Chiarezza di Tono e Forma nei Dipinti di Barnett Newman

I celebri dipinti a zip di Barnett Newman, caratterizzati da sottili bande verticali luminose circondate da campi di colore immersivi, sono considerati alcune delle opere più emotive e potenti del XX secolo. Ma Newman non fu apprezzato ai suoi tempi. Arrivò al suo stile maturo solo nei suoi quarant'anni e quando espose per la prima volta i suoi dipinti a zip, critici e collezionisti li disprezzarono universalmente. Tuttavia, Newman rimase concentrato su ciò che voleva comunicare con la sua arte. Il suo lungo e difficile cammino verso il successo gli conferì una prospettiva unica e un'opportunità per dedurre per sé il significato e lo scopo della vita e dell'arte. Quando la storia raggiunse Newman, la sua prospettiva unica aveva dato vita a un'opera artistica che comunica con perfetta chiarezza il universale, l'individuale e il sublime.

Barnett Newman lo Scrittore

Barnett Newman nacque con una passione per comunicare, sia attraverso le parole che le immagini. Da bambino, crescendo nel Bronx, una volta vinse un concorso di eloquenza a scuola. Quando era un ragazzo dell'ultimo anno di liceo, frequentava corsi quasi ogni giorno della settimana all'Art Students League. Al college mise a frutto le sue passioni, studiando arte, specializzandosi in filosofia e contribuendo con articoli alle pubblicazioni scolastiche. Ma nonostante il suo immenso talento e la sua determinazione, dopo il college Newman si trovò a mancare di una direzione chiara su come mettere a frutto le sue passioni in una carriera.

Dopo essersi laureato in filosofia nel 1927, Newman iniziò a lavorare nell'azienda di famiglia, cercando di risparmiare denaro prima di andare a vivere la vita di un artista. Ma quando il mercato azionario crollò due anni dopo, quasi tutte le prospettive per lui e la sua famiglia furono distrutte. Di fronte a dure realtà, Newman si mise seriamente a sopravvivere in qualsiasi modo potesse. Provò a fare supplenze e scrisse per diverse pubblicazioni su argomenti come politica e storia dell'arte. Mentre lottava e cercava, continuò a dipingere e fece connessioni con altre anime affini che stavano anche loro cercando di trovare la propria strada. Queste connessioni includevano sua moglie Annalee, i pittori Mark Rothko e Adolph Gottlieb, e la gallerista Betty Parsons.

Barnett Newman - Blu di Mezzanotte, 1970. 239 x 193 cm. Museo Ludwig, Colonia, Germania. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman il Filosofo

Nel corso degli anni '30 e all'inizio degli anni '40, Newman era incessantemente insoddisfatto dei suoi sforzi come pittore. Aveva il cuore di un poeta e di un filosofo e cercava un modo per comunicare la sua natura interiore attraverso la sua arte. Trovò conforto scrivendo di arte, mentre scriveva saggi per cataloghi di mostre per vari altri artisti, grazie alla sua associazione con Betty Parsons. Quegli scritti, insieme alle sue esperienze di vita variegate e alle sue lotte personali, lo portarono gradualmente a sviluppare una profonda teoria sulla natura dell'umanità e sullo scopo dell'arte.

Ha spiegato quella filosofia in due saggi che scrisse nel 1947 e nel 1948, rispettivamente. Il primo saggio si intitolava Il Primo Uomo Era un Artista. In esso, Newman sosteneva che l'istinto poetico, o artistico, ha sempre preceduto l'istinto utilitaristico negli esseri umani, sin dall'inizio dei tempi. Sosteneva che le sculture di fango degli dei avevano preceduto la ceramica, e che i grugniti e le urla poetiche espressive delle emozioni più primordiali avevano preceduto le cosiddette espressioni civilizzate. “La ceramica è il prodotto della civiltà,” scrisse Newman. “Atto artistico è il diritto di nascita personale dell'uomo.”

Barnett Newman - Dionisio, 1949. Olio su tela. Dimensioni complessive: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 in.). Dono di Annalee Newman, in onore del 50° anniversario della National Gallery of Art. 1988.57.2. Collezione della National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York.

Barnett Newman il Pittore

Il secondo saggio importante che Newman scrisse si intitolava The Sublime Is Now. In questo pezzo egli rimproverò tutti gli artisti del passato per aver semplicemente inseguito la bellezza. Anche gli artisti modernisti, sostenne, stavano solo reinterpretando ciò che era bello, creando un “trasferimento di valori invece di creare una nuova visione.” Affermò che lui e i suoi contemporanei stavano cercando qualcosa di completamente nuovo, “negando completamente che l'arte abbia qualche preoccupazione con il problema della bellezza e dove trovarla.” Sostenne che il lavoro che lui e loro stavano facendo non aveva alcuna connessione con nulla di storico, nostalgico o mitico, ma era “evidente di per sé” e fatto “dai nostri stessi sentimenti.”

Il risultato di tutta questa filosofia si manifestò artisticamente per Newman nel 1948, quando creò il suo iconico capolavoro Onement, il primo dei suoi zip paintings. Il titolo dell'opera è un gioco di parole. Si riferisce alla parola espiazione, che potrebbe significare riparare qualcosa ma è anche un riferimento cristiano alla fusione dell'umanità e della divinità rappresentata dalla figura di Cristo. Ma omettendo le prime due lettere della parola, Newman stava anche facendo riferimento alla totalità dell'individuo, l'uno, e alla sua idea predominante che l'interezza di ogni sublime comprensione può essere contenuta all'interno di una sola persona, o per quel che vale, di un solo dipinto.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olio su tela e olio su nastro adesivo su tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dono di Annalee Newman. 390.1992. Collezione MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Un'Espressione Singolare di Scopo

Dopo aver dipinto Onement, Barnett Newman distrusse tutte le sue opere precedenti. Aveva raggiunto la voce estetica che stava cercando e, da quel momento in poi, continuò a distruggere qualsiasi opera che non si adattasse alla sua visione specifica. Ironia della sorte, non era l'unica persona che sentiva il bisogno di distruggere il proprio lavoro. Apprese quella sfortunata lezione nel 1950, quando iniziò a essere rappresentato dalla sua amica Betty Parsons. Nel corso dei due anni successivi tenne due mostre personali nella sua galleria. In entrambe le mostre i suoi dipinti furono strappati e, nelle recensioni, i critici derisero universalmente il lavoro.

Scosso dall'odio che aveva sperimentato, Newman ritirò il suo lavoro da Betty Parsons e smise completamente di esporre le sue opere per i successivi quattro anni. Comprò persino indietro uno dei suoi dipinti che era stato venduto, scrivendo al collezionista: “Le condizioni non esistono ancora . . . che possano rendere possibile un atteggiamento diretto e innocente verso un pezzo isolato del mio lavoro.” Ma continuò a dipingere i suoi dipinti a zip, credendo intrinsecamente che comunicassero la purezza e la grandezza del sublime, spirito individuale. Quando finalmente decise di esporre di nuovo il suo lavoro, tuttavia, fu ancora deriso, con un critico di una mostra del 1957 del dipinto Vir Heroicus Sublimis che arrivò addirittura a maledire l'opera e a richiamare l'attenzione solo sulla sua dimensione e sul fatto che è rossa.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olio su tela. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Dono di Mr. e Mrs. Ben Heller. 240.1969. Collezione MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

La prossima generazione

Nonostante la comprensione errata del pubblico riguardo ai suoi sforzi, Newman persistette, solidificando la sua espressione semplificandola. Le sue opere più riuscite consistevano solo di due elementi: tono e forma. I zips stessi non erano tanto forme quanto piuttosto sagome. Ma i dipinti erano forme nella loro totalità. I zips erano in realtà solo espressioni di qualità tonali, un cambiamento di colore che li differenziava dai loro campi di colore circostanti. E lui esprimeva anche il tono in un senso musicale, come in un'espressione chiara, precisa e allungata di una voce. Attraverso la sua chiara espressione di tono e forma, Newman definì la sua ferma convinzione nel valore dell'emancipazione, dell'idiosincrasia e dell'essenza universale dell'individuo.

Nonostante la sua sincerità e passione, durante gli anni '50 solo un critico sostenne Barnett Newman, e quel critico fu Clement Greenberg. Anche se il suo supporto fece poco per convincere l'establishment artistico del valore dell'opera, rifletteva la crescente comprensione che la giovane generazione aveva di ciò che Barnett Newman rappresentava. Per i giovani pittori, invece di legarli al passato, Newman li aveva liberati per abbracciare la loro unica individualità. Aveva dimostrato che gli spettatori potevano avvicinarsi a ciascuna delle sue opere e incontrarle nello stesso modo in cui avrebbero incontrato un altro essere umano: solo un'entità essenziale che incontra un'altra. Dimostrò che i dipinti non dovevano necessariamente relazionarsi tra loro e non dovevano necessariamente relazionarsi con la storia. Mostrò che ogni opera d'arte era un universo a sé.

Barnett Newman - Il Terzo, 1964. Olio su tela. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Un'influenza ritardata ma duratura

Anche se ci è voluto fino a quando Newman aveva sessant'anni prima che una nuova generazione potesse connettersi con le sue idee, alla fine guadagnò il rispetto e il riconoscimento che meritava. Oggi l'influenza di Barnett Newman può essere vista in un numero qualsiasi di artisti astratti contemporanei che hanno creato visioni estetiche idiosincratiche basate su tono e forma. Ad esempio, considera Tom McGlynn, che ha creato una visione sublime e idiosincratica basata su tono e forma; oppure il lavoro di Richard Caldicott, che esplora la ripetizione seriale e le strutture nella creazione di spazi estetici unici e singolari.

Nonostante l'iniziale malinteso riguardo al suo lavoro, Barnett Newman è ora regolarmente incluso tra i migliori espressionisti astratti, artisti del Color Field e persino minimalisti. Ma si considerava non affiliato a nessuno di quei gruppi. Si considerava più come un movimento tutto suo. Tuttavia, sebbene non fosse simile agli espressionisti astratti nello stile, era un portabandiera del valore dell'espressione personale. Sebbene non fosse un artista del Color Field, ha dimostrato la capacità delle qualità tonali da sole di creare forme estetiche meditative e contemplative. E sebbene non fosse un minimalista, ha espresso in modo profetico il valore di semplificare e ridurre il linguaggio visivo.

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Olio su tela. 114 x 84 in. (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Immagine in evidenza: Barnett Newman - Onement I (dettaglio), 1948. Olio su tela e olio su nastro adesivo su tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dono di Annalee Newman. 390.1992. Collezione MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park