"La Chiocciola di Henri Matisse e le Qualità Chiave dell'Arte Astratta"

“La Lumaca” (1953) fu completata l’anno prima della morte di Matisse. È considerata la sua ultima grande “découpage,” e anche un capolavoro. Per Matisse, però, che era instancabile nella sua produzione prolifica, forse era solo un’altra opera, qualcosa che dimenticava non appena l’aveva finita per poter passare al pezzo successivo. Eppure per chi ha visto “La Lumaca” dal vivo, è un’immagine inquietante, persino indimenticabile, che esemplifica l’apice dell’astrazione modernista. L’opera misura circa tre metri per lato, il doppio dell’altezza della maggior parte degli spettatori. È composta da forme colorate incollate su uno sfondo bianco. Ogni forma è ritagliata da un foglio di carta colorata a gouache. Le forme sono disposte in una spirale libera — un’espressione della conchiglia di una lumaca. Matisse diede all’opera anche un secondo titolo: “La Composition Chromatique,” o “La Composizione Cromatica.” Questo secondo titolo cela un mistero. La maggior parte degli scrittori presume che Matisse intendesse un riferimento ai colori. Dopotutto, scelse tonalità perfettamente complementari per l’opera, creando una composizione visiva vibrante e gioiosa. Tuttavia, mentre la parola cromatica è infatti spesso usata per indicare qualcosa che riguarda il colore, ha anche una connotazione musicale — come anche la parola composizione. In musica, una scala cromatica include tutte le 12 note che si possono suonare su un pianoforte standard. È una scala completa e comprensiva. Guardando “La Lumaca,” molti spettatori percepiscono la presenza di 12 tonalità. Potrebbe Matisse aver fatto riferimento sia alla musica che al colore con questo titolo secondario? Una cosa è certa: assegnando entrambi i titoli a quest’opera, Matisse le conferì qualità sia figurative che astratte, aggiungendo ricchi strati ricchi di interpretazioni, rendendo “La Lumaca” un’opera ideale per studiare le qualità chiave dell’arte astratta.

Lo Srotolamento

“La Lumaca” fu acquistata dalla Tate di Londra nel 1962. Quattordici anni dopo, il museo ricevette una lettera da Mme Lydia Delectorskaya, una russa esiliata che fu modella, assistente di studio e manager della carriera di Matisse negli ultimi anni. La lettera descrive la creazione de “La Lumaca.” Riporta Matisse: “Prima di tutto disegnai la lumaca dal vero, tenendola in mano. Mi resi conto di uno srotolamento, trovai un’immagine nella mia mente purificata dal guscio, poi presi le forbici.” In questa semplice frase c’è una sintesi poetica dell’intera carriera di Matisse. Egli lavorò prima di tutto dalla natura, dipingendo immagini figurative. La sua imitazione della natura poi si dipanò mentre esplorava le qualità astratte dinamiche del colore. Semplificò, riducendo il suo lavoro a immagini purificate come “La Danza II” (1932), un murale nella Barnes Foundation in Pennsylvania, o “Nudo Sdraiato” (1935), per il quale Mme Delectorskaya posò come modella. Infine, “prese le forbici,” trasformando il suo metodo di lavoro dopo aver scoperto di non poter più dipingere a causa di complicazioni da un intervento chirurgico per un cancro duodenale.

Quella frase, “prese le forbici,” si riferisce alla tecnica del collage découpage che Matisse sviluppò mentre era infermo. Costretto sulla sedia a rotelle, prescriveva ai suoi assistenti i colori esatti che voleva usare, i quali poi dipingevano pezzi di carta in quei colori a gouache. Matisse ritagliava la carta con le forbici, modellandola secondo la sua immaginazione. Guidava i suoi assistenti nella creazione di composizioni precise su pannelli appesi al muro. Questa evoluzione, dalla pittura ai découpage, nacque dalla necessità, ma fu anche un gesto perfetto del Modernismo, poiché eliminava le falsità del disegnare forme e poi dipingerle, permettendo un processo più onesto in cui metodo, mezzo e materiale diventavano uno. “La Lumaca” è inoltre considerata una dichiarazione modernista particolarmente profonda perché il motivo a spirale sulla conchiglia della lumaca, ciò che Matisse chiamava “lo srotolamento,” fa riferimento al Rapporto Aureo, una strategia compositiva frequentemente usata nell’arte astratta primitiva che è considerata un’espressione di armonia universale nella natura.

Colore e Musica

Assegnando a “La Lumaca” il titolo aggiuntivo di “La Composition Chromatique,” Matisse aprì la porta affinché l’opera fosse considerata non solo secondo le sue qualità narrative e rappresentative, ma anche secondo i suoi termini puramente formali ed estetici. Questa scelta fu un riconoscimento da parte dell’artista del fatto che accettava i modi in cui la sua opera poteva essere interpretata in entrambi i modi dagli spettatori. Fu percepita in entrambi i modi da lui, e chiaramente voleva che anche noi aprissimo la mente a entrambi i punti di vista. Visto semplicemente come un assemblaggio concreto e formale di colori e forme, l’opera dichiara una gamma di qualità emotive e fisiche, come giubilo, energia e movimento. La piattezza dell’immagine compete in modi sottili con gli aspetti dimensionali dei fogli sovrapposti. Le tonalità scure e chiare creano illusioni di profondità.

Per coloro, invece, che desiderano contemplare le qualità musicali di “La Composition Chromatique,” è un piacere osservare più a fondo le varie tonalità presenti nell’opera. Quante sfumature di arancione ci sono? Quante sfumature di verde? Ci sono 11 forme al centro dell’immagine, più lo sfondo bianco e la cornice arancione, che è essa stessa composta da almeno sette pezzi. A seconda di come il cervello percepisce il colore, potrebbero esserci fino a 19 tonalità diverse. Ma la maggior parte delle persone vede nove tonalità distinte al centro, più il bianco, più due ulteriori tonalità di arancione nella cornice. Queste 12 tonalità si snodano liricamente intorno alla composizione, rendendo omaggio a un’altra grande nozione modernista: che gli elementi visivi astratti sono simili alla musica. Tutte insieme, queste varie modalità di relazione con questo capolavoro costituiscono una lezione magistrale su come interagire con l’arte astratta. Questo découpage è in parte pittura, in parte scultura a rilievo, in parte concreto, in parte lirico, in parte geometrico, in parte figurativo e in parte astratto. È tutte queste cose, e nessuna di queste cose. Nella sua molteplicità incarna il mistero della convinzione che Matisse espresse una volta, che “L’esattezza non è verità.”

Immagine in evidenza: Henri Matisse - La Lumaca, 1953. Gouache su carta, ritagliata e incollata su carta montata su tela. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ in × 108 in). Modern, Londra. © Successione Henri Matisse/DACS 2018
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio