Artisti di Oggi Ispirati dallo Stile di Pittura a Campo di Colore di Rothko

Il silenzio è così preciso.
Mark Rothko

Nel cercare gli eredi contemporanei dello stile iconico della pittura a campi di colore di Mark Rothko, non possiamo limitarci a cercare opere che gli somiglino. Dobbiamo anche orientarci verso opere fondate su idee simili. Una cosa è che gli artisti contemporanei dei campi di colore imitino lo stile visivo di Rothko. Ben altra cosa è che condividano e comunichino con successo le intenzioni di Rothko. Ma come facciamo a sapere quali fossero le intenzioni di Rothko? Semplice. Ce l'ha detto lui.

Nel 1971, la città di Houston, in Texas, divenne destinataria di un'opera d'arte unica: la Rothko Chapel, una struttura modernista ottagonale che contiene 14 dipinti di grande formato di Rothko. Nell'ingresso, ai visitatori vengono messi a disposizione testi sacri di diverse religioni del mondo. Possono portare un libro nello spazio oppure no. Rothko considerava l'edificio e l'arte in esso contenuta come un'unica opera. La cappella è il suo risultato più rappresentativo. Chiarisce l'intento di Rothko: i suoi dipinti non dovevano essere considerati fini a se stessi, ma mezzi attraverso i quali gli spettatori potessero accedere, attraverso il colore, a un'esperienza più ampia.

In altre parole, Rothko voleva che gli spettatori facessero più che ammirare la disposizione dei colori: voleva che l'incontro con quei colori aprisse uno spazio per il sentimento, la contemplazione e una maggiore consapevolezza della propria esperienza interiore. Come disse lui stesso: «Se siete mossi soltanto dalle relazioni cromatiche, vi state perdendo il punto».

I dieci artisti qui sotto portano avanti quell'intento. Cinque di loro collaborano con IdeelArt e conosciamo a fondo la loro pratica, direttamente dallo studio. Gli altri cinque lavorano al di fuori del nostro roster. Nessuno di loro imita Rothko. Ognuno, attraverso un mezzo diverso, considera il colore o la luce come un passaggio, non come una destinazione.

Cinque artisti di IdeelArt che condividono l'intento di Rothko

Paul Snell

L'artista australiano Paul Snell, che vive e lavora a Launceston, in Tasmania, parte da una fotografia di un luogo o di un oggetto, poi lo priva digitalmente di tutto ciò che è riconoscibile, fino a lasciare soltanto bande di colore, ritmo e luce. Le opere finite sono stampe cromogeniche su carta metallizzata, montate su Plexiglass, e brillano come superfici dipinte. Snell dichiara con semplicità il proprio obiettivo: immergere lo spettatore nel colore, nel ritmo e nello spazio, «creando un'esperienza sensoriale di contemplazione interiore e trascendenza». Tra tutti gli artisti con cui collaboriamo, le sue parole sono quelle che più si avvicinano a quelle di Rothko.

Scopri le opere di Paul Snell

Anne Katrine Senstad

L'artista norvegese Anne Katrine Senstad, che vive e lavora tra New York e Oslo, si dedica alla fotografia, al video, al neon e alle installazioni immersive. La sua serie Color Kinesthesia, presentata da Freight + Volume a New York nel 2020, è stata concepita in dialogo con i dipinti a campi di colore di Rothko. Il titolo si riferisce alla risposta del corpo alle transizioni cromatiche, che cattura fotografando negativi a colori. Senstad descrive il proprio lavoro come una risposta percettiva e cognitiva alla luce, al suono e al colore, piuttosto che spirituale. Questa distinzione la rende un'erede affascinante: raggiunge lo spazio interiore e aperto di Rothko attraverso la percezione anziché la fede. Ha inoltre esposto insieme a James Turrell nella mostra di light art Through The Spectrum presso la Athr Gallery di Gedda.

Senstad è stata inoltre protagonista della serie televisiva Immersive World, in un episodio dedicato alla scultura luminosa che ha presentato la sua pratica insieme a quelle di Anthony McCall e Dan Flavin. Questo contesto amplia l'idea centrale dell'articolo: il colore non deve necessariamente rimanere su una superficie dipinta per trasformarsi in un'esperienza immersiva.

Scopri le opere di Anne Katrine Senstad

Yari Ostovany

Il pittore americano di origini iraniane Yari Ostovany, che vive e lavora a San Francisco, costruisce campi di colore riccamente stratificati attraverso un lungo processo di aggiunta, dilavamento, raschiatura e dissoluzione del pigmento. Ogni dipinto inizia con quello che definisce uno slancio gestuale: segni calligrafici che poi strofina e diluisce fino a fonderli con gli strati sottostanti. La sua pratica affonda le radici nell'Espressionismo astratto e nella pittura Color Field, oltre che in diverse tradizioni mistiche dell'Oriente e dell'Occidente. Titoli come Numinous, Missa in Angustiis (Messa per tempi travagliati) o Conference of the Birds rendono esplicita questa intenzione. Sono dipinti in cui entrare, non semplicemente da guardare.

Scopri le opere di Yari Ostovany

Arvid Boecker

Il pittore tedesco Arvid Boecker lavora a Heidelberg. Inizia ogni dipinto con una composizione a matita, poi costruisce la superficie con lenti strati di colore che rimuove parzialmente usando racla da serigrafia, lasciando visibili le tracce di questa erosione. Definisce il risultato una «archeologia del colore». Come i rettangoli velati di Rothko, gli strati di Boecker invitano a una visione lenta. Più a lungo si osserva una superficie, più l'occhio si addentra, attraverso il colore e la luce, verso una quieta consapevolezza del trascorrere del tempo. Leggi la nostra conversazione con lui in Serio e non tanto serio: Arvid Boecker in 14 domande.

Scopri le opere di Arvid Boecker

Kim Uchiyama

La pittrice newyorkese Kim Uchiyama usa il colore per costruire luce e forma e per aprire il potenziale metafisico dello spazio pittorico. Ha studiato con il pittore Nicolas Carone, a sua volta allievo di Hans Hofmann, e condivide con loro l'idea del colore come architettura del dipinto. Prima di iniziare un'opera, aspetta di "vedere" un primo colore sulla superficie vuota, quindi costruisce una griglia di forme cromatiche, alcune opache, altre traslucide. Spesso ispirata dalla luce di un luogo specifico, usa il colore per trasmetterne l'essenza emotiva anziché il suo aspetto. Quel passaggio da ciò che si vede a ciò che si sente è esattamente quello ricercato da Rothko.

Scopri le opere di Kim Uchiyama

Cinque artisti al di fuori del nostro catalogo

Sean Scully

Nato a Dublino nel 1945, Sean Scully è uno dei pittori astratti più influenti oggi in attività e quello più spesso paragonato a Rothko. Il paragone è meritato: nel 1999, un anno dopo aver iniziato la sua serie Wall of Light, scrisse un saggio intitolato Rothko: Bodies of Light. Scully ha descritto il suo compito come una riconnessione dell'astrazione con il mondo reale, affinché le persone possano provare una sensazione diretta davanti a un dipinto astratto. Sottolinea anche la propria differenza: a differenza di Rothko, ha detto, non è passivo. I suoi mattoni sovrapposti di colore sono costruiti, ponderati e fisici. Nel 2026, la sua mostra To Feel è stata inaugurata da Thaddaeus Ropac a Salisburgo, mentre la sua serie completa Stack è stata esposta a Château La Coste in Provenza.

Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - Collezione permanente del North Carolina Museum of Art

James Turrell

James Turrell, nato a Los Angeles nel 1943, lavora da sei decenni con la luce stessa. I suoi Skyspace, ambienti aperti sul cielo attraverso un'apertura nel soffitto, e le sue stanze immersive di luce trasformano il colore in qualcosa in cui ci si trova immersi. La sua dichiarazione centrale sembra un commento a Rothko: "Il mio lavoro riguarda il tuo vedere." Cresciuto in una famiglia quacchera, partecipava a riunioni silenziose in cui i fedeli sedevano insieme in attesa della luce interiore. Nel giugno 2026, il suo Skyspace più grande in un museo, As Seen Below, è stato inaugurato all'ARoS Aarhus Art Museum in Danimarca. È il suo centesimo Skyspace.

James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain

Mary Corse

Mary Corse, nata a Berkeley nel 1945, è una delle poche donne al centro del movimento californiano Light and Space. Nel 1968 scoprì le microsfere di vetro, le perline utilizzate nella segnaletica stradale, e iniziò a mescolarle alla pittura. I suoi dipinti White Light cambiano quando lo spettatore si sposta, perché la luce è nel dipinto anziché essere raffigurata su di esso. "L'arte non è sulla parete, è nella percezione dello spettatore", ha affermato. Come Rothko, colloca l'opera nell'incontro. La sua prima retrospettiva museale si è aperta al Whitney Museum of American Art nel 2018 ed è proseguita al LACMA nel 2019.

Mary Corse alla Pace Gallery - 2025

Olafur Eliasson

Nato a Copenaghen nel 1967 e cresciuto tra la Danimarca e l'Islanda, Olafur Eliasson lavora in un grande studio di Berlino. I suoi ambienti di luce colorata, nebbia e riflessi ruotano attorno a un'idea che definisce "vedere se stessi mentre si percepisce": vivere un'esperienza consapevoli di viverla. Eliasson riconosce che l'espressione deve molto all'artista della Light and Space Robert Irwin, che parlava del percepire se stessi mentre si percepisce. Rothko chiedeva agli spettatori una maggiore consapevolezza della propria esperienza interiore; Eliasson ha fatto di questa consapevolezza il proprio tema. Spesso inserisce la parola "your" nei suoi titoli, come gesto di fiducia verso il pubblico.

Olafur Eliasson - Dalla mostra Reality Machines alla Tanya Bonakdar Gallery - 2016

Rachel Garrard

L'artista britannica Rachel Garrard, nata nel Devon nel 1984 e residente tra New York e il Messico, macina i propri pigmenti ricavati da rocce e minerali raccolti durante i suoi viaggi, tra cui quarzo cristallino e cenere. Descrive la sua pratica come un viaggio tra la ricerca scientifica e la pratica esoterica, e le sue composizioni sono influenzate dalla meditazione. I suoi dipinti non contengono immagini né significati fissi. Mirano a un'esperienza oltre il linguaggio, a un legame tra il mondo esterno e quello interiore. Nella sua generazione, è tra le artiste più vicine alla convinzione di Rothko che un dipinto sia una soglia anziché un oggetto.

Oltre la superficie

I dipinti tardi di Rothko richiedono tempo e silenzio. Lo stesso vale per questi dieci cicli di opere, realizzati con olio, acquerello, pigmenti di roccia, negativi fotografici, perle di vetro o persino con il cielo stesso. Ciò che li accomuna non è un rettangolo né una tavolozza, ma una convinzione condivisa: che il colore, se osservato con sufficiente attenzione, possa ricondurci a noi stessi.

Esplora altre opere astratte contemplative nella nostra selezione di opere minimaliste oppure leggi la nostra guida definitiva a Mark Rothko.

Francis Berthomier

Immagine in evidenza: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (dettaglio)Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo