L'arte oscura e astratta di Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb è stato una delle figure chiave dell’astrazione della metà del XX secolo. I suoi dipinti sono emotivi, essenziali e primitivi, e molte persone li considerano cupi. Ma Gottlieb si vedeva come l’opposto del buio. Sentiva di essere energico, complesso, appassionatamente moderno, e qualcuno che stava illuminando la via, guidando con la sua arte verso qualcosa di migliore per l’umanità. Nato a New York all’inizio di uno dei periodi più turbolenti della storia umana, Gottlieb è sicuramente maturato in un’epoca oscura: un tempo di difficoltà sociali, politiche ed economiche, quando il futuro della società era messo in discussione in modo reale e concreto. È chiaro non solo dalla sua arte ma anche dai suoi scritti che le ansie e le ambiguità della Prima Guerra Mondiale, della Grande Depressione e della Seconda Guerra Mondiale hanno assolutamente contribuito allo sviluppo della sua visione estetica. Ma quella visione estetica non era solo di tristezza o fatalismo, come molti critici hanno suggerito. Era infatti una visione attraverso la quale Gottlieb cercava semplicemente di comunicare la verità sul cuore e sulla mente umana, in modo speranzoso. Forse è inevitabile che una tale verità, come la percepiva Gottlieb, debba includere un certo grado di follia e caos. Ma l’ampio corpus di opere che Gottlieb ha lasciato quando è morto nel 1974 includeva anche il bello, il sereno, il pacifico e il sublime. Quelle complessità paradossali, che definivano la sua visione del mondo a volte controversa, portarono infine Adolph Gottlieb a ridefinire l’arte astratta, e produssero un’opera che solo ora comincia a essere riconosciuta per il suo vero splendore e luce.
Un artista nel cuore
Adolph Gottlieb nacque in una famiglia di immigrati della classe operaia a New York nel 1904. Rispetto a molti altri ragazzi cresciuti nel Lower East Side all’epoca, ebbe un inizio di vita straordinario, poiché i suoi genitori costruirono un’attività di cartoleria di successo e speravano di lasciargliela un giorno. Ma fin da giovane sapeva con certezza che tutto ciò che voleva essere era un artista. Ne era così sicuro che abbandonò la scuola a 15 anni per dedicarsi completamente alla sua arte. Frequentò le lezioni alla Art Students League, un’istituzione gestita da artisti dove molti artisti che poi sarebbero diventati parte del movimento Espressionista Astratto seguivano corsi. E poi, a soli 17 anni, Gottlieb partì per l’Europa, guadagnandosi il viaggio lavorando a bordo di una nave diretta in Francia.
La sua fiducia giovanile nelle proprie capacità pagò all’estero, poiché si avvicinò rapidamente al mondo del Modernismo europeo. In contrasto con l’arte americana degli anni ’20, l’arte europea dell’epoca era straordinariamente inventiva. Fu esposto al Fauvismo, al Cubismo, al Suprematismo, al Futurismo e all’Astrazione Geometrica. Frequentava musei e partecipava a tutte le lezioni d’arte gratuite che riusciva a trovare. E quando il suo visto scadde, trascorse quasi un altro anno viaggiando per l’Europa. Lungo il percorso, si convinse che gli artisti europei fossero connessi a qualcosa di importante. In particolare, si appassionò all’influenza crescente dell’arte tribale, una tendenza che lo ispirò a rifiutare il linguaggio colloquiale dell’arte figurativa americana in favore della ricerca di universalità all’interno di simboli antichi e tradizioni visive secolari.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Serigrafia a colori, 79,1 × 58,7 cm (sinistra) e Flying Lines, 1967, Serigrafia a colori, 76,2 × 55,9 cm, foto per gentile concessione Marlborough Gallery
L’artista filosofo
Quando Gottlieb tornò a New York nel 1922, portò con sé un senso di responsabilità personale come artista. Si vedeva come una forza modernizzatrice per la sua cultura e abbracciò l’idea che gli artisti dovessero essere filosofi e agenti di cambiamento sociale. Completò la sua formazione artistica e negli anni successivi divenne amico di un gruppo di altri artisti/filosofi, come Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith e Milton Avery, alcuni dei quali sarebbero diventati i più famosi artisti americani della loro generazione. Gottlieb e i suoi compagni erano anomalie. Erano artisti astratti, o almeno artisti che realizzavano opere interpretate come astratte, ma erano anche desiderosi di parlare pubblicamente del significato del loro lavoro.
All’epoca gli artisti d’avanguardia, e in particolare gli artisti astratti, non erano compresi negli Stati Uniti, e di certo non erano ampiamente rispettati—nemmeno a New York. Molti avevano difficoltà a sostenere se stessi e il proprio valore, e soprattutto il valore degli ideali estetici modernisti. Ma Gottlieb era un sostenitore naturale e un comunicatore nato. Era impegnato politicamente e socialmente, e parlava rapidamente a favore di ciò che riteneva importante. Nel 1935, Gottlieb e il suo amico Mark Rothko (allora noto come Marcus Rothkowitz) misero in pratica le loro convinzioni formando un gruppo chiamato The Ten. Includeva Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg e Yankel Kufeld. In aperta protesta contro le tendenze prevalenti nella scena curatoriale di New York, The Ten esposero insieme le loro opere astratte, rifiutando quella che chiamavano “la presunta equivalenza tra pittura americana e pittura letterale.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, Olio su carta montata su tela
I Pittogrammi
Uno dei primi progressi verso lo stile astratto maturo che Gottlieb sviluppò infine arrivò nei primi anni ’40, sotto forma dei suoi dipinti Pittogrammi. Queste opere erano essenzialmente tentativi di creare un nuovo linguaggio simbolico di immagini in grado di comunicare emozioni e sentimenti universali. Gottlieb concepì i suoi dipinti Pittogrammi in modo che la loro superficie fosse appiattita, eliminando la profondità e qualsiasi senso di illusione che potesse essere associato ai loro elementi figurativi. Democratizzò anche tutte le aree della tela in un riferimento lungimirante a quella che sarebbe stata presto chiamata pittura “all-over”. I suoi Pittogrammi impiegavano una crudezza che ricordava i segni infantili e evocavano le tendenze estetiche delle società tribali.
In un certo senso, Gottlieb cercava di creare un nuovo alfabeto di immagini nella tradizione degli ieroglifici o dei kanji cinesi. Ma invece di tentare di comunicare narrazioni specifiche, cercava di distillare le sue affermazioni fino all’essenziale. Piuttosto che spiegare i miti a cui faceva riferimento, tentava di comunicare i sentimenti umani collettivi che ne costituiscono il nucleo. Per raggiungere questo obiettivo creava con cura immagini totalmente originali e libere da associazioni esterne, sperando che la loro natura universale trascendesse le piccole differenze culturali che separano le persone.
Adolph Gottlieb - Pittogramma, 1942, Olio su tavola per artisti, 74,3 × 59,1 cm, foto per gentile concessione Hollis Taggart Galleries, New York (sinistra) e Senza titolo, 1949, Pastello su carta, 61 × 45,7 cm, foto per gentile concessione Berggruen Gallery, San Francisco (destra)
Paesaggi immaginari
Mentre Gottlieb sviluppava i suoi Pittogrammi, intraprese un processo di semplificazione. Attraverso questo processo arrivò a una serie di opere che chiamò Paesaggi immaginari. A differenza dei Pittogrammi, che non ponevano un chiaro accento su nessuna parte dell’immagine, Gottlieb separò il piano dell’immagine in questi dipinti in due aree distinte attraverso l’introduzione di una linea d’orizzonte. Sotto la linea, Gottlieb aggiunse scarabocchi pittografici. Sopra la linea, aggiunse forme geometriche colorate. I Paesaggi immaginari suggerivano una relazione gerarchica tra i due tipi di immagini. Rappresentata come subordinata è un’espressione scarabocchiata, emotiva e complicata dell’angoscia umana. Sopra, fluttuante, c’è un’espressione semplice e diretta di purezza universale.
Il Paesaggio immaginario divenne poi ulteriormente semplificato in ciò che Gottlieb chiamò dipinti Esplosione. In queste opere eliminò la linea d’orizzonte, ma mantenne lo scarabocchio in basso e la forma unificata in alto. Le Esplosioni utilizzavano grandi campi di colore e unificavano l’elemento del colore con quello della forma. Invitarono alla contemplazione a un livello quasi sacro e sembravano comunicare il concetto di una relazione simbiotica tra una coscienza superiore e una inferiore.
Adolph Gottlieb - Paesaggio immaginario, 1971, Acquatinta a colori, su carta Fabriano, con margini completi, 66,7 × 82,6 cm
L’eredità di Adolph Gottlieb
Nel 1970, Gottlieb ebbe un ictus e perse l’uso del lato sinistro del corpo. Continuò comunque a creare opere, realizzando alcune delle espressioni più profonde ed estreme della sua serie Esplosione solo un anno prima di morire. Quando la sua vita terminò, era noto non solo per l’unicità del corpus di opere che aveva creato, ma anche per la sua influenza sul lavoro degli altri. Le sue filosofie erano parte integrante delle idee degli Espressionisti Astratti. E la sua visione estetica è considerata influente nell’ascesa della Pittura a Campi di Colore e del Minimalismo.
Ma altrettanto importante per l’eredità estetica dei dipinti, delle sculture e delle stampe che Adolph Gottlieb creò nel corso dei suoi 70 anni è il contributo che diede alla più ampia comunità artistica a cui apparteneva—quella che trascende i progressi formali, le generazioni e i movimenti. Gottlieb aveva una visione dell’artista come qualcuno non separato dal resto della società, ma strettamente connesso ad essa. Credeva nel potenziale dell’arte di trasformare la civiltà, e che fosse importante discutere le idee estetiche apertamente e in modo semplice affinché potessero essere comprese da tutti. Percepiva che gli artisti sono essenziali per la capacità di una cultura di comprendere se stessa, e attraverso il suo lavoro dimostrò la responsabilità che tutti gli artisti hanno di esprimere la follia, il caos, il genio, la bellezza, l’oscurità e la luce del loro tempo.
Immagine in evidenza: Adolph Gottlieb -
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
