Cubismo di Sonia Delaunay e l'Esplorazione del Colore

Molto si potrebbe dire, e si è detto, sui successi professionali di Sonia Delaunay. Fu una delle artiste più influenti del XX secolo. Nei suoi vent’anni, il suo approccio visionario all’astrazione la portò a diventare una delle prime artiste moderniste. Nei suoi trent’anni, trasformò la sua pratica in studio nella manifestazione di un Gesamtkunstwerk, o opera d’arte totale, dimostrando l’ideale Bauhaus due anni prima che il Bauhaus esistesse. Creò un corpus unico e influente di dipinti nel corso della sua vita, lavorando continuamente fino a poco prima della sua morte a 94 anni. E oltre alla pittura, lavorò anche nella moda, nel teatro, nel cinema, nell’editoria e si dedicò a ogni tipo di attività di disegno. A 79 anni, divenne solo la seconda artista vivente ad avere una mostra retrospettiva al Louvre, e la prima donna artista a raggiungere questo traguardo. Si potrebbe persino sostenere facilmente che Sonia Delaunay fu la prima artista a trasformare efficacemente la propria persona in un marchio, nel contesto contemporaneo della parola. Tuttavia, concentrarsi esclusivamente su questi successi esterni implicherebbe che fosse sempre stato il suo obiettivo raggiungerli. Ma in realtà, Delaunay non intendeva nulla di tutto ciò. I suoi unici scopi erano sinceri: esplorare il colore, la forma e la composizione, e rivelare al resto del mondo attraverso la sua arte l’essenza sconosciuta di ciò che cercava dentro di sé.

Diventare Sonia Delaunay

La storia della prima vita di Sonia Delaunay potrebbe risuonare con ogni genitore. Quanto è facile creare, o non cogliere un’opportunità, e come il più piccolo cambiamento nelle circostanze possa influenzare profondamente le possibilità di successo di un bambino. Sonia Delaunay nacque Sarah Ilinitchna Stern in una famiglia operaia in quella che oggi è l’Ucraina. Le sue opportunità nella sua città natale erano molto limitate, ma aveva uno zio e una zia benestanti a San Pietroburgo, di nome Henri e Anna Terk. I Terk non potevano avere figli propri e chiesero di adottare Sarah dai suoi genitori in difficoltà. Sua madre inizialmente si oppose. Ma quando Sarah aveva cinque anni, sua madre alla fine cedette e le permise di trasferirsi definitivamente a San Pietroburgo per vivere con lo zio e la zia.

Una volta arrivata a San Pietroburgo, Sarah cambiò nome in Sonia Terk. Con il nuovo nome arrivarono nuove esperienze e possibilità molto più varie. La vita con zia e zio comprendeva viaggi nel mondo, la migliore istruzione e visite regolari a musei e biblioteche. Poteva sfogliare libri d’arte a casa e partecipare a discussioni intellettuali su vari argomenti. A 16 anni sviluppò l’interesse a diventare artista. I Terk incoraggiarono il suo interesse e a 18 anni la mandarono in Germania a studiare arte. Due anni dopo, nel 1905, si trasferì di nuovo, questa volta a Parigi, epicentro dell’arte d’avanguardia in Europa.

Un libro del poeta modernista Blaise Cendrars, rilegato e illustrato da Sonia Delaunay nel 1913

Scoprire il Colore

A Parigi, Sonia Delaunay continuò a studiare arte a scuola, ma l’esperienza con i suoi insegnanti era troppo accademica e formale per la sua indole. Scoprì di ricevere molta più ispirazione nelle gallerie, che mostravano opere di artisti europei sperimentali come i Postimpressionisti. Era arrivata a Parigi nel momento perfetto. Si trovava nel cuore della comunità d’avanguardia all’alba del Cubismo, quando i piani geometrici furono adottati per la prima volta nel tentativo di trasmettere la realtà quadridimensionale. E c’era quando il Manifesto Futurista fu stampato per la prima volta sui giornali francesi, portando l’idea del movimento al centro della conversazione artistica. E i Fauves, che erano al culmine della loro influenza quando arrivò in città, la ispirarono profondamente. Fu visceralmente colpita dal modo in cui i suoi occhi percepivano, e le sue emozioni sperimentavano, le relazioni tra i loro colori brillanti e luminosi.

I primi dipinti che Sonia Delaunay realizzò dopo essere arrivata a Parigi esploravano molte delle idee di questi altri movimenti in modo figurativo. Ma lei cercava qualcos’altro. In particolare, voleva un modo per esplorare l’elemento colore per il suo stesso valore. Ma voleva anche essere intuitiva e libera. Aveva poco interesse per le teorie accademiche scambiate dai suoi contemporanei, che riteneva, “Troppo sofisticate. Sono più vicina alla natura e alla vita,” spiegò una volta, verso la fine della sua vita. “Cercavo qualcosa dentro di me e poco a poco divenne pittura astratta.”

Sonia Delaunay - Nudo Giallo, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Trovare l’Astrazione

La svolta che portò finalmente Sonia Delaunay ad abbracciare pienamente la pittura non oggettiva arrivò in modo del tutto inaspettato. Come la sua partenza dalla città natale per San Pietroburgo, nacque da una scelta audace che fece per creare il proprio destino. Quando arrivò a Parigi, aveva fatto amicizia con un gallerista e scrittore di nome Wilhelm Uhde, che esponeva i principali artisti d’avanguardia. Lei e lui erano spiriti affini, come disse, “entrambi alla ricerca di qualcosa di astratto.” Si sposarono, non per attrazione romantica, ma perché l’accordo offriva benefici pratici a entrambi. Per Sonia, la liberò dalla pressione che riceveva dalla madre di rinunciare alla carriera artistica.

Poi una sera, meno di un anno dopo, nella galleria Sonia incontrò un giovane artista appassionato e deciso di nome Robert Delaunay. I due ebbero un’immediata intesa e si innamorarono. Sonia chiese il divorzio da Uhde, che concesse amichevolmente, e l’anno successivo sposò Robert. Quando ebbero il loro primo figlio, Sonia cucì a mano per il bambino una coperta usando tecniche basate sulle tradizioni dell’arte popolare russa della sua terra. Quando la coperta fu finita, vi vide l’ispirazione che cercava. Le forme le ricordavano i piani cubisti, ma le relazioni cromatiche tra le forme davano vita all’intera composizione. Quella coperta che Sonia Delaunay fece d’istinto per il suo bambino divenne la base di tutto il suo futuro lavoro astratto.

La coperta che Sonia Delaunay fece per il suo bambino nel 1911, ora parte della collezione del Museo Nazionale d’Arte Moderna di Parigi, Francia

Cubismo Orfico

La sera a Parigi, Sonia Delaunay e suo marito Robert Delaunay passeggiavano insieme per la città e parlavano d’arte. Durante le loro passeggiate ammiravano le luci elettriche che stavano appena iniziando a essere installate. Discutevano di come i colori della città fossero influenzati dalla luce artificiale e si deliziavano delle forme e dei motivi creati dalla luce. Quando tornavano a casa dalle passeggiate, ciascuno cercava di catturare sulla tela la propria esperienza, usando il linguaggio del colore e della forma astratti ispirato alla coperta che Sonia aveva fatto.

Cubismo Orfico, o Orfismo. Sebbene il riferimento non fosse mai stato chiarito del tutto, il termine si riferisce al mitico musicista e poeta greco Orfeo, la cui leggendaria musica si diceva avesse il potere di incantare tutte le creature e le cose.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olio su tela. 182 x 149 cm. Museo Nazionale d’Arte Moderna, Parigi, Francia

La Poesia dei Colori

Sebbene il riferimento a Orfeo sembri appropriato all’opera di Sonia Delaunay, il paragone con il Cubismo è errato. Il Cubismo era tanto accademico quanto estetico. Mentre Robert Delaunay era un appassionato teorico e analista, Sonia preferiva lavorare in modo intuitivo e mettere l’accento sull’esplorazione e la sperimentazione. A proposito di questa dicotomia, disse una volta, “Lui parlava, ma io realizzavo.” Anche se Sonia usava un linguaggio di forme simile a quello dei cubisti, non aveva obiettivi intellettuali in comune con loro. Le sue forme erano solo contenitori per il colore. “Se ci sono forme geometriche,” spiegò una volta, parlando alla Sorbona, “è perché questi elementi semplici e maneggevoli sono apparsi adatti alla distribuzione dei colori le cui relazioni costituiscono il vero oggetto della nostra ricerca.”

Sonia spesso paragonava la pittura alla poesia. Si vedeva come colei che cercava combinazioni di colori capaci di evocare molteplici possibili interpretazioni e creare significati simultanei. Era naturale per lei espandere le sue attività artistiche nel mondo del disegno poiché, come lo viveva, non c’era separazione tra arte e vita. Che le sue composizioni fossero sul fianco di un’auto, su un cappotto di pelliccia, su un costume per una rappresentazione teatrale o sulla superficie di una tela, non vedeva differenza. Credeva che, “i colori sono parole, le loro relazioni ritmi,” e che in qualunque modo scegliesse di unirli diventassero, attraverso il suo impegno, “una poesia compiuta.”

Sonia Delaunay - Grande Elica Rossa, ca. 1970. Litografia. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 pollici)

Immagine in evidenza: Sonia Delaunay - Ritmo sincopato, cosiddetto Il Serpente Nero (dettaglio), 1967
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio