Cubismo di Sonia Delaunay e l'Esplorazione del Colore

Molto si potrebbe, e si è scritto, sui successi professionali di Sonia Delaunay. È stata una delle artiste più influenti del XX secolo. Nei suoi vent'anni, il suo approccio visionario all'astrazione la portò a diventare una delle prime artiste moderniste. Nei suoi trent'anni, trasformò la sua pratica artistica nella manifestazione di un Gesamtkunstwerk, o opera d'arte totale, dimostrando l'ideale del Bauhaus due anni prima che il Bauhaus esistesse. Creò un corpo unico e influente di dipinti nel corso della sua vita, lavorando continuamente fino a poco prima della sua morte a 94 anni. E oltre alla pittura, lavorò anche nella moda, nel teatro, nel cinema, nell'editoria e si impegnò in ogni genere di attività di design. All'età di 79 anni, divenne solo la seconda artista vivente a avere una mostra retrospettiva al Louvre, e la prima artista donna a raggiungere tale traguardo. Si potrebbe anche facilmente sostenere che Sonia Delaunay sia stata la prima artista a trasformare efficacemente la sua persona in un marchio, nel contesto contemporaneo della parola. Tuttavia, concentrarsi esclusivamente su questi successi esterni implicherebbe che fosse il suo obiettivo fin dall'inizio raggiungere tali cose. Ma in realtà, Delaunay non intendeva affatto questo. I suoi unici obiettivi erano, con sincerità, esplorare il colore, la forma e la composizione, e rivelare al resto del mondo attraverso la sua arte l'essenza sconosciuta di ciò che cercava dentro di sé.

Diventare Sonia Delaunay

La storia della vita giovanile di Sonia Delaunay potrebbe risuonare con qualsiasi genitore. Quanto è facile creare, o non cogliere un'opportunità, e come il più piccolo cambiamento nelle circostanze possa influenzare profondamente le possibilità di un bambino di avere successo. Sonia Delaunay nacque Sarah Ilinitchna Stern in una famiglia della classe lavoratrice in quella che oggi è l'Ucraina. Le sue opportunità nella sua città natale erano gravemente limitate, ma aveva uno zio e un'aunt ricchi a San Pietroburgo di nome Henri e Anna Terk. I Terk non potevano avere figli propri e chiesero di adottare Sarah dai suoi genitori in difficoltà. Sua madre inizialmente resistette. Ma quando Sarah aveva cinque anni, sua madre alla fine cedette e le permise di trasferirsi a San Pietroburgo per sempre per vivere con suo zio e sua zia.

Una volta arrivata a San Pietroburgo, Sarah cambiò il suo nome in Sonia Terk. Insieme al suo nuovo nome arrivò un nuovo insieme di esperienze e possibilità molto più diverse. La vita con sua zia e suo zio includeva viaggi nel mondo, la migliore istruzione e visite regolari a musei e biblioteche. Poteva sfogliare libri d'arte a casa e partecipare a discussioni intellettuali su una varietà di argomenti. All'età di 16 anni aveva sviluppato un interesse per diventare un'artista. I Terk incoraggiarono il suo interesse e, all'età di 18 anni, la mandarono in Germania per studiare arte. Due anni dopo, nel 1905, si trasferì di nuovo, questa volta a Parigi, l'epicentro dell'arte d'avanguardia in Europa.

Un libro del poeta modernista Blaise Cendrars, rilegato e illustrato da Sonia Delaunay nel 1913

Alla scoperta del colore

A Parigi, Sonia Delaunay continuò a studiare arte a scuola, ma l'esperienza che ebbe con i suoi insegnanti era troppo accademica e formale per il suo temperamento. Scoprì di ricevere molta più ispirazione nelle gallerie, che mostravano opere di artisti europei sperimentali come i Post-Impressionisti. Era arrivata a Parigi nel momento perfetto. Si trovò nel cuore della comunità avanguardista all'alba del Cubismo, quando i piani geometrici furono adottati per la prima volta nel tentativo di trasmettere una realtà quadridimensionale. E c'era quando il Manifesto Futurista fu stampato per la prima volta sui giornali francesi, portando l'idea di movimento al centro della conversazione artistica. E i Fauves, che erano al culmine della loro influenza quando arrivò in città, la ispirarono profondamente. Fu visceralmente colpita dal modo in cui i suoi occhi percepivano, e le sue emozioni vivevano, le relazioni tra i loro colori brillanti e luminosi.

I primi dipinti che Sonia Delaunay realizzò dopo essere arrivata a Parigi esploravano molte delle idee di questi altri movimenti in modo figurativo. Ma stava cercando qualcos'altro. In particolare, voleva un modo per esplorare l'elemento del colore per il suo stesso merito. Ma voleva anche essere intuitiva e libera. Aveva poco interesse per le teorie accademiche scambiate dai suoi contemporanei, che pensava fossero, “Troppo sofisticate. Sono più vicina alla natura e alla vita,” spiegò una volta, verso la fine della sua vita. “Stavo cercando qualcosa dentro di me e poco a poco è diventata pittura astratta.”

Sonia Delaunay - Nudo Giallo, 1908. Museo delle Belle Arti di Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Trovare l'astrazione

La svolta che portò finalmente Sonia Delaunay ad abbracciare completamente la pittura non oggettiva arrivò in un modo del tutto inaspettato. Come la sua partenza dalla sua città natale per San Pietroburgo, nacque da una scelta audace che fece per creare il proprio destino. Quando arrivò per la prima volta a Parigi, fece amicizia con un gallerista e scrittore di nome Wilhelm Uhde, che mostrava i principali artisti d'avanguardia. Lei e lui erano anime affini, come disse, “entrambi alla ricerca di qualcosa di astratto.” Si sposarono, non per un'attrazione romantica, ma perché l'accordo forniva vantaggi pratici per entrambi. Per Sonia, la liberò dalla pressione che riceveva da sua madre biologica di rinunciare alla sua carriera di artista.

Poi, una notte nella galleria, meno di un anno dopo, Sonia incontrò un giovane artista appassionato e con opinioni forti di nome Robert Delaunay. I due ebbero un'immediata connessione e si innamorarono. Sonia chiese a Uhde il divorzio, che lui concesse amichevolmente, e l'anno successivo sposò Robert. Quando i due ebbero il loro primo figlio, Sonia realizzò a mano una coperta per il bambino utilizzando tecniche basate sulle tradizioni dell'arte popolare russa della sua terra. Quando la coperta fu completata, vide in essa l'ispirazione che stava cercando. Le forme le ricordavano i piani cubisti, ma le relazioni cromatiche tra le forme davano vita all'intera composizione. Quella coperta che Sonia Delaunay realizzò per istinto per il suo bambino divenne la base di tutto il suo futuro lavoro astratto.

Il quilt che Sonia Delaunay realizzò per il suo bambino nel 1911, ora parte della collezione del Museo Nazionale d'Arte Moderna di Parigi, Francia.

Cubismo orfico

"La sera a Parigi, Sonia Delaunay e suo marito Robert Delaunay passeggiavano insieme per la città e parlavano d'arte. Durante le loro passeggiate si meravigliavano delle luci elettriche che stavano appena iniziando a essere installate. Discutevano dei modi in cui i colori della città erano influenzati dalla luce sintetica e si deliziavano delle forme e dei motivi creati dalla luce. Quando tornavano a casa dalle loro passeggiate, ciascuno si sforzava di catturare su tela la propria esperienza, usando il linguaggio del colore e della forma astratti ispirati dal quilt che Sonia aveva realizzato."

Hanno chiamato il loro approccio visivo unico simultanéisme. La parola era un riferimento alla relazione tra colori e forme, e all'esistenza simultanea di più realtà nelle loro composizioni. Quando Sonia e Robert esposero questi dipinti, il loro amico, il critico d'arte Guillaume Apollinaire, battezzò il loro nuovo stile Cubismo Orfico, o Orfismo. Anche se il riferimento non è mai stato chiarito perfettamente, il termine si riferisce al mitico musicista e poeta greco Orfeo, la cui leggendaria musica si supponeva avesse la capacità di incantare tutte le creature e le cose.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olio su tela. 182 x 149 cm. Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi, Francia

La Poesia dei Colori

Sebbene il riferimento a Orfeo sembri appropriato per l'opera di Sonia Delaunay, il confronto con il Cubismo è errato. Il Cubismo era tanto accademico quanto estetico. Mentre Robert Delaunay era un appassionato teorico e analista, Sonia preferiva lavorare in modo intuitivo e mettere l'accento sull'esplorazione e sulla sperimentazione. Riguardo a quella dicotomia, una volta disse: “Parlava, ma io realizzai.” Anche se Sonia usava un linguaggio di forme simile a quello dei Cubisti, non aveva obiettivi intellettuali in comune con loro. Le sue forme erano solo contenitori per il colore. “Se ci sono forme geometriche,” spiegò una volta, parlando alla Sorbona, “è perché questi elementi semplici e gestibili sono apparsi adatti per la distribuzione dei colori le cui relazioni costituiscono il vero oggetto della nostra ricerca.”

Sonia spesso paragonava la pittura alla poesia. Sonia Delaunay si vedeva come una persona che cercava combinazioni di colori in grado di evocare una moltitudine di possibili interpretazioni e creare significati simultanei. Era del tutto naturale per lei espandere le sue attività artistiche nel mondo del design poiché, come lo viveva, non c'era separazione tra arte e vita. Che le sue composizioni si trovassero sul lato di un'auto, su un cappotto di pelliccia, su un costume per uno spettacolo o sulla superficie di una tela, non vedeva differenza. Credeva che, “i colori sono parole, le loro relazioni ritmi,” e che in qualunque modo scegliesse di unirli diventavano, attraverso il suo impegno, “una poesia compiuta.”

Sonia Delaunay - Grande Elica Rossa, ca. 1970. Litografia. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 in.)

Immagine in evidenza: Sonia Delaunay - Ritmo sincopato, così detto Il Serpente Nero (dettaglio), 1967
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park