L'arte oscura e astratta di Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb è stato una delle figure chiave dell'astrazione a metà del XX secolo. I suoi dipinti sono emotivi, scarni e primitivi, e molte persone li considerano oscuri. Ma Gottlieb si vedeva come l'opposto dell'oscurità. Si sentiva energico, complesso, appassionatamente moderno e qualcuno che stava illuminando la strada, guidando con la sua arte verso qualcosa di meglio per l'umanità. Nato a New York City all'inizio di uno dei periodi più turbolenti della storia umana, Gottlieb è sicuramente maturato in un'epoca oscura: un periodo di disagio sociale, politico ed economico, quando il futuro della società era in questione in un senso reale e concreto. È chiaro non solo dalla sua arte ma anche dai suoi scritti che le ansie e le ambiguità della Prima Guerra Mondiale, della Grande Depressione e della Seconda Guerra Mondiale hanno assolutamente contribuito allo sviluppo della sua visione estetica. Ma quella visione estetica non era solo una di tristezza o di sventura, come hanno suggerito molti critici. Era in realtà una attraverso la quale Gottlieb si sforzava semplicemente di comunicare la verità sul cuore e sulla mente umana, in modo speranzoso. Forse è inevitabile che tale verità, come Gottlieb la percepiva, debba includere un certo grado di follia e caos. Ma l'ampio corpus di opere che Gottlieb ha lasciato quando è morto nel 1974 includeva anche il bello, il sereno, il pacifico e il sublime. Queste complessità paradossali, che definivano la sua visione del mondo a volte controversa, hanno infine portato Adolph Gottlieb a ridefinire l'arte astratta, e hanno portato alla creazione di un'opera che solo ora inizia a essere riconosciuta per il suo vero splendore e luce.
Un artista nel cuore
Adolph Gottlieb nacque in una famiglia di immigrati della classe lavoratrice a New York nel 1904. Rispetto a molti degli altri ragazzi che crescevano nel Lower East Side in quel periodo, gli fu offerto un inizio straordinario nella vita, poiché i suoi genitori avevano costruito un'attività di cancelleria di successo e speravano di passarla a lui un giorno. Ma fin da giovane sapeva con certezza che tutto ciò che voleva essere era un artista. Era così certo di questo fatto che abbandonò la scuola all'età di 15 anni per dedicarsi completamente alla sua arte. Frequentò conferenze all'Art Students League, un'istituzione gestita da artisti dove molti artisti che alla fine divennero parte del movimento Espressionismo Astratto frequentarono corsi. E poi, a soli 17 anni, Gottlieb partì per l'Europa, guadagnando il suo passaggio lavorando a bordo di una nave diretta in Francia.
La sua giovane convinzione nelle proprie capacità ha dato i suoi frutti all'estero, poiché è rapidamente entrato in contatto con il mondo del Modernismo europeo. In contrasto con l'arte americana degli anni '20, l'arte europea dell'epoca era fantastica e inventiva. Fu esposto al Fauvismo, Cubismo, Suprematismo, Futurismo e Astrazione Geometrica. Frequentava musei e partecipava a qualsiasi corso d'arte gratuito potesse trovare. E quando il suo visto scadde, trascorse quasi un altro anno viaggiando per l'Europa. Lungo il cammino, si convinse che gli artisti europei fossero connessi a qualcosa di importante. In particolare, divenne affascinato dall'influenza crescente dell'arte tribale, una tendenza che lo ispirò a rifiutare il colloquialismo dell'arte figurativa americana in favore della ricerca di universalità all'interno di simboli antichi e tradizioni visive secolari.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, serigrafia a colori, 31 1/8 × 23 1/8 in, 79.1 × 58.7 cm (Sinistra) e Flying Lines, 1967, serigrafia a colori, 30 × 22 in, 76.2 × 55.9 cm, crediti fotografici Marlborough Gallery
L'Artista Filosofo
Quando Gottlieb tornò a New York nel 1922, riportò con sé un senso della propria responsabilità come artista. Si vedeva come una forza di modernizzazione per la sua cultura e abbracciò l'idea che gli artisti dovessero essere filosofi e agenti di cambiamento sociale. Completò la sua formazione artistica e, nei successivi anni, divenne amico di un gruppo di altri artisti/filosofi, come Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith e Milton Avery, alcuni dei quali sarebbero poi diventati i più famosi artisti americani della loro generazione. Gottlieb e i suoi compagni erano anomalie. Erano artisti astratti, o almeno artisti che creavano opere interpretate come astratte, ma erano anche desiderosi di parlare pubblicamente del significato del loro lavoro.
A quel tempo, gli artisti d'avanguardia, e in particolare gli artisti astratti, non erano compresi negli Stati Uniti e non erano sicuramente ampiamente rispettati, nemmeno a New York. Molti avevano difficoltà a difendere se stessi e il proprio valore, e soprattutto il valore degli ideali estetici modernisti. Ma Gottlieb era un sostenitore naturale e un comunicatore nato. Era politicamente e socialmente impegnato e si affrettava a parlare a favore di ciò che considerava importante. Nel 1935, Gottlieb e il suo amico Mark Rothko (allora conosciuto come Marcus Rothkowitz) hanno messo in pratica le loro convinzioni formando un gruppo chiamato The Ten. Esso includeva Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg e Yankel Kufeld. In aperta protesta contro le tendenze prevalenti nella scena curatoriale di New York, The Ten hanno esposto insieme le loro opere astratte, rifiutando ciò che chiamavano “l'equivalenza reputata della pittura americana e della pittura letterale.”
Adolph Gottlieb - Terreno Rosso, Olio su carta montata su tela
I pittogrammi
Uno dei primi progressi verso lo stile astratto maturo che Gottlieb sviluppò infine avvenne all'inizio degli anni '40, sotto forma dei suoi dipinti Pictograph. Queste opere erano essenzialmente tentativi di creare un nuovo linguaggio simbolico di immagini che potesse comunicare emozioni e sentimenti universali. Gottlieb concepì i suoi dipinti Pictograph in modo tale che la loro superficie fosse appiattita, eliminando la profondità e qualsiasi senso di illusione che potesse essere associato ai loro elementi figurativi. Democratizzò anche tutte le aree della tela in un riferimento profetico a ciò che sarebbe stato presto chiamato "pittura totale". I suoi Pictographs impiegavano una rudezza che ricordava i segni infantili e evocavano le tendenze estetiche delle società tribali.
In un certo senso, Gottlieb stava cercando di creare un nuovo alfabeto di immagini nella tradizione dei geroglifici o dei kanji cinesi. Ma invece di tentare di comunicare narrazioni specifiche, cercava di ridurre le sue affermazioni all'essenziale. Piuttosto che esplicitare i miti a cui si riferiva, cercava di comunicare i sentimenti umani collettivi che abitano il loro nucleo. Per raggiungere questo obiettivo, creò con cura immagini totalmente originali e libere da associazioni esterne, sperando che la loro natura universale potesse trascendere le meschine differenze culturali che tenevano le persone separate.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Olio su tavola per artisti, 29 1/4 × 23 1/4 in, 74.3 × 59.1 cm, crediti fotografici Hollis Taggart Galleries, New York (Sinistra) e Senza titolo, 1949, Pastello su carta, 24 × 18 in, 61 × 45.7 cm, crediti fotografici Berggruen Gallery, San Francisco (Destra)
Paesaggi Immaginari
Mentre Gottlieb sviluppava i suoi Pictographs, si impegnava in un processo di semplificazione. Attraverso quel processo arrivò a una serie di opere che chiamò Imaginary Landscapes. A differenza dei Pictographs, che non ponevano alcuna chiara enfasi su una parte dell'immagine, Gottlieb separò il piano dell'immagine in queste pitture in due aree distinte attraverso l'introduzione di una linea dell'orizzonte. Sotto la linea, Gottlieb aggiunse scarabocchi pictografici. Sopra la linea, aggiunse forme geometriche colorate. Gli Imaginary Landscapes suggerivano una relazione gerarchica tra i due tipi di immagini. Rappresentata come sottomessa è un'espressione scarabocchiata, emotiva e complicata dell'angoscia umana. Aleggiante sopra c'è un'espressione semplice e diretta della purezza universale.
Il Paesaggio Immaginario divenne poi ulteriormente semplificato in quelle che Gottlieb chiamava opere Esplosione. In queste opere eliminò la linea dell'orizzonte, ma mantenne il graffito in basso e la forma unificata in alto. Le Esplosioni utilizzavano ampi campi di colore e unificavano l'elemento del colore con quello della forma. Invitavano alla contemplazione a un livello quasi sacro e sembravano comunicare il concetto di una relazione simbiotica tra una coscienza superiore e una inferiore.
Adolph Gottlieb - Paesaggio Immaginario, 1971, Acquaforte a colori, su carta Fabriano, con margini completi, 26 3/10 × 32 1/2 in, 66.7 × 82.6 cm
L'eredità di Adolph Gottlieb
Nel 1970, Gottlieb ebbe un ictus e perse l'uso del lato sinistro del suo corpo. Continuò a lavorare comunque, creando alcune delle espressioni più profonde ed estreme della sua serie Burst solo un anno prima di morire. Quando la sua vita finì, era conosciuto non solo per l'unico corpo di lavoro che aveva creato, ma anche per la sua influenza sul lavoro degli altri. Le sue filosofie erano fondamentali per le idee degli Espressionisti Astratti. E la sua visione estetica è considerata influente nell'ascesa della Pittura a Campo di Colore e del Minimalismo.
Ma altrettanto importante per l'eredità estetica dei dipinti, delle sculture e delle stampe che Adolph Gottlieb ha creato nel corso dei suoi 70 anni è il contributo che ha dato alla più ampia comunità artistica a cui apparteneva—quella che trascende i progressi formali, le generazioni e i movimenti. Gottlieb aveva una visione dell'artista come qualcuno non separato dal resto della società, ma intricatamente connesso ad essa. Credeva nel potenziale dell'arte di trasformare la civiltà e che fosse importante discutere le idee estetiche apertamente e in linguaggio semplice affinché potessero essere comprese da tutti. Percepiva che gli artisti sono essenziali per la capacità di una cultura di comprendere se stessa, e attraverso il suo lavoro ha dimostrato la responsabilità che tutti gli artisti hanno di esprimere la follia, il caos, il genio, la bellezza, l'oscurità e la luce del loro tempo.
Immagine in evidenza: Adolph Gottlieb -
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park
