Helen Frankenthaler
Helen Frankenthaler è stata un'artista astratta americana di influenza incommensurabile, nota, tra le altre cose, per aver dato inizio al Post-Painterly Abstraction. Ha sostenuto l'individualità e la sperimentazione. Attraverso le sue tecniche innovative e il suo atteggiamento intellettuale ha aperto la strada a metodi di pittura che hanno definito non solo la sua carriera, ma anche quella di molti suoi contemporanei. Nel corso di una carriera professionale che si è estesa per sei decenni, Frankenthaler è rimasta fedele all'apertura e all'originalità, dimostrando il valore del suo motto personale: “Non ci sono regole. È così che nasce l'arte, così avvengono le scoperte. Vai contro le regole o ignorale. Questo è ciò che significa inventare.”
Il mondo tra le sue braccia
Sebbene oggi sia considerata una maestra dell'astrazione, Helen Frankenthaler una volta descrisse il suo primo sviluppo verso l'astrazione come difficile. Studiò il Cubismo e il Neo-Pl/blogs/magazine/what-is-cubism-a-true-art-revolutionasticismo a scuola, ma rispose alle loro idee solo a livello intellettuale. Non la ispirarono a creare opere astratte proprie. Fu solo dopo il college, dopo aver incontrato alcuni artisti e teorici lungimiranti, che Helen riuscì a scoprire la sua voce astratta unica.
La connessione più influente che Frankenthaler stabilì dopo il college fu con il critico d'arte Clement Greenberg, che incontrò a una mostra d'arte nel 1950. Greenberg la incoraggiò a seguire corsi dal pittore e insegnante Hans Hofmann e la presentò anche ai pittori espressionisti astratti Jackson Pollock e Lee Krasner. Nei metodi di Hofmann, Pollock e Krasner, Frankenthaler vide una via verso l'innovazione. Fu particolarmente colpita da come Jackson Pollock posava le sue tele sul pavimento e vi versava direttamente la vernice. Adottò rapidamente quel metodo. Dopo un viaggio in Nuova Scozia, dicendo di aver allora tenuto tra le braccia i bellissimi paesaggi di quel luogo, Frankenthaler stese una porzione di tela non tesa sul pavimento del suo studio e iniziò a comunicare la loro essenza in un dipinto intitolato Mountains and Sea.
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Olio e carboncino su tela non preparata. 86 3/8 × 117 1/4 pollici. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Un salto in avanti
Mountains and Sea fu un dipinto rivoluzionario. Ciò che lo rese tale furono due differenze chiave che Helen Frankenthaler innovò e che distinsero la sua tecnica da quella di Pollock. Invece di usare la vernice smaltata spessa che Jackson Pollock utilizzava, Frankenthaler usò olio diluito con trementina. E invece di preparare prima la tela, la lasciò completamente grezza. L'effetto della vernice diluita sulla tela non preparata fu che, invece di accumularsi sulla superficie, la vernice si impregnava direttamente, macchiandola.
Frankenthaler chiamò questo metodo soak-stain, ed era qualcosa di nuovo. Fino ad allora, i dipinti erano costituiti da due elementi: la superficie e l'immagine dipinta sopra. Con la sua tecnica soak-stain inventata spontaneamente, Frankenthaler unì la superficie con l'immagine, creando un oggetto estetico unificato. Il campo divenne uno con il colore. Sostenne che lo stimolo a dipingere in quel modo era semplicemente creare un'immagine bella, e che non aveva intenzione di rivoluzionare la pittura. Ma come seria studiosa di storia dell'arte, comprese esattamente le implicazioni della sua scoperta.
Helen Frankenthaler - Grotto Azura, 1963. Olio su carta. 23 x 29 pollici. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
La prossima grande novità
Frankenthaler mostrò Mountains and Sea a Clement Greenberg. Lui a sua volta invitò i pittori Morris Louis e Kenneth Noland da Washington, D.C., per una visita allo studio di Frankenthaler, per mostrare loro la sua scoperta. Noland e Louis avevano entrambi cercato metodi per esplorare le relazioni cromatiche senza che l'oggettività del dipinto e la personalità dell'artista interferissero. La tecnica soak-stain era ciò che cercavano. Eliminava le pennellate e appiattiva il dipinto, permettendo a immagine e oggetto di diventare uno, concentrando tutta l'attenzione sul colore e sul campo.
Louis e Noland tornarono a Washington, D.C., e iniziarono subito a usare questa nuova tecnica. Nel frattempo Clement Greenberg pubblicizzò questa tendenza come qualcosa di nettamente diverso dalle opere emotivamente cariche e pittoriche degli Espressionisti Astratti. Per descrivere ciò che Frankenthaler aveva scoperto, e che molti altri pittori stavano successivamente adottando, Greenberg coniò il termine Post-Painterly Abstraction, definendolo la prossima grande novità nell'arte americana.
Helen Frankenthaler - Western Dream, 1957. Olio su tela non preparata. 70 x 86 pollici. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Trascendenza
Nei due decenni successivi, Frankenthaler fiorì diventando un'artista influente e rinomata. Nel 1960, a 32 anni, ebbe una retrospettiva al Museo Ebraico di New York. Nove anni dopo ebbe una retrospettiva al Whitney Museum e importanti mostre in tutta Europa. Insieme a Morris Louis, Kenneth Noland, Mark Rothko, Clifford Still, Jules Olitski e molti altri, divenne nota come fondatrice e guida del movimento Color Field, un'ampia e sfaccettata esplorazione del colore e delle sue potenzialità trascendenti.
Poi, all'inizio degli anni '70, al culmine del suo successo, Helen Frankenthaler fece una scelta sperimentale che portò al suo secondo grande progresso artistico. Si dedicò alla stampa a xilografia. Aveva realizzato altri tipi di stampe e opere su carta fin dagli anni '50, ma la xilografia presentava sfide specifiche. Le stampe a xilografia avevano un'estetica particolare definita da linee bianche e bordi netti. Voleva eliminare le linee e i bordi netti per simulare gli stessi campi eterei di colore che otteneva con il suo processo soak-stain. Raggiunse questo obiettivo nel 1973, con una stampa a xilografia intitolata East and Beyond. La stampa possedeva la bellezza rustica di una xilografia, ma i suoi delicati campi di colore organici e ininterrotti la distinguevano da qualsiasi xilografia mai realizzata. Il processo che inventò rivoluzionò il mezzo proprio come la sua tecnica soak-stain aveva fatto con la pittura decenni prima.
Helen Frankenthaler - East and Beyond, 1973. Xilografia a 8 colori su carta nepalese fatta a mano laminata color crema. 31 ½ x 21 ½ pollici. Collezione MoMA. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Oltre l'arte
Oltre alle sue opere, Helen Frankenthaler creò e finanziò una fondazione che ancora oggi incoraggia l'innovazione artistica attraverso borse di studio, mostre e altri progetti. Partecipò anche come consulente alla National Endowment for the Arts negli anni '80. Notoriamente, le sue raccomandazioni in quel ruolo portarono a una riduzione del bilancio di quell'organizzazione. Spiegando le sue intenzioni, disse: “Sento che c'è stato un tempo in cui ho incontrato menti più elevate, relativamente libere da politica, moda e tendenze. Esse incoraggiavano la durata di una grande tradizione e proteggevano lo sviluppo importante nelle arti.”
Sebbene controversa, Helen Frankenthaler sperava che il suo lavoro per la NEA elevasse il livello del discorso intellettuale tra gli artisti e incoraggiasse un livello più alto di opere. Fu proprio la sua dedizione alla ricerca, all'educazione, all'apertura, all'originalità e alla sperimentazione intelligente che portò al lavoro innovativo che definisce la sua opera. Questo fu anche ciò che le permise, al momento della sua scomparsa a 83 anni, di lasciare un segno indelebile nella storia dell'arte astratta del XX secolo e di servire da esempio per i futuri artisti che cercano una direzione verso cui tendere.
Immagine in evidenza: Helen Frankenthaler - Grey Fireworks (dettaglio), 1982. Acrilico su tela. 72 x 118 1/2 pollici. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
