Tre Maestri del Colore Blu nell'Arte Contemporanea

Quando vedi il colore blu, cosa provi? Lo descriveresti come qualcosa di diverso rispetto a ciò che provi quando senti la parola blu, o leggi la parola blu su una pagina? L'informazione comunicata da una tonalità è diversa dall'informazione comunicata dal suo nome? Qualunque cosa tu provi, è possibile che quella sensazione sia universale? O il colore blu significa cose diverse per persone diverse? E gli animali? Associano il colore all'emozione, o usano i loro recettori del colore solo per la sopravvivenza? Queste domande hanno misteriosamente affascinato gli studiosi del colore per secoli, e in alcuni modi non siamo più vicini a rispondere oggi di quanto lo fossimo cento anni fa. Ma un libro recentemente pubblicato da Phaidon Press ci porta un po' più vicino a una comprensione del colore, almeno per quanto riguarda l'arte. Scritto da Stella Paul, ex curatrice al Los Angeles County Museum of Art e ex direttrice del programma al Metropolitan Museum of Art di New York, Chromaphilia: The Story of Color in Art mette in evidenza 240 opere d'arte individuali. Non solo la sua esplorazione esaustiva del colore fa luce su innumerevoli modi in cui dieci categorie di colore distinte sono state utilizzate dagli artisti nel corso della storia, ma esplora anche la gamma di modi in cui il colore si interseca con la scienza, l'emozione, l'estetica e altre aree della cultura umana. Oggi vorremmo dare uno sguardo più approfondito al lavoro di alcuni degli artisti che Paul menziona nel libro per illustrare la gamma e il potere del colore blu: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso e Yves Klein.

Vedere il colore

Una delle cose strane riguardo al colore è quanto spesso due persone possano guardare lo stesso oggetto nello stesso momento e nello stesso luogo eppure affermare che l'oggetto che stanno osservando è di un colore diverso. Ci chiediamo: “Come può essere? Il colore non è oggettivo?” Ma la risposta breve è no. Il colore è spesso soggettivo. La ragione ha a che fare con la scienza dietro a come gli esseri umani vedono il colore. Gli esseri umani (e la maggior parte degli altri animali che vedono il colore) sono tricomati. Ciò significa che i recettori negli occhi umani percepiscono tre lunghezze d'onda di base che corrispondono al colore. Potresti aver sentito parlare del modello di colore RGB utilizzato da alcune stampanti. Le iniziali RGB stanno per Rosso, Verde e Blu. Questo è il modello di colore che corrisponde più da vicino alla visione umana. Ovviamente, rosso, verde e blu non sono gli unici colori che gli occhi umani possono percepire. Infatti, la maggior parte degli esseri umani può percepire fino a sette milioni di tonalità distinte. Ma ciascuna di quelle diverse tonalità viene interpretata nel cervello dopo che gli occhi l'hanno prima percepita come una combinazione di rosso, verde e blu.

Inoltre, il colore che percepiamo in un oggetto non ha a che fare solo con l'oggetto stesso. Sì, potremmo analizzare il materiale di cui è fatto un oggetto e arrivare a una certa comprensione di quale colore quel materiale potrebbe avere in base alla sua composizione chimica. Ma la composizione chimica di una sostanza non è l'unico fattore che influisce sul colore che percepiamo. Il motivo per cui gli esseri umani sono in grado di percepire il colore è a causa della luce. E la luce può anche essere colorata, nel qual caso può alterare il colore che i nostri occhi vedono quando guardano una superficie. Inoltre, un insieme di occhi può essere anche più sensibile, o semplicemente sensibilmente diverso, alla luce rispetto a un altro insieme di occhi, causando così che il modo in cui due cervelli interpretano il colore sia anch'esso diverso. Fondamentalmente, la stessa cosa che ci permette di vedere il colore può anche alterare la nostra percezione del colore. Pertanto, parlare di colore può a volte sembrare soggettivo, e discutere su quale colore abbia qualcosa può sembrare decisamente sciocco.

Helen Frankenthaler - Blu Mobile, 1973, acrilico su tela, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Il colore blu

Tuttavia, le variazioni che le diverse persone vedono quando guardano qualcosa che ha un colore particolare di solito non variano così drammaticamente come, ad esempio, una persona che vede rosso e un'altra che vede blu. Normalmente, la variazione è più sottile, come una persona che vede blu cielo e un'altra che vede acquamarina. Ma ciò che può variare ampiamente è l'insieme di altre cose che i nostri cervelli percepiscono quando guardiamo un colore particolare, oltre alle sue proprietà fisiche. Come osserva la frase di apertura del capitolo sul colore blu in Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Ci sono molti tipi di blu—tutti della stessa tonalità, eppure con permutazioni inesauribili di aspetto, effetto, origine e significato."

L'aspetto lo abbiamo già trattato. Ma il divertimento inizia davvero quando consideriamo “effetto, origine e significato.” Per quanto riguarda l'effetto, una persona può vedere il colore blu e sentirsi calma. Un'altra può diventare triste alla vista di qualcosa di blu. Gran parte di come reagiamo al colore dipende dalle nostre esperienze passate con il colore. L'origine è un'altra considerazione affascinante, poiché ogni variazione del colore blu proviene da una combinazione fondamentalmente diversa di elementi. Le variazioni nei pigmenti della vernice blu possono derivare da diverse combinazioni di leganti e minerali. Le variazioni nella luce blu potrebbero avere a che fare con diverse particelle nell'aria. E per quanto riguarda il significato, è qui che le cose diventano davvero complicate. Ogni individuo, ogni gruppo e ogni cultura sviluppa la propria relazione idiosincratica con il colore blu. Pertanto, quando si utilizza il colore blu in un'opera d'arte, non c'è letteralmente modo di sapere quale tipo di significato verrà percepito quando l'opera d'arte sarà finalmente vista. Per esplorare quanto possano essere selvagge le variazioni nella percezione del blu nell'arte, considera il lavoro dei tre artisti menzionati in Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler e Picasso.

Pablo Picasso - Madre e bambino, 1902, olio su tela

Blu nelle opere di Yves Klein

Quando si parla d'arte del XX secolo e del colore blu, nessun artista salta più rapidamente alla mente di molti di noi di Yves Klein. La leggenda narra che, da giovane, Klein si trovasse in spiaggia con i suoi amici, l'artista Arman e il compositore francese Claude Pascal. I tre divisero il mondo tra di loro. Arman scelse la terra. Pascal scelse i simboli scritti. E Klein scelse il cielo, alzando immediatamente la mano e firmando il suo nome nell'aria. Da quel momento il colore divenne importante per Klein. Una delle sue prime mostre presentava tele monocromatiche dipinte in vari colori puri. Ma quando il pubblico non riuscì a capire cosa stesse cercando di esprimere, si rese conto che avrebbe dovuto semplificare e usare solo un colore per far passare il suo messaggio. Così intraprese un processo di sviluppo della sua tonalità distintiva.

Come spiega Stella Paul in Chromaphiliaa: The Story of Color in Art: “[Klein] lavorò con Edouard Adam, un venditore di colori parigino che consultava chimici della Rhone-Poulenc, per creare un legante sintetico... Il risultato fu Rhodopas M60A, che poteva essere diluito a vari livelli di viscosità con etanolo e acetato di etile. Questo legante preserva la magica luminescenza del pigmento...Klein commissionò la sua vernice sintetica personalizzata utilizzando questo nuovo legante, che brevettò come IKB (International Klein Blue); dal 1957 in poi utilizzò quasi esclusivamente questo pigmento.” Klein utilizzò l'International Klein Blue per realizzare le sue iconiche tele blu monocromatiche e diverse installazioni pubbliche monumentali. Lo usò anche per creare alcune delle sue opere più influenti: pezzi di performance in cui modelli nudi si coprivano di IKB e poi premevano i loro corpi in varie configurazioni contro le tele.

Yves Klein - Antropometria dell'epoca blu, 1960, © Yves Klein Archives

Blu nelle opere di Helen Frankenthaler

L'artista astratta Helen Frankenthaler è stata un'altra maestra, sostenitrice del colore blu nel XX secolo. Frankenthaler è stata l'inventrice di una tecnica di pittura chiamata soak-stain. La tecnica prevede di versare la vernice direttamente sulla superficie di una tela non preparata e non tesa, stesa sul pavimento, e poi lasciare che la vernice si assorba nelle fibre e si diffonda sulla superficie di sua spontanea volontà. Frankenthaler inizialmente eseguiva questa tecnica con colori ad olio, ma presto scoprì che la vernice ad olio degrada rapidamente la tela grezza. Divenne quindi una delle prime sostenitrici dei colori acrilici, che non hanno lo stesso effetto degradante sulla tela. Tuttavia, i colori acrilici hanno qualità vibranti e luminose per quanto riguarda la tonalità. Versando diverse tonalità pure direttamente sulle sue tele, Frankenthaler poteva dirigere i flussi di vernice in modi che esploravano le relazioni cromatiche in modi nuovi, senza interferenze concettuali da elementi come linea, forma, texture o forma.

In Chromaphilia: The Story of Color in Art, Stella Paul presta particolare attenzione al dipinto Mountains and Sea, che Helen Frankenthaler dipinse nel 1952. È considerato il primo canvas che Frankenthaler creò utilizzando la sua tecnica del soak-stain. Paul dice dell'opera: “Dopo essere tornata nel suo studio di New York da un'interruzione in Nova Scotia, Frankenthaler ricordò in seguito di aver interiorizzato il paesaggio canadese, che era diventato radicato non solo nella sua mente ma anche nella sua spalla e nel suo polso. Con quel contesto di mente e corpo, creò un'astrazione lirica e pastorale per evocare un ricordo di un luogo attraverso il colore.” Frankenthaler concepì il processo di versare la vernice come un modo per tradurre qualcosa di interiorizzato nel suo corpo in qualcosa di esternalizzato sulla tela. Il dipinto utilizza quasi interamente tonalità di rosso, verde e blu, con le varie tonalità di blu che spiccano in modo più profondo come una manifestazione astratta, piuttosto che figurativa, del mare.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blu nelle opere di Picasso

Il colore era di fondamentale importanza per Pablo Picasso, specialmente nelle fasi iniziali della sua carriera come artista. Spesso le sue opere di questo periodo sono classificate in base al colore, come nel suo Periodo Rosa e nel suo Periodo Blu. Queste classificazioni hanno ovviamente a che fare con i pigmenti predominanti che stava utilizzando nei suoi dipinti dell'epoca, ma si riferiscono anche alle circostanze della sua vita personale, che si dice abbiano influenzato il soggetto che sceglieva di ritrarre con queste diverse tonalità. Il suo periodo Rosa, ad esempio, si estese approssimativamente dal 1904 al 1906. Coincise con l'inizio della sua relazione con la sua amante Fernande Olivier e il suo trasferimento nell'area di Montmartre a Parigi. Le sue opere del periodo Rosa consistevano in immagini gioiose di cose come arlecchini e circhi. Fu alla fine del suo Periodo Rosa che Picasso dipinse la sua opera seminale, il Les Demoiselles d’Avignon di tonalità rosa, spesso citata come il predecessore del Cubismo.

Il Periodo Blu di Picasso precedette il suo Periodo Rosa, estendendosi approssimativamente dal 1901 al 1904. Fu un periodo della sua vita dominato da una consapevolezza di depressione e tristezza. Picasso una volta dichiarò: “Iniziai a dipingere di blu quando appresi della morte di Casagemas.” La frase si riferisce al suo caro amico Carlos Casagemas, che si sparò alla testa in un caffè a Parigi mentre Picasso era fuori città. Quando Picasso tornò a Parigi, visse e lavorò nello studio di Casagemas, dove iniziò a dipingere composizioni quasi monocromatiche in blu. Come sottolinea Stella Paul in Chromaphilia: The Story of Color in Art, “The pervasive blue of The Old Guitarist is the material expression of something sad, disenfranchised, and marginal. A twilight mood of low spirits is cast over the subject's unnatural blue-tinted flesh, his garments, and the ambient encompassing space. The angular gestures and attenuated limbs and features of this downcast, blind musician reinforce impressions established by the insistent blue color.” Ma come possiamo vedere da questi tre esempi, di Yves Klein, Helen Frankenthaler e Pablo Picasso, il blu non comunica sempre tristezza, non più di quanto non si riferisca sempre al cielo o al mare. La gamma potenziale di tonalità a cui ci riferiamo quando diciamo blu è apparentemente infinita. Allo stesso modo, la gamma potenziale di emozioni, sentimenti, contesti e significati che possiamo estrarre dal colore è altrettanto vasta.

Pablo Picasso - Colazione di un uomo cieco, 1903, olio su tela

Immagine in evidenza: Yves Klein - Monocromo Blu Senza Titolo, 1960, foto © Archivio Yves Klein
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park