Scultura Minimalista come la Contemplazione Pristina dello Spazio

La scultura minimalista è definita da un insieme di regole? Il successo di una scultura minimalista dipende dalle sue proprietà intrinseche, o da come interagisce con l'ambiente circostante? Il critico d'arte Guillaume Apollinaire dichiarò una volta che la scultura deve rappresentare forme della natura, altrimenti è architettura. L'artista minimalista Robert Morris descrisse la scultura come occupante la parte centrale di un continuum di "cose tridimensionali inutili" che vanno dai monumenti agli ornamenti. A parte il valore comico, nessuna di queste affermazioni aiuta molto a comprendere la vera e completa natura della scultura, specialmente quella minimalista. Piuttosto che farci ingannare dalle definizioni accademiche, crediamo che la scultura minimalista possa essere compresa meglio mantenendo una mente aperta e osservando attentamente gli artisti che hanno aperto la strada.

Il Padre Fondatore della Scultura Minimalista

Ronald Bladen ha dimostrato un'abilità esemplare nel disegno e nella pittura sin da giovane età. Ma sono le sue opere scultoree che gli hanno portato fama e rispetto. Nei primi anni '60, Bladen ha spostato la sua pratica dalle pitture espressioniste astratte che stava realizzando e ha iniziato a creare oggetti in legno di grande scala. Alcune forme erano riconoscibili, come una gigantesca X, e altre erano astratte. Non ha specificato esattamente cosa fossero gli oggetti, ha semplicemente sottolineato che stava cercando di creare qualcosa che avesse "presenza."

Una delle prime opere scultoree minimaliste di Bladen si chiamava White Z. Non era né geometrica né figurativa. Era astratta, monocromatica, con bordi netti e intricata. Reagiva alla luce, era tattile e poggiava sul pavimento. Non era ridotta da una forma più grande, ma piuttosto costruita da forme più piccole. Possedeva una propria gestalt: un tutto organizzato che diventava più sostanziale della somma delle sue parti.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

Nel 1966, il lavoro di Bladen fu incluso nella mostra Primary Structures, insieme a Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre e dozzine di altri artisti minimalisti. Quella mostra è considerata un momento decisivo nella storia del Minimalismo. Bladen aveva un'opera in mostra, una scultura a tre pezzi intitolata Three Elements.

Il lavoro era quasi monumentale nella sua scala. Ha trasformato la stessa natura dello spazio che occupava. Lo spazio è solo un'area all'interno della quale esistono e si muovono delle cose. Tre Elementi ha creato nuovi spazi all'interno di uno spazio. È diventato spazio. Ha costretto alla contemplazione non solo della propria forma, ma anche della forma del suo ambiente e degli altri abitanti dei suoi dintorni.

Ronald Bladen - Tre Elementi, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Valori scultorei

Nonostante l'indiscutibile "qualcosa" delle sculture di Bladen, alcuni critici e spettatori dell'epoca, e anche alcuni artisti, non le consideravano sculture. Le definizioni esistenti di scultura sembravano non applicarsi a ciò che erano queste cose. È proprio per questo che queste opere erano così rivoluzionarie e così perfettamente adatte alla teoria Minimalista emergente del tempo. Richiedevano una riduzione delle stesse definizioni di arte.

Invece di definire una scultura come qualcosa di figurativo, o geometrico, o qualcosa scolpito da un materiale o qualcosa fuso da un altro materiale, questi oggetti richiedevano una spiegazione diversa. Ridefinivano la scultura come qualcosa caratterizzato non in base a ciò che è, ma in base a ciò che non è. Un dipinto è un oggetto estetico che consiste in una superficie che funge da supporto per la vernice, il cui scopo è contenuto o comunicato attraverso la vernice sulla superficie. L'architettura è una struttura destinata all'abitazione. Una scultura non è né l'uno né l'altro. È un oggetto estetico che non è un dipinto e non è architettura, ma esiste in uno spazio tridimensionale.

Donald Judd - Oggetti specifici senza titolo, © Donald Judd

La relazione della scultura con il muro

Una delle sfide più grandi che il Minimalismo ha posto alla scultura era se la scultura dovesse essere collocata a terra. Robert Morris dichiarò una volta che le sculture dovevano assolutamente essere posizionate a terra, poiché solo a terra potevano essere influenzate dalla gravità, una proprietà scultorea essenziale. Ma alcuni dei più famosi oggetti scultorei creati da artisti associati al Minimalismo pendono infatti dal muro, o altrimenti utilizzano il muro per il supporto.

Donald Judd chiamava le opere scultoree che creava Oggetti Specifici. Le definiva né pitture né sculture. Molti dei suoi Oggetti Specifici più famosi sono appesi al muro. Sono oggetti tridimensionali, hanno una forma definita, possiedono scala, interagiscono con la luce e sono tattili. Possiedono colore e superficie, come tutte le cose materiali, ma il loro scopo non è definito da quegli elementi né viene necessariamente comunicato attraverso di essi.

Sono sculture o non lo sono? Qualunque gioco semantico vogliamo fare, le opere di Judd sono chiaramente di natura scultorea. Ma appendendole al muro sono state poste nuove domande sulle relazioni spaziali. Invece di utilizzare lo spazio di una galleria per contestualizzare le opere d'arte, queste opere d'arte hanno ricontestualizzato gli spazi in cui sono state installate. Abitavano sia l'ambiente che lo riorganizzavano. Hanno chiesto agli spettatori di contemplare gli spazi aggiuntivi che le parti delle opere creavano attraverso la loro presenza. Hanno persino messo in discussione il ruolo dell'architettura attaccandosi ad essa. Anche se non costrette a terra dalla gravità, hanno attirato l'attenzione sulla gravità dimostrando resistenza ad essa.

Ellsworth Kelly - Work, © Ellsworth Kelly

La forma del cambiamento

Le opere di altri artisti Minimalisti come Ellsworth Kelly e John McCracken hanno anche sfidato le definizioni esistenti di scultura. Le superfici sagomate e monocromatiche di Kelly appese al muro erano coperte di vernice, ma erano molto più allineate con l'essenza della scultura piuttosto che con quella della pittura. I "plance" monocromatici di McCracken poggiavano contro il muro, utilizzandolo per supporto come potrebbe fare un dipinto, ma facendo principalmente affidamento sul pavimento.

Sebbene ciascuno di questi artisti Minimalisti abbia fatto uno sforzo per definire ciò che stavano facendo e per affrontare il dibattito su come definire le loro opere scultoree, rimane molto spazio per un continuo dibattito sull'argomento. L'artista Minimalista contemporaneo Daniel Göttin è uno dei molti artisti che continuano a esplorare questa zona estetica vagamente definita. Artista multidisciplinare, Göttin crea murales, installazioni e oggetti astratti geometrici e tridimensionali che pendono dal muro.

I suoi oggetti da parete possiedono superfici che sono dipinte o coperte da altri materiali industriali, ma non sono definiti dalle loro superfici dipinte, e le superfici non comunicano nulla di specifico. Sono scultorei, eppure pendono piatti sulla parete. Dietro di loro e all'interno di essi si crea e si ridefinisce lo spazio, e la nostra esperienza dello spazio circostante è ricontestualizzata dalla loro presenza.

John McCracken - work, © John McCracken

La semplicità non è semplice

Una delle lezioni chiave che la scultura minimalista ci insegna è che la semantica dell'etichettatura è irrilevante. Il significato che troviamo in queste opere deriva meno da come le chiamiamo e più dai modi in cui ci invitano a contemplare lo spazio. Attraverso di esse torniamo alla purezza di questa semplice rivelazione, che esse, come noi, abitano lo spazio, interrompono lo spazio, contengono lo spazio, definiscono lo spazio, contestualizzano lo spazio e portano ordine nello spazio.

Nonostante la loro semplicità, sono infinitamente complessi nella loro capacità di sfidarci e coinvolgerci. Come ha sottolineato Robert Morris, “La semplicità della forma non equivale necessariamente alla semplicità dell'esperienza.”

Immagine in evidenza: Daniel Göttin - Untitled E, 2005, Alluminio su cartone ondulato, 25 x 25 in.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park