Come i pittori coloristi parlano con le tonalità

Ciò che un colorista ci offre non è un giallo che dice, “Giallo,” o anche un giallo che dice, “Montagna,” o “Albero,” ma piuttosto un giallo che dice, “Eternità,” o “Ferocia,” o “Bontà,” o “Potere,” o “Calma,” o “Amore.” I pittori coloristi non si concentrano semplicemente sul colore, ma comunicano attraverso di esso. Collaborano con esso per esprimere ciò che altrimenti è inesprimibile. Usano il colore non per offrirci una superficie su cui fissare lo sguardo, ma per invitarci a guardare dentro qualcosa che va oltre la superficie, nel profondo del dipinto e dentro noi stessi.

Parlare con le tonalità

I pittori ribelli poi conosciuti come Impressionisti tennero la loro prima mostra in uno studio in affitto a Parigi nel 1874. L’establishment francese, incarnato dal Salon, li aveva respinti, e questa mostra attirò solo ulteriori insulti. Tuttavia, sebbene fraintesi, gli Impressionisti ci donarono innumerevoli doni speciali, non ultimo tra questi una tecnica di pittura con piccoli crescents di colore. Visti da lontano, questi crescents creano in qualche modo una sensazione di colore più vibrante rispetto a quella data da una pittura tradizionale accuratamente miscelata e applicata.

I crescents impressionisti dimostrano la legge del contrasto simultaneo dei colori. Gruppi post-impressionisti come i Fauves e gli Orfisti esplorarono profondamente questo fenomeno. La pittrice Sonia Delaunay coniò il termine “simultanéisme,” descrivendo come certi colori “vibrassero” accanto l’uno all’altro e come colori diversi, mostrati fianco a fianco, esprimano in modo differente rispetto a quando sono mostrati da soli, e intensifichino a vicenda la loro tonalità.

Sonia Delaunay - Rhythm Colour No. 1076, 1939, © Pracusa 2014083

I grandi pittori coloristi

Nel corso della storia dell’astrazione, i pittori hanno continuato ad ampliare il “simultanéisme,” cercando di facilitare esperienze trascendenti attraverso il loro lavoro mediante l’uso del colore. Quando il pittore Hans Hofmann passò all’astrazione pura, creò alcune delle sue opere più cariche di emozione esplorando la ricchezza espressiva delle tonalità contrastanti. Decenni dopo, gli artisti del Color Field svilupparono una prospettiva verso la pittura che si concentrava esclusivamente sul potere rivelatore del colore.

Hans Hofmann - Elysium (dettaglio), 1960, Olio su tela, 84 1/4 x 50 1/4 pollici, Blanton Museum of Art, © 2010 Renate, Hans & Maria Hofmann Trust / Artists Rights Society (ARS), New York

La continua trasformazione del colore

L’esplorazione del linguaggio delle tonalità continua oggi mentre nuove generazioni di artisti cercano modi per sondare il potenziale del colore. Il pittore astratto contemporaneo Matthew Langley sta ampliando le tradizioni degli artisti del color field, estendendo il loro vocabolario in modi sorprendenti. Langley lavora a strati, accumulando campi di colore che evolvono in un amalgama vibrante di tonalità complementari. La sua tecnica intensiva di costruzione e riduzione produce una profondità di strati sottostanti che attira lo sguardo verso l’interno. Il risultato è un’opera che rivela un senso di cicli, decadenza e nuova crescita, e il passare del tempo.

Il pittore Brent Hallard costruisce anch’egli sul linguaggio del colore, creando opere vivacemente colorate su alluminio o carta usando pennarelli, acquerelli e pittura acrilica. Hallard dispone campi monocromatici di colore in configurazioni precise sulle sue superfici sagomate. I campi di colore contrastanti colpiscono simultaneamente l’occhio e calmano il subconscio. Le superfici non pittoriche di Hallard possiedono una piattezza intrinseca, eppure le sue scelte cromatiche e il senso di precisione creano una dimensionalità ottica che attira lo spettatore in uno spazio immaginato di contemplazione.

Matthew Langley - Solaris, 2015, 22 x 28 pollici

Un ritmo visivo

La pittrice colorista contemporanea Ellen Priest crea opere che parlano direttamente al ritmo vibratorio del colore. Priest realizza dipinti ispirati al jazz che si concentrano nel catturare l’esperienza del movimento e della luce. Applicando intuitivamente segni audaci e gestuali sulle sue superfici, popola lo spazio bianco attivo con ampie pennellate di colore contrastante. Le immagini risultanti emanano una sensazione improvvisativa mentre i colori reagiscono l’uno contro l’altro e si fondono insieme. A prima vista, le opere sono attive, quasi nervose. A un’osservazione più attenta, la miscela di tonalità creata dai segni sovrapposti offre uno spazio più pacato in cui la mente può abitare.

Ciò che i pittori coloristi astratti cercano è una maggiore comprensione delle proprietà comunicative del colore. È indiscutibile che il colore parli. Ascoltarlo, comprenderlo e tradurlo attraverso la pittura è l’obiettivo del pittore colorista. Se uno spettatore comprende un’opera colorista dipende in parte dal suo modo di vedere. Una delle stranezze della nostra esperienza umana è che i nostri occhi spesso vedono i colori in modo diverso. Ma questo è in parte ciò che rende i dipinti coloristi così fertili per la contemplazione, poiché ciascuno di noi deve affrontarli individualmente e può connettersi con essi solo dentro di sé.

Immagine in evidenza: Sonia Delaunay - Syncopated Rhythm, detto Il Serpente Nero (dettaglio), 1967, Musée des Beaux-Arts, Nantes, Francia, © Pracusa 2014083

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo