Cosa abbiamo imparato dai pionieri del Color Field?

Quando pensi all'Espressionismo Astratto, cosa ti viene in mente? Immagini pittori che gettano, gocciolano, spruzzano e spalmare vernice su tele con gesti carichi di emozione? Sebbene la Pittura d'Azione fosse una parte enorme dell'Ab-Ex, c'era anche un lato più sobrio del movimento. La pittura del Campo di Colore, come veniva chiamata, coinvolgeva superfici piatte e non pittoriche composte da spazi colorati. Nelle pitture del Campo di Colore, la personalità dell'artista è meno visibile rispetto alle Pitture d'Azione. Mentre i Pittori d'Azione trasmettevano le proprie macchinazioni subconscie attraverso il loro lavoro, i pittori del Campo di Colore creavano opere che offrivano agli spettatori un'arena in cui vivere le proprie rivelazioni.

Astrazione Post-Pittorica

Il termine “pittorico” si riferisce a qualità che la superficie di un dipinto può avere, come la pennellata e la texture, qualità che rendono evidente la mano dell’artista nell’opera. Ad esempio, un dipinto che presenta strati di vernice applicati in modo spesso, in cui le pennellate sono chiaramente visibili e la tecnica individuale del pittore è evidente, potrebbe essere definito pittorico. L'astrazione post-pittorica è stato un movimento emerso negli anni '60 che ha visto pittori che evitavano di realizzare opere pittoriche.

La frase Post-Painterly Abstraction è stata coniata dal critico d'arte Clement Greenberg, che la utilizzò come titolo di una mostra debuttata nel 1964 al Los Angeles County Museum of Art. Quella mostra presentava 31 artisti, molti dei quali erano associati all'Espressionismo Astratto. Mentre i precedenti pittori espressionisti astratti come Jackson Pollock e Willem de Kooning realizzavano opere pittoriche in cui le loro tecniche individuali erano chiaramente evidenti nelle qualità superficiali delle opere, gli astrattisti post-pittorici realizzavano opere astratte con superfici piatte in cui la mano dell'artista non era evidente.

Robert Motherwell- Elegia alla Repubblica Spagnola No. 110, 1971, Acrilico con grafite e carbone su tela, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenziato da VAGA, New York, NY

Artisti del campo di colore

Tra gli astrattisti post-pittorici c'era un gruppo di pittori che venne conosciuto come i pittori del Campo di Colore. Il loro nome si riferiva alla tendenza di questi artisti a incorporare ampie aree di colore nelle loro opere. I loro campi di colore potevano avvolgere completamente uno spettatore durante un'ispezione ravvicinata di un'opera d'arte. Non erano solo superfici dipinte; erano anche aree in cui poteva avvenire l'introspezione.

I pittori del Color Field erano rivoluzionari perché, anziché utilizzare la superficie come sfondo su cui dipingere un soggetto, fecero sì che la superficie stessa diventasse il soggetto. Evitarono le forme nelle loro opere. Non c'era immagine di nulla presente. Lo sfondo e il primo piano erano un'unica cosa. I campi di colore non avevano un contesto proprio, ma erano piuttosto un luogo in cui lo spettatore poteva connettersi con qualcosa di personale, forse qualcosa di mitico, e trascendere i limiti dell'immagine.

Frank Stella - Harran II, 1967, pittura in polimero e polimero fluorescente su tela, 120 × 240 in, de Young Museum, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Un'arena su tela

L'Espressionismo Astratto considera la tela un'arena in cui può accadere qualcosa. Dramma ed emozione si manifestano nelle opere dei Pittori d'Azione. Mentre i pittori del Campo di Colore utilizzano anch'essi la tela come un'arena, piuttosto che il loro dramma che si svolge lì, è un luogo in cui l'introspezione del pubblico può contribuire, o addirittura creare interamente, il dramma che emerge. I dipinti del Campo di Colore attirano lo spettatore nell'opera, invitandolo a contemplare molto più del semplice colore, della vernice e della superficie. Sono invitati a contemplare se stessi, usando l'arena del dipinto come una sorta di talismano in quel viaggio personale.

È necessaria una riflessione sostenuta quando si osserva un dipinto di Color Field. Piuttosto che provare una carica immediata da un Action Painting, o sentire armonia da un'opera astratta geometrica, o percepire nostalgia, romanticismo o gioia da un'opera figurativa, gli spettatori dei dipinti di Color Field devono guardare dentro di sé verso nuove rivelazioni. Ma la libertà può anche essere un peso. L'angoscia dei Action Painters deriva spesso dalla loro totale libertà di esprimere il loro io interiore. Con i dipinti di Color Field, quel temuto senso di libertà viene trasmesso allo spettatore.

Campi di Emozione Non Obiettiva

Sebbene abbia rifiutato l'etichetta, Mark Rothko è considerato da molte persone il pittore di Color Field più influente. I dipinti iconici di Rothko consistono in bande orizzontali di colore, che si interagiscono in modo amorfo, fondendosi ai loro bordi. I suoi dipinti a volte consistono in tonalità vivaci, come arancione, giallo o rosso. Altre volte presentano blu, marroni e nero. Gli spettatori che si confrontano con questi dipinti sono spesso sopraffatti dall'emozione, che va dall'eccitazione e dalla gioia alla mestizia e persino alla disperazione. Rothko disse del suo lavoro, “Le persone che piangono davanti ai miei quadri stanno vivendo la stessa esperienza religiosa che ho avuto quando li ho dipinti.”

Mark Rothko - Arancione e Giallo, 1956, Olio su tela, 180,3 x 231,1 cm, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA

Linee zip

Barnett Newman ha realizzato opere in una vena simile a quelle di Rothko, ma avevano un effetto molto diverso sugli spettatori. I dipinti Color Field di Newman presentano fasce verticali di colore separate da bande di colore molto più sottili a volte definite "zips". I dipinti zip di Newman presentano a volte una singola zip, a volte diverse. A volte i bordi delle zips sono netti, altre volte si fondono con i campi di colore circostanti. La verticalità delle immagini di Newman e la presenza delle zips creano una risposta emotiva molto diversa rispetto alle opere di Rothko.

"Qualcosa riguardo le zip impedisce all'occhio di concentrarsi troppo a lungo in un unico punto. La linea verticale può assumere una qualità antropomorfica, come se rappresentasse una figura o una corsia. Attira l'occhio verso di sé e poi lo allontana di nuovo nei campi di colore. Le opere di Newman trasmettono un senso di bravura e sembrano un po' più ansiose rispetto a quelle di Rothko per questo motivo. Invitano a una contemplazione nervosa, altamente moderna."

Barnett Newman - Onement I, 1948, Olio su tela e olio su nastro adesivo su tela, 27 1/4 x 16 1/4in (69.2 x 41.2 cm), © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Unione e Rivelazione

I dipinti del Campo di Colore di Clyfford Still possiedono una presenza completamente diversa rispetto a quelli di Rothko o Newman. Gli spazi colorati in essi sembrano essere in uno stato di metamorfosi o evoluzione. Hanno una qualità organica. Anche se non è presente una forma specifica, le aree sembrano spostarsi e interagire e suggerire la possibilità di una forma futura. Dove c'è un senso di stabilità nelle immagini create da Rothko e Newman, i dipinti di Still proiettano un maggiore senso di cambiamento. Forze disparate si uniscono in essi, suggerendo che il tempo per l'introspezione è limitato poiché tutto è in flusso. Still ha detto riguardo ai suoi dipinti, “Questi non sono dipinti nel senso usuale; sono vita e morte che si fondono in un'unione spaventosa. Per quanto mi riguarda, accendono un fuoco; attraverso di essi respiro di nuovo, tengo un cordone d'oro, trovo la mia rivelazione.”

Clyfford Still - PH-971, 1957, olio su tela, 113 1/4 in. x 148 in. x 2 1/4 in, Collezione SFMoMA, © Città e Contea di Denver, Courtesy Clyfford Still Museum / Artists Rights Society (ARS), New York

Eruzioni di Emozione

Helen Frankenthaler è stata una delle pittrici di Color Field più innovative. Ha sviluppato una tecnica innovativa di macchiare le sue tele non preparate versando vernice diluita direttamente sulla superficie. Versando la vernice piuttosto che distribuirla con uno strumento, ha completamente evitato qualsiasi suggerimento della mano dell'artista e ha creato una piattezza ancora più piatta. Ha anche permesso alla vernice di espandersi e interagire con la tela in modi inaspettati. Le aree macchiate sono state lasciate sanguinare l'una nell'altra, alterarsi a vicenda e combinarsi tra loro. Il risultato della tecnica di macchia di Frankenthaler erano immagini che comunicavano un senso di processi naturali organici profondamente profondi.

Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Acrilico su tela, 44 x 52 in, © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York

L'aspetto macchiato

Morris Louis fu profondamente influenzato dalla tecnica delle macchie di Frankenthaler e la modificò per sviluppare il suo approccio estetico distintivo. Come Frankenthaler, Louis versò anche vernice diluita sulle sue tele per ottenere l'aspetto macchiato, ma lo fece utilizzando una tecnica distintiva strettamente protetta che, si dice, coinvolgesse qualcosa di simile a piegare la tela a forma di imbuto. I campi di colore risultanti creati da Louis possiedono una qualità inquietante che attira lo spettatore verso uno spazio di pensiero mistico e introspettivo.

Morris Louis - Salient, 1954, resina acrilica (Magna) su tela, 74 1/2 x 99 1/4 in. (189,2 x 252,1 cm), © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York

Un po' più di atmosfera

Sviluppando le idee di Frankenthaler e Louis, Jules Olitski ha sviluppato la sua tecnica unica per i suoi dipinti Color Field. Applicava la vernice sulle sue tele con una pistola a spruzzo, spruzzando leggermente strati di vernice sopra ciascuno per creare campi di colore luminosi e atmosferici che anche oggi sembrano futuristici. Lo stile distintivo di Olitski era anche caratterizzato da linee nette aggiunte vicino ai bordi esterni della tela. Quel gesto di confine forse preannunciava la fine della pittura Color Field, poiché sembra quasi reintrodurre la nozione di soggetto presentato all'interno di una cornice.

Jules Olitski - Patutsky in Paradise, 1966, © Jules Olitski Estate/Licensed by VAGA, New York

Contemplazione come l'Eredità Duratura

Questi pionieri del Color Field sono riusciti a creare dipinti che potevano fungere non solo da oggetti d'arte, ma anche da intermediari per le esperienze estetiche trascendentali di uno spettatore. Creando opere che non avevano altro soggetto se non il colore stesso, hanno alterato il modo in cui un dipinto poteva essere percepito e hanno portato la pittura in nuovi regni mitici e spirituali. La contemplazione è l'eredità duratura dei pionieri del Color Field. Per molti di noi, i loro dipinti sono talismani, che ci guidano lungo sentieri verso uno stato mentale più introspettivo.

Immagine in evidenza: Helen Frankenthaler - Montagne e Mare, 1952, Olio e carbone su tela non trattata e non preparata, 86 3/8 × 117 1/4 in (219,4 × 297,8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park