Chiarezza di Tono e Forma nei Dipinti di Barnett Newman

I celebri dipinti a zip di Barnett Newman, caratterizzati da sottili e luminose bande verticali circondate da campi di colore avvolgenti, sono considerati alcune delle opere più emotive e potenti del XX secolo. Tuttavia, Newman non fu apprezzato ai suoi tempi. Aveva superato i quarant'anni prima di arrivare al suo stile maturo, e quando espose per la prima volta i suoi dipinti a zip, critici e collezionisti li disprezzarono universalmente. Nonostante ciò, Newman rimase concentrato su ciò che voleva comunicare con la sua arte. Il suo lungo e difficile cammino verso il successo gli concesse una prospettiva unica e l'opportunità di riflettere personalmente sul significato e lo scopo della vita e dell'arte. Quando la storia raggiunse Newman, la sua prospettiva unica aveva prodotto un'opera artistica che comunica con perfetta chiarezza l'universale, l'individuale e il sublime.

Barnett Newman lo Scrittore

Barnett Newman nacque con la passione di comunicare, sia attraverso le parole che le immagini. Da bambino, crescendo nel Bronx, vinse una volta un concorso di oratoria a scuola. Quando era all'ultimo anno di liceo frequentava quasi ogni giorno corsi alla Art Students League. All'università mise a frutto le sue passioni, studiando arte, laureandosi in filosofia e contribuendo con articoli alle pubblicazioni scolastiche. Ma nonostante il suo immenso talento e la sua determinazione, dopo l'università Newman si trovò senza una direzione chiara su come mettere a frutto le sue passioni in una carriera.

Dopo la laurea in filosofia nel 1927, Newman iniziò a lavorare nell'azienda di famiglia, cercando di risparmiare prima di vivere la vita dell'artista. Ma quando la borsa crollò due anni dopo, quasi tutte le prospettive per lui e la sua famiglia svanirono. Di fronte a dure realtà, Newman si impegnò seriamente a sopravvivere in ogni modo possibile. Provò a fare l'insegnante supplente e scrisse per diverse pubblicazioni su temi come politica e storia dell'arte. Mentre lottava e cercava, continuò a dipingere e strinse legami con altre anime affini che cercavano anch'esse la propria strada. Tra queste connessioni vi erano sua moglie Annalee, i pittori Mark Rothko e Adolph Gottlieb, e la gallerista Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Colonia, Germania. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman il Filosofo

Durante gli anni Trenta e i primi anni Quaranta, Newman era costantemente insoddisfatto dei propri sforzi come pittore. Aveva il cuore di un poeta e filosofo e cercava un modo per comunicare la sua natura interiore attraverso l'arte. Trovò conforto scrivendo sull'arte, redigendo saggi per cataloghi di mostre di vari altri artisti, grazie alla sua associazione con Betty Parsons. Quei scritti, insieme alle sue esperienze di vita variegate e alle lotte personali, lo portarono gradualmente a sviluppare una profonda teoria sulla natura dell'umanità e sullo scopo dell'arte.

Espresse quella filosofia in due saggi scritti rispettivamente nel 1947 e nel 1948. Il primo saggio si intitolava The First Man Was an Artist. In esso, Newman sosteneva che l'istinto poetico o artistico ha sempre preceduto l'istinto utilitaristico negli esseri umani, fin dall'inizio dei tempi. Affermava che le sculture di fango di divinità avevano preceduto la ceramica, e che i grugniti e le urla poetiche espressive delle emozioni più primordiali avevano preceduto le cosiddette espressioni civilizzate. “La ceramica è il prodotto della civiltà,” scrisse Newman. “L'atto artistico è il diritto personale dell'uomo.”

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Olio su tela. Dimensioni complessive: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 in.). Dono di Annalee Newman, in onore del 50° anniversario della National Gallery of Art. 1988.57.2. Collezione National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman il Pittore

Il secondo importante saggio scritto da Newman si intitolava The Sublime Is Now. In questo testo rimproverava tutti gli artisti del passato per aver inseguito semplicemente la bellezza. Sosteneva che anche gli artisti modernisti reinterpretavano solo ciò che era bello, creando un “trasferimento di valori invece di creare una nuova visione.” Affermava che lui e i suoi contemporanei cercavano qualcosa di completamente nuovo, “negando completamente che l'arte abbia a che fare con il problema della bellezza e dove trovarla.” Sosteneva che le opere che lui e loro realizzavano non avevano alcun legame con nulla di storico, nostalgico o mitico, ma erano “evidenti di per sé” e create “con i nostri stessi sentimenti.”

Il risultato di tutta questa riflessione filosofica si manifestò artisticamente per Newman nel 1948, quando creò il suo capolavoro iconico Onement, il primo dei suoi zip paintings. Il titolo dell'opera è un gioco di parole. Si riferisce alla parola atonement, che può significare riparare qualcosa ma è anche un riferimento cristiano alla fusione di umanità e divinità rappresentata dalla figura di Cristo. Ma togliendo le prime due lettere della parola, Newman faceva anche riferimento alla totalità dell'individuo, l'uno, e alla sua idea generale che l'interezza di ogni comprensione sublime possa essere contenuta in una sola persona, o per estensione, in un solo dipinto.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olio su tela e olio su nastro adesivo su tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dono di Annalee Newman. 390.1992. Collezione MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Un'Espressione Singolare di Scopo

Dopo aver dipinto Onement, Barnett Newman distrusse tutte le sue opere precedenti. Aveva raggiunto la voce estetica che cercava, e da quel momento in poi continuò a distruggere ogni opera che non si adattava alla sua visione specifica. Ironia della sorte, non fu l'unico a sentire il bisogno di distruggere le proprie opere. Imparò quella dura lezione nel 1950, quando iniziò a essere rappresentato dalla sua amica Betty Parsons. Nel corso dei due anni successivi tenne due mostre personali nella sua galleria. In entrambe le esposizioni i suoi dipinti furono tagliati, e nelle recensioni i critici li deridevano universalmente.

Scosso dall'odio ricevuto, Newman ritirò le sue opere da Betty Parsons e smise completamente di esporre per i successivi quattro anni. Comprò persino indietro uno dei suoi dipinti venduti, scrivendo al collezionista: “Le condizioni non esistono ancora... che possano rendere possibile un atteggiamento diretto e innocente verso un'opera isolata del mio lavoro.” Ma continuò a dipingere i suoi dipinti a zip, credendo intrinsecamente che comunicassero la purezza e la grandezza dello spirito sublime e individuale. Quando infine decise di esporre di nuovo, tuttavia, fu ancora deriso, con un critico di una mostra del 1957 del dipinto Vir Heroicus Sublimis che arrivò a maledire l'opera e a sottolineare solo la sua dimensione e il fatto che fosse rossa.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olio su tela. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Dono di Mr. e Mrs. Ben Heller. 240.1969. Collezione MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

La Generazione Successiva

Nonostante l'incomprensione pubblica dei suoi sforzi, Newman perseverò, consolidando la sua espressione semplificandola. Le sue opere di maggior successo consistevano solo di due elementi: tono e forma. Le zip stesse non erano tanto forme quanto sagome. Ma i dipinti erano forme nella loro totalità. Le zip erano davvero solo espressioni di qualità tonali, uno spostamento di colore che le differenziava dai loro campi di colore circostanti color field. Espresse anche il tono in senso musicale, come un'espressione chiara, precisa e allungata di una voce. Attraverso la sua chiara espressione di tono e forma, Newman definì la sua ferma convinzione nel valore dell'empowerment, dell'idiosincrasia e dell'essenza universale dell'individuo.

Nonostante la sua sincerità e passione, negli anni Cinquanta solo un critico sostenne Barnett Newman, ed era Clement Greenberg. Sebbene il suo sostegno fece poco per convincere l'establishment artistico del valore dell'opera, rifletteva la crescente comprensione che la generazione più giovane aveva di ciò che Barnett Newman rappresentava. Per i giovani pittori, invece di legarli al passato, Newman li aveva liberati ad abbracciare la loro unicità. Aveva dimostrato che gli spettatori potevano avvicinarsi a qualsiasi suo dipinto e incontrarlo esattamente come incontrerebbero un altro essere umano: una sola entità essenziale che incontra un'altra. Dimostrò che i dipinti non avevano bisogno di relazionarsi tra loro, né con la storia. Mostrò che ogni opera d'arte era un universo a sé stante.

 

Barnett Newman - The Third, 1964. Olio su tela. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Un'Influenza Ritardata ma Duratura

Anche se ci volle che Newman avesse superato i sessant'anni prima che una nuova generazione potesse connettersi con le sue idee, alla fine ottenne il rispetto e il riconoscimento che meritava. Oggi l'influenza di Barnett Newman si può vedere in numerosi artisti astratti contemporanei che hanno creato visioni estetiche idiosincratiche basate su tono e forma. Per esempio, si consideri Tom McGlynn, che ha creato una visione sublime e idiosincratica basata su tono e forma; o il lavoro di Richard Caldicott, che esplora la ripetizione seriale e le strutture nella creazione di spazi estetici unici e singolari.

Nonostante l'iniziale incomprensione verso la sua opera, Barnett Newman è ora regolarmente incluso tra i migliori Espressionisti Astratti, artisti del Color Field e persino Minimalisti. Ma lui si considerava non affiliato a nessuno di questi gruppi. Si considerava più come un movimento a sé stante. Tuttavia, anche se non era simile agli Espressionisti Astratti nello stile, fu un portabandiera del valore dell'espressione personale. Anche se non era un artista del Color Field, dimostrò la capacità delle qualità tonali da sole di creare forme estetiche meditative e contemplative. E sebbene non fosse un Minimalista, espresse in modo lungimirante il valore della semplificazione e della riduzione del linguaggio visivo.

 

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Olio su tela. 114 x 84 in. (289,5 x 213,3 cm.). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Immagine in evidenza: Barnett Newman - Onement I (dettaglio), 1948. Olio su tela e olio su nastro adesivo su tela. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Dono di Annalee Newman. 390.1992. Collezione MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio