Robert Delaunay e il suo approccio al colore

Cosa significa dire che un dipinto è “realistico”? La realtà è un argomento controverso. È puramente soggettiva, dopotutto. Ciò che si considera reale si basa su una combinazione di ciò che si percepisce, ciò che si comprende e ciò che si può immaginare. Nel 1912, il pittore Robert Delaunay pubblicò un saggio nella rivista tedesca Der Sturm intitolato, “Note sulla costruzione della realtà nella pittura pura.” Il saggio era un tentativo di riassumere i precedenti 60 anni di ricerca artistica, dall’inizio dell’Impressionismo, sul tema di come rappresentare al meglio la realtà nell’arte. Delaunay descrisse il lavoro dei suoi predecessori come scientifico e analitico, scomponendo la pittura nei suoi elementi per arrivare all’essenza della realtà dipinta. Scrisse che gli artisti dovrebbero sforzarsi solo di creare ciò che è bello e che la realtà è l’unica cosa veramente bella. Ma la realtà, secondo Delaunay, non significava imitazione. Piuttosto, egli supponeva che l’elemento più basilare e bello della realtà fosse il colore, poiché la natura, attraverso la luce, trasmette la bellezza del mondo agli occhi tramite il colore, e che “sono i nostri occhi a trasmettere le sensazioni percepite in natura alla nostra anima.”

Il colore è realtà

Una delle cose che Robert Delaunay amava dire di sé era che prima di lui i pittori usavano il colore solo per colorare. Credeva di essere stato il primo pittore a usare il colore come soggetto in sé. Riconosceva il merito agli Impressionisti, perché furono loro a identificare l’importanza della luce. Ma essi usavano ancora le qualità della luce solo per copiare immagini del mondo visibile oggettivamente. Tuttavia almeno riconobbero che un’immagine è composta da molte parti diverse, e che è la percezione di queste parti a creare un senso di ciò che è la realtà. La percezione avviene non sulla tela, ma nel cervello.

Il puntinismo fu il primo, e più profondo, stile pittorico a esaminare davvero il fatto che la percezione avviene nel cervello. Conosciuto anche come divisionismo, utilizzava piccoli blocchi di colore posti uno accanto all’altro sulla tela per trasmettere la sensazione di un colore mescolato piuttosto che mescolare i colori insieme prima. Il cervello poi combinava i colori per completare l’immagine. Questa consapevolezza, che gli occhi e il cervello potessero completare un’immagine altrimenti incompleta, divenne un principio fondante dell’avanguardia di fine Ottocento e inizio Novecento. Ispirò la pittura futurista, il Cubismo, l’Orfismo e innumerevoli altri stili e movimenti successivi.

Il colore come soggetto

Robert Delaunay fu affascinato dal pensiero divisionista. Questo lo spinse a riflettere sul rapporto che i colori hanno tra loro quando posti uno accanto all’altro sulla tela, indipendentemente dall’immagine che stavano creando. Ingrandì i blocchi di colore oltre quanto avevano fatto i puntinisti, creando effetti visivi molto più marcati e astratti. Usò questa tecnica per realizzare una serie di ritratti del suo amico e collega pittore astratto Jean Metzinger.

Nei dipinti di Metzinger di Delaunay, possiamo vedere blocchi di colore che creano profondità e senso di movimento oltre a formare semplicemente un’immagine. Attraverso i suoi dipinti divisionisti, Delaunay comprese che il colore poteva trasmettere forma, profondità, luce e persino emozione. Indipendentemente dagli elementi figurativi di un’immagine, il colore poteva, da solo, trasmettere qualsiasi verità o realtà che un pittore sperava di esprimere.

Robert Delaunay Rythme n°1, decorazione per il Salon des Tuileries, 1938, olio su tela, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Colore e piano

Mentre Delaunay faceva le sue scoperte sulla realtà dipinta, i Cubisti, guidati da Pablo Picasso, stavano sperimentando in un ambito simile. Tentavano di trasmettere la realtà quadridimensionale e il passare del tempo. Il loro metodo era dividere il mondo in piani spaziali e poi usare quei piani per esprimere una moltitudine di punti di vista simultanei su un unico soggetto.

Delaunay non era interessato alla prospettiva. Credeva che solo attraverso il colore si potesse esprimere il movimento o qualsiasi altro fenomeno. Tuttavia Delaunay era comunque incuriosito dall’idea cubista dei piani spaziali. Aveva notato che quando la luce colpisce gli oggetti, le varie tonalità che appaiono sono determinate dalla geometria dei loro piani spaziali. Poiché i piani e la geometria hanno un effetto così diretto sul colore, prese in prestito il linguaggio estetico del piano spezzato dai Cubisti e lo applicò ai suoi dipinti, creando un nuovo approccio estetico astratto che era in parte divisionista e in parte cubista. Usò questo stile in modo più famoso in una serie di dipinti che ritraevano ciò che credeva fosse il simbolo supremo dell’età moderna: la Torre Eiffel.

Robert Delaunay - Torre Eiffel, 1911 (datato 1910 dall’artista). Olio su tela. 79 1/2 x 54 1/2 pollici (202 x 138,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Collezione Fondante Solomon R. Guggenheim, Dono. 37.463

Colore e contrasto

Una delle scoperte successive di Delaunay riguardava il contrasto. Si rese conto che i colori potevano completarsi a vicenda in modo da creare reazioni emotive nella mente dello spettatore. Cominciò a eliminare soggetto, profondità, luce e tutti gli altri fattori, concentrandosi esclusivamente sul contrasto cromatico per il suo valore intrinseco. Scoprì che colori contrastanti diversi creavano effetti emotivi differenti. Alcuni colori contrastavano in modo che sembrava leggero o gioioso. Altri contrastavano in modo che sembrava pesante o malinconico.

Scoprì anche che alcuni colori, messi uno accanto all’altro, creavano in realtà una sensazione di movimento. Gli osservatori li percepivano come tremolanti, vibranti o addirittura come se cambiassero tonalità più a lungo li guardavano. Delaunay chiamò questa sensazione Simultaneità. Nel suo dipinto del 1914 Omaggio a Bleriot, usò la teoria della Simultaneità per trasmettere ciò che credeva fosse lo stato essenziale della modernità, il movimento, rappresentato quasi interamente dal colore e da una forma puramente astratta.

Robert Delaunay - Omaggio a Bleriot, 1914, olio su tela, 1,94 x 1,28 m. Kunstmuseum Basel, Basilea, Svizzera

L’eredità di Robert Delaunay

La storia era importante per Delaunay, e secondo chi lo conosceva era ben consapevole del suo posto in essa. Amava sottolineare chi, o cosa, fosse stato il primo. Scrisse che, “I primi dipinti erano semplicemente una linea che circondava l’ombra di un uomo proiettata dal sole sulla superficie della terra.” Lodò il pittore Seurat, fondatore del puntinismo, per aver mostrato per primo l’importanza dei colori complementari. Ma poi criticò Seurat per il suo risultato incompleto, affermando che il puntinismo era “solo una tecnica.” Delaunay sostenne che fu lui stesso a usare per primo la teoria dei colori complementari per arrivare a un’espressione pura della bellezza.

In effetti, dopo aver letto gli scritti di Delaunay sul colore è chiaro che egli è responsabile di molti pensieri originali sulle qualità formali della pittura. Lui e sua moglie Sonia sono accreditati per aver inventato l’Orfismo, uno degli stili astratti più influenti emersi prima della Prima Guerra Mondiale. Ma senza togliere nulla a Delaunay, il fatto che si dia tanta attenzione al colore solleva una domanda: il colore può davvero essere l’espressione più pura della realtà nella natura? Può essere l’unico modo per trasferire la bellezza alle nostre anime? Deve essere scoraggiante per una persona cieca, o daltonica, sentire tali affermazioni. Forse il pensiero di Delaunay sul colore non è la fine della storia. Forse ciò che è più importante nel suo lavoro è che pose le domande che molti amanti dell’arte astratta si pongono ancora oggi: cos’è la realtà? cos’è la bellezza? qual è il modo migliore per comunicarle affinché tocchino l’anima umana?

Immagine in evidenza: Robert Delaunay - Ritratto di Jean Metzinger, 1906, olio su tela, 55 x 43 cm. Collezione privata
Di Phillip Barcio