Scopri i Misteri dell'Orfismo nella Pittura

Nel campo dell'arte astratta, misticismo e scienza a volte diventano compagni inconsapevoli. Un esempio è Orfismo, un movimento artistico breve e talvolta frainteso dei primi anni del XX secolo. Le radici artistiche dell'Orfismo si trovano nel Cubismo, Fauvismo e Divisionismo. Le sue radici mistiche sono suggerite dal nome, derivato dal musicista e poeta mitico Orfeo, la cui musica si diceva fosse capace di incantare il diavolo e far danzare persino le pietre. Le credenziali scientifiche dell'Orfismo risalgono agli scritti di Michel Eugène Chevreul, il cui nome è inciso sulla Torre Eiffel, e che fu forse lo scienziato francese meno mistico e più scettico di sempre. In qualche modo, nella confluenza di tutte queste influenze nacque l'Orfismo, che andò poi a influenzare generazioni di artisti astratti a venire.

La nascita dell'Orfismo

Orfismo descrive la pratica di un piccolo gruppo di pittori per lo più europei che dipingevano quadri astratti luminosi e colorati in uno stile quasi cubista tra il 1912 e il 1916 (anche se i fondatori continuarono a lavorare in questo stile per molti decenni). Il movimento fu denominato da Guillaume Apollinaire, il critico d'arte francese che coniò anche i termini Cubismo e Surrealismo. Apollinaire notò che un piccolo numero di pittori stava sviluppando una pratica unica basata in parte sulle teorie cubiste, ma con un'attenzione particolare ai colori vividi e contrastanti e a contenuti sempre più astratti.

Apollinaire chiamò questi pittori Orfisti in riferimento alla reputazione idealizzata che Orfeo gode come artista supremo. La parola era intesa come contrasto all'iper-pragmatico Cubismo Analitico. Apollinaire osservò come gli Orfisti utilizzassero colore, linea e forma allo stesso modo in cui i musicisti usano le note, per creare composizioni astratte capaci di suscitare emozioni.

Ma nonostante il tentativo di Apollinaire di conferire una natura poetica alla provenienza dell'Orfismo, i tre fondatori del movimento erano in realtà rigidamente scientifici nel loro approccio alla pittura. Sebbene influenzati dalle qualità astratte della musica, non cercavano di impegnarsi in nulla di spirituale o magico. Esploravano teorie specifiche riguardanti gli effetti del colore sull'emozione umana.

Sonia Delaunay - Rythme coloré, 1952. Olio su tela. 105,9 × 194,6 cm. © Sonia Delaunay

Separare i colori dagli oggetti

Gli Orfisti erano interessati alle qualità uniche possedute dagli elementi di linea, colore e forma al di là dei fenomeni estetici con cui sono comunemente associati. Furono specificamente ispirati dal lavoro di tre teorici dell'arte, ciascuno dei quali decostruì elementi della pittura per analizzare il potere potenziale dei suoi singoli elementi. Il primo fu Paul Signac, un appassionato seguace del Puntinismo e del suo inventore Georges Seurat. Signac scrisse ampiamente sul Divisionismo, la teoria alla base del Puntinismo, che rivelava che i colori potevano ottenere un effetto maggiore se mescolati nell'occhio dello spettatore piuttosto che sulla tela.

La seconda influenza degli Orfisti fu l'accademico francese Charles Henry, le cui teorie sull'associazione emotiva suggerivano che linea, colore e forma avessero associazioni astratte autonome nella coscienza umana che potevano essere separate dal soggetto oggettivo. Più significativamente, gli Orfisti furono influenzati dalle teorie del colore di Michel Eugène Chevreul, quello scienziato il cui nome è sulla Torre Eiffel, che analizzò gli effetti che diversi colori avevano sugli osservatori umani e tra loro, includendo un effetto chiamato Illusione di Chevreul, la sensazione che appaia una linea luminosa a separare due colori intensi e adiacenti.

Robert Delaunay - Rhythm n°1, 1938. Olio su tela. 529 x 592 cm. Decorazione murale per il Salon des Tuileries. Musée d'Art Moderne de la ville de Paris.

Contrasto simultaneo

Il lavoro più influente di Chevreul fu nel campo di qualcosa chiamato Contrasto simultaneo, che esaminava gli effetti che diversi colori avevano l'uno sull'altro. Lavorando per una ditta di tinture, Chevreul notò che i colori apparivano diversi a seconda dei colori accanto a cui si trovavano. Questo confronto relativo lo spinse a testare varie combinazioni di colori e portò a molte osservazioni sugli effetti psicologici che tali combinazioni avevano sugli osservatori umani.

Questa teoria secondo cui diverse combinazioni di colori potevano produrre reazioni emotive distinte negli osservatori umani ebbe un profondo effetto sugli Orfisti. Essi esplorarono i cosiddetti effetti “vibratori” di varie combinazioni di colori, notando che combinazioni visivamente diverse contribuivano a una sensazione di movimento, portando alcuni a paragonare le loro opere a quelle dei Futuristi, anch'essi profondamente interessati al movimento e alla velocità. Unendo le teorie neo-impressioniste del Divisionismo con il linguaggio visivo geometrico ridotto del Cubismo, e aggiungendo colori vivaci e contrastanti nel tentativo di creare una sensazione di movimento e di sensazione psicologica, gli Orfisti crearono una combinazione estetica unica che presto si evolse in uno dei primi movimenti d'arte puramente astratti.

Franz Kupka - Dischi dinamici, 1931-33. Gouache su carta. 27,9 x 27,9 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York Bequest, Richard S. Zeisler, 2007. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Chi erano gli Orfisti?

I tre pittori a cui si attribuisce la fondazione del movimento furono Franz Kupka, Sonia Delaunay e il marito di Sonia, Robert Delaunay. Questi tre pittori crearono lo stile estetico che è diventato iconico per il movimento e comunicarono con maggior successo la base teorica del loro lavoro. Altri artisti sperimentarono lo stile, tra cui Francis Picabia, Albert Gleizes, Fernand Léger e il pittore astratto americano Patrick Henry Bruce. Ma la maggior parte di questi pittori abbandonò presto la tendenza per altri stili emergenti.

Franz Kupka - Dischi di Newton (Studio per "Fuga in due colori"), 1912. Olio su tela. 100,3 x 73,7 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Franz Kupka

Questo pittore nato nell’Impero Austro-Ungarico iniziò la sua carriera come illustratore di libri. Sebbene fosse associato a gruppi di artisti tra cui i Futuristi, i Cubisti e il Gruppo di Puteaux, evitò qualsiasi collegamento diretto con un movimento o stile. La sua dedizione a comprendere gli effetti e le proprietà oggettive del colore lo portò a creare le proprie ruote dei colori basate su lavori simili precedenti di Isaac Newton. Nel 1912, Kupka dipinse quella che all’epoca era considerata un’opera orfista fondamentale, Fuga in due colori. All’inizio dello stesso anno, in preparazione a quel dipinto, realizzò quello che per molti è diventato un quadro ancora più famoso, Dischi di Newton (Studio per “Fuga in due colori”). Sebbene fosse sulla quarantina, Kupka si offrì volontario per combattere nella Prima guerra mondiale. Dopo la guerra continuò a dipingere, continuando anche a esplorare geometria, colore, forma e linea e le loro capacità astratte di influenzare l’emozione umana.

Sonia Delaunay - Prismes electriques, 1914. Olio su tela. 250 × 250 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Parigi

Sonia Delaunay

Nata Sarah Stern in Ucraina e formata artisticamente in Germania, Sonia Delaunay si trasferì a Parigi per diventare artista nel 1905. Presto sposò il mercante d’arte Wilhelm Uhde e trascorse molto tempo nella sua galleria. Lì conobbe il pittore affermato e di successo Robert Delaunay. Sonia divorziò dal primo marito e sposò Robert Delaunay nel 1909. Insieme svilupparono gli studi radicali di Robert Delaunay sul colore, portando direttamente allo sviluppo dello stile unico che divenne l’Orfismo.

Sonia non fu solo una pittrice prolifica e influente; lavorò anche come stilista nei mondi della moda, del teatro e dell’industria. Continuò a concentrarsi sul potere intrinseco dei colori e delle forme geometriche di influenzare la percezione umana e comunicare verità astratte per tutta la sua carriera. Nel 1964, Sonia ebbe una retrospettiva delle sue opere al Louvre, diventando la prima artista donna vivente a ricevere tale onore.

Sonia Delaunay - Illustrazione di moda, 1925. Acquerello e matita su carta. 38 x 55,6 cm.

Robert Delaunay

Ricercatore appassionato, teorico perspicace e pittore talentuoso, Robert Delaunay si interessò al colore fin dalle prime fasi del suo sviluppo. A soli 19 anni, Delaunay esponeva già opere mature. I suoi dipinti di quel periodo erano ispirati alla teoria divisionista e furono tra le opere derise dal critico d’arte francese Louis Vauxcelles come composte da “piccoli cubi” di colore, commento che portò alla coniazione del termine Cubismo.

Delaunay non si associò mai a uno stile pittorico particolare e resistette alla definizione di Orfista per tutta la sua carriera. Tuttavia, interagì personalmente e professionalmente con molti artisti legati al Cubismo e a vari movimenti astratti contemporanei. Il suo interesse fu sempre concentrato sul colore. Anche quando dipingeva opere nello stile Cubista Analitico, i suoi colori vibranti erano in contrasto con quelli degli altri pittori che lavoravano con idee simili all’epoca.

Robert Delaunay - Paysage au disque, 1907. Olio su tela. 55 x 46 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centre Georges Pompidou, Parigi

L’eredità dell’Orfismo

Questi visionari credevano nel potere del colore di esprimere emozioni e sensazioni indipendentemente dalle associazioni con forme rappresentative. Erano sperimentatori e credenti nell’astrazione pura come modo di comunicare gli aspetti più profondi dell’esperienza umana. Come altre figure di spicco dei primi del Novecento, come Picasso e Kandinsky, Kupka e i Delaunay aprirono nuove strade creando una pratica che contribuì efficacemente a introdurre l’astrazione pura nel mondo. L’Orfismo fu di breve durata per la maggior parte degli artisti, ma questi tre fondatori lo praticarono fino alla loro morte. Aiutarono a ispirare altri movimenti come l’Astrazione Lirica e Geometrica, e sono ancora considerati fonte d’ispirazione per molti artisti astratti oggi.

Immagine in evidenza: Robert Delaunay - La ville de Paris, 1911. Olio su tela. 47,05 x 67,8 pollici. The Toledo Museum of Art
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio