Scultura Minimalista come la Contemplazione Pristina dello Spazio

La scultura minimalista è definita da un insieme di regole? Il successo di una scultura minimalista dipende dalle sue proprietà intrinseche o da come interagisce con l’ambiente circostante? Il critico d’arte Guillaume Apollinaire una volta dichiarò che la scultura deve rappresentare forme della natura, altrimenti è architettura. L’artista minimalista Robert Morris descrisse la scultura come collocata nella parte centrale di un continuum di “cose tridimensionali inutili” che vanno dai monumenti agli ornamenti. A parte il valore comico, nessuna di queste affermazioni aiuta molto a comprendere la vera e completa natura della scultura, specialmente quella minimalista. Piuttosto che impigliarci in definizioni accademiche, crediamo che la scultura minimalista possa essere meglio compresa mantenendo una mente aperta e osservando attentamente gli artisti che ne hanno tracciato la via.

Il Padre Fondatore della Scultura Minimalista

Ronald Bladen dimostrò fin da giovane un’abilità esemplare nel disegno e nella pittura. Ma furono le sue opere scultoree a portargli fama e rispetto. All’inizio degli anni ’60 Bladen spostò la sua pratica lontano dalle pitture espressioniste astratte che realizzava e iniziò a creare oggetti in legno di grandi dimensioni. Alcune forme erano riconoscibili, come una gigantesca X, altre erano astratte. Non specificava esattamente cosa fossero gli oggetti, si limitava a sottolineare che cercava di creare qualcosa che avesse “presenza”.

Una delle prime sculture minimaliste di Bladen si chiamava White Z. Non era né geometrica né figurativa. Era astratta, monocromatica, dai bordi netti e complessa. Reagiva alla luce, era tattile e poggiava sul pavimento. Non era ridotta da una forma più grande, ma piuttosto costruita da forme più piccole. Possedeva una propria gestalt: un tutto organizzato che diventava più sostanziale della somma delle sue parti.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

Nel 1966, l’opera di Bladen fu inclusa nella mostra Primary Structures, insieme a Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre e decine di altri artisti minimalisti. Quella mostra è considerata un momento decisivo nella storia del Minimalismo. Bladen presentò un’opera, una scultura in tre pezzi intitolata Three Elements.

L’opera aveva una scala quasi monumentale. Trasformava la natura stessa dello spazio che occupava. Lo spazio è semplicemente un’area entro cui le cose esistono e si muovono. Three Elements creava nuovi spazi all’interno di uno spazio. Diventava spazio. Costringeva a riflettere non solo sulla sua forma, ma anche sulla forma dell’ambiente e degli altri abitanti del suo intorno.

Ronald Bladen - Three Elements, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Valori Scultorei

Nonostante l’indiscutibile “qualcosa” delle sculture di Bladen, alcuni critici e spettatori dell’epoca, e anche alcuni artisti, non le consideravano sculture. Le definizioni esistenti di scultura sembravano non applicarsi a qualunque cosa fossero quegli oggetti. Proprio per questo queste opere furono così rivoluzionarie e perfettamente adatte alla teoria minimalista emergente dell’epoca. Richiedevano una riduzione delle stesse definizioni di arte.

Piuttosto che definire una scultura come qualcosa di figurativo, o geometrico, o qualcosa intagliato da un materiale o colato da un altro, questi oggetti richiedevano una spiegazione diversa. Ridefinivano la scultura come qualcosa caratterizzato non da ciò che è, ma da ciò che non è. Un dipinto è un oggetto estetico che consiste in una superficie che funge da supporto per la pittura, il cui scopo è contenuto o comunicato attraverso la pittura sulla superficie. L’architettura è una struttura destinata all’abitazione. Una scultura non è né l’una né l’altra. È un oggetto estetico che non è un dipinto e non è architettura, ma che esiste nello spazio tridimensionale.

Donald Judd - Oggetti specifici senza titolo, © Donald Judd

Il Rapporto della Scultura con la Parete

Una delle maggiori sfide che il Minimalismo pose alla scultura fu se la scultura dovesse essere posta a terra. Robert Morris dichiarò una volta che le sculture dovevano assolutamente essere poste a terra, perché solo a terra potevano essere influenzate dalla gravità, una proprietà scultorea essenziale. Ma alcuni degli oggetti scultorei più famosi creati da artisti associati al Minimalismo sono infatti appesi alla parete, o comunque utilizzano la parete come supporto.

Donald Judd chiamò le opere scultoree che creava Oggetti Specifici. Le definì né dipinti né sculture. Molti dei suoi più famosi Oggetti Specifici sono appesi alla parete. Sono oggetti tridimensionali, hanno una forma definita, possiedono una scala, interagiscono con la luce e sono tattili. Possiedono colore e superficie, come tutte le cose materiali, ma il loro scopo non è definito da quegli elementi né necessariamente comunicano qualcosa attraverso di essi.

Sono sculture o no? Qualunque gioco semantico vogliamo fare, le opere di Judd sono chiaramente di natura scultorea. Ma appenderle alla parete pose nuove domande sulle relazioni spaziali. Piuttosto che usare lo spazio di una galleria per contestualizzare le opere d’arte, queste opere d’arte ricontestualizzavano gli spazi in cui erano installate. Abitavano l’ambiente e lo riordinavano. Invitavano gli spettatori a contemplare gli spazi aggiuntivi che le parti delle opere creavano attraverso la loro presenza. Mettevano persino in discussione il ruolo dell’architettura attaccandosi ad essa. Pur non essendo costrette a terra dalla gravità, attiravano l’attenzione sulla gravità dimostrando resistenza ad essa.

Ellsworth Kelly - Opera, © Ellsworth Kelly

La Forma del Cambiamento

Le opere di altri artisti minimalisti come Ellsworth Kelly e John McCracken sfidarono anch’esse le definizioni esistenti di scultura. Le superfici sagomate e monocromatiche di Kelly erano appese alla parete e ricoperte di pittura, ma erano molto più vicine all’essenza della scultura che a quella della pittura. Le “assi” monocromatiche di McCracken poggiavano contro la parete, usandola come supporto come farebbe un dipinto, ma affidandosi soprattutto al pavimento.

Sebbene ciascuno di questi artisti minimalisti si sia impegnato a definire ciò che faceva e a partecipare al dibattito su come definire le loro opere scultoree, rimane molto spazio per un dibattito continuo sull’argomento. L’artista minimalista contemporaneo Daniel Göttin è uno dei molti artisti che continuano a esplorare questa zona estetica poco definita. Artista poliedrico, Göttin crea murales, installazioni e oggetti astratti geometrici tridimensionali che si appendono alla parete.

I suoi oggetti da parete possiedono superfici dipinte o ricoperte da altri materiali industriali, ma non sono definiti dalle loro superfici dipinte, e le superfici non comunicano nulla di specifico. Sono scultorei, eppure si appoggiano piatti alla parete. Dietro e dentro di essi si crea e si ridefinisce lo spazio, e la nostra esperienza dello spazio circostante viene ricontestualizzata dalla loro presenza.

John McCracken - opera, © John McCracken

La Semplicità Non È Semplice

Una delle lezioni chiave che la scultura minimalista ci insegna è che la semantica delle etichette è irrilevante. Il significato che troviamo in queste opere deriva meno da come le chiamiamo e più dai modi in cui ci invitano a contemplare lo spazio. Attraverso di esse torniamo alla purezza di questa semplice rivelazione, che esse, come noi, abitano lo spazio, lo interrompono, lo contengono, lo definiscono, lo contestualizzano e portano ordine nello spazio.

Nonostante la loro semplicità, sono infinitamente complesse nella loro capacità di sfidarci e coinvolgerci. Come sottolineò Robert Morris, “La semplicità della forma non equivale necessariamente alla semplicità dell’esperienza.”

Immagine in evidenza: Daniel Göttin - Senza titolo E, 2005, foglio di alluminio su cartone ondulato, 25 x 25 pollici.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio