo un legame con il Minimalismo secondo alcune delle recenti interpretazioni.

Durante un periodo critico nella sua pratica pittorica, Rothko si dedicò alla scrittura di un libro per chiarire la sua visione pittorica. Pubblicato postumo nel 2004, La realtà dell'artista offre un prezioso sguardo nella mente e nell'anima di uno dei più importanti artisti del XX secolo le cui opere continuano a incantare attraverso i loro misteri. Sebbene leggere Rothko fornisca la chiave per svelare i segreti delle sue opere, non potrà mai sostituire il riflesso intimo, emotivo e inspiegabile che proviamo quando ci imbattiamo in una di esse, se osiamo seguire l'invito di Rothko: “Per noi, l'arte è un'avventura in un mondo sconosciuto, che può essere esplorato solo da coloro disposti a correre dei rischi.”

Immagine in evidenza: Rothko alla Fondazione Louis Vuitton, © Ideelart