La Storia del Paesaggio Astratto nell'Arte

L’astrazione è l’Eminem dell’arte. È arrivata per sfidare le nostre percezioni. Considerate cosa ha fatto l’astrazione per la pittura di paesaggio. Per secoli i paesaggi erano considerati miseramente bassi (appena sopra le pitture di animali) nella gerarchia ufficiale dei generi artistici dell’Académie francese. Ma l’arte astratta di paesaggio ha sfidato quella visione antiquata e borghese. L’astrazione ha completamente trasformato la definizione concettuale di cosa possono essere i paesaggi e i modi in cui possono essere esplorati nell’arte contemporanea.

Le radici dell’arte astratta di paesaggio

I Greci dipingevano paesaggi naturali 1500 anni fa. Anche gli artisti cinesi lo facevano, anche se le loro opere non sono tradizionalmente chiamate paesaggi a causa della presenza abituale di piccole figure umane. Ma fu solo nel XVI secolo che la natura divenne un soggetto accettabile per i pittori europei. Fu allora che gli artisti olandesi iniziarono a realizzare quelle che chiamavano pitture “landschap”, immagini interamente composte da scene naturali terrestri. Ma passarono ancora altri 200 anni prima che l’Académie francese accettasse la pittura di paesaggio come genere valido. E sebbene inizialmente ne minimizzassero il potenziale, una volta che le istituzioni europee accettarono la pittura di paesaggio come legittima, tutto cambiò.

Debra Ramsay - Un anno, sentiero giallo, paesaggio come tempo, 2014. Acrilico su film di poliestere. 66 x 200 cm

Cosa ha dato l’arte di paesaggio all’astrazione

A metà del 1800, gli artisti di paesaggio iniziarono a utilizzare uno stile di pittura chiamato “plein-air”, o pittura en plein air. Il plein-air portò i pittori fuori dai loro studi per dipingere all’aperto. Questo rese immediatamente la pittura di paesaggio il modo più sensuale in cui un pittore potesse lavorare. Confrontatelo con le alternative di pitture storiche o religiose, ritratti, scene di vita quotidiana, nature morte o scene di animali. La pittura en plein air offriva un mondo di piaceri sensoriali, come il tremolio della luce sull’acqua, i colori mutevoli del cielo, la miracolosa moltitudine di colori, linee e forme nella natura.

La pittura en plein air contribuì direttamente al focus dell’Impressionismo sulla cattura delle qualità della luce, e alle sperimentazioni con il colore e il movimento del Post-Impressionismo. Considerate “Notte stellata” di Vincent van Gogh, un capolavoro paesaggistico post-impressionista del 1889. In essa, van Gogh tenta di trasmettere emozioni piuttosto che realtà, una dimostrazione della pittura di paesaggio come veicolo perfetto per la generale ricerca artistica di trasmettere il “senso” di un soggetto piuttosto che la sua immagine precisa.

Vincent van Gogh - Notte stellata, 1889. Olio su tela, 29 x 36 1/4" (73,7 x 92,1 cm). Collezione MoMA. Acquisito tramite il lascito Lillie P. Bliss (per scambio). La conservazione è stata resa possibile dal Progetto di Conservazione Artistica della Bank of America. © MoMA

Cosa ha dato l’astrazione all’arte di paesaggio

I primi artisti astratti elevarono lo status della pittura di paesaggio utilizzandola come genere preferito per esprimere i loro metodi in rapida evoluzione. Georges Braque dipinse prolificamente paesaggi fauves, celebrando scelte di colore vivaci e arbitrarie che rifiutavano audacemente la tavolozza realistica della scena rappresentata. Successivamente, Braque, Pablo Picasso e Albert Gleizes, le voci principali del Cubismo, utilizzarono regolarmente i paesaggi come soggetti ideali per esplorare le loro idee rivoluzionarie.

Hans Hofmann, uno degli artisti astratti più influenti della storia, fu un appassionato pittore di paesaggi, sviluppando gradualmente attraverso di essi il suo iconico linguaggio visivo. Hofmann insegnò a molti dei principali pittori astratti del XX secolo e pose direttamente o indirettamente loro la domanda su cosa potesse potenzialmente significare la parola paesaggio.

Sarah Hinckley - It Starts With Just a Little Glance (1), 2007. 17,7 x 13 pollici. © Sarah Hinckley

Entra l’Inscape

Per esempio, un paesaggio deve necessariamente riferirsi alla terra? Il pittore espressionista astratto cileno Roberto Matta fu sia influenzato che sostenuto da Hans Hofmann negli anni ’50. Matta coniò il termine “inscape” per le pitture astratte che realizzava esplorando il paesaggio psicoanalitico della mente umana. Gli “inscapes” di Matta includevano lo spazio del pensiero umano nel regno della “terra”. Le sue opere fondevano astrazione e surrealismo, ampliando enormemente il concetto di cosa potesse essere un paesaggio.

Jackson Pollock e Helen Frankenthaler, due dei più famosi espressionisti astratti, dipinsero entrambi paesaggi prima di trovare le voci che li resero famosi. I paesaggi di Pollock sono espressionisti, trasmettendo la profondità e la maestria del colore che poi lo definirono. I paesaggi di Frankenthaler sono così fortemente legati alle sue opere di campo di colore da mettere in discussione il confine tra rappresentazione e pura astrazione.

Tom McGlynn - Test Pattern 8 (Napoli), 2005. Acrilico su carta Fabriano. 55,8 x 83,8 cm

Il paesaggio astratto contemporaneo

I trionfi concettuali passati dell’astrazione permettono ai pittori contemporanei totale libertà di esplorare nuove prospettive sul paesaggio. Sarah Hinckley crea dipinti usando ampie strisce di colore diffuso che si allineano in modi che suggeriscono orizzonti. Originaria di Cape Cod, Hinckley si ispira all’impressione creata dalla convergenza di sabbia e mare. Il suo lavoro suggerisce tali impressioni, affidandosi al colore e alla trama per trasmettere l’essenza della natura.

Pur ispirati in modo diverso, i pittori Tom McGlynn e Debra Ramsay stanno entrambi ampliando i confini concettuali di come il paesaggio circostante di un artista possa essere rappresentato. McGlynn crea dipinti minimalisti costituiti da blocchi rettangolari di colore disposti su una tela bianca. Per trovare questo linguaggio visivo, McGlynn riduce e astrae elementi del paesaggio urbano. Ramsay crea similmente composizioni di blocchi colorati, linee e forme geometriche. Per trovare il suo linguaggio visivo, riduce e astrae elementi di colori mutevoli da elementi naturali di un paesaggio selvaggio.

Artisti come McGlynn e Ramsay ampliano le nozioni di come i paesaggi sono esplorati e compresi. Senza riferirsi a paesaggi tradizionali, presentano immagini astratte del loro ambiente. Nella tradizione degli artisti astratti che li hanno preceduti, attestano l’idea che il concetto di paesaggio contiene moltitudini di prospettive intriganti che aspettano di essere esplorate.

Immagine in evidenza: Peggy Wilson - Paesaggio astratto II. © Peggy Wilson
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio