Tre Maestri del Colore Blu nell'Arte Contemporanea

Quando vedi il colore blu, cosa provi? Lo descriveresti come qualcosa di diverso da ciò che senti quando ascolti la parola blu o leggi la parola blu su una pagina? L'informazione comunicata da una tonalità è diversa dall'informazione comunicata dal suo nome? Qualunque cosa tu senta, è possibile che quella sensazione sia universale? Oppure il colore blu significa cose diverse per persone diverse? E gli animali? Associano il colore all'emozione o usano i loro recettori del colore solo per sopravvivere? Queste domande hanno affascinato gli studiosi del colore per secoli e, in qualche modo, oggi siamo poco più vicini a rispondere rispetto a cento anni fa. Ma un libro recentemente pubblicato da Phaidon Press ci avvicina un po' di più alla comprensione del colore, almeno per quanto riguarda l'arte. Scritto da Stella Paul, ex curatrice del Los Angeles County Museum of Art e ex direttrice del programma al Metropolitan Museum of Art di New York, Chromaphilia: The Story of Color in Art mette in luce 240 opere d'arte individuali. Non solo la sua esaustiva esplorazione del colore getta nuova luce sulle innumerevoli modalità con cui dieci distinte categorie di colore sono state usate dagli artisti nel corso della storia, ma esplora anche la gamma di modi in cui il colore si intreccia con la scienza, l'emozione, l'estetica e altre aree della cultura umana. Oggi vorremmo esaminare più a fondo il lavoro di alcuni degli artisti menzionati da Paul nel libro per illustrare la varietà e la potenza del colore blu: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso e Yves Klein.

Vedere il Colore

Una delle stranezze del colore è quanto spesso due persone possano guardare lo stesso oggetto nello stesso momento nello stesso luogo e affermare comunque che l'oggetto che stanno guardando ha un colore diverso. Ci chiediamo: “Com'è possibile? Il colore non è oggettivo?” Ma la risposta breve è no. Il colore è spesso soggettivo. La ragione ha a che fare con la scienza dietro il modo in cui gli esseri umani vedono il colore. Gli umani (e la maggior parte degli altri animali che vedono il colore) sono tricromati. Ciò significa che i recettori negli occhi umani percepiscono tre lunghezze d'onda di base che corrispondono al colore. Potresti aver sentito parlare del modello di colore RGB usato da alcune stampanti. Le iniziali RGB stanno per Rosso, Verde e Blu. Questo è il modello di colore che più si avvicina alla visione umana. Ovviamente, rosso, verde e blu non sono gli unici colori che gli occhi umani possono percepire. Infatti, la maggior parte degli umani può percepire fino a sette milioni di tonalità distinte. Ma ciascuna di queste diverse tonalità viene interpretata nel cervello dopo che gli occhi l'hanno percepita come una qualche combinazione di rosso, verde e blu.

Inoltre, il colore che percepiamo di un oggetto non dipende solo dall'oggetto stesso. Sì, potremmo analizzare il materiale di cui un oggetto è fatto e arrivare a una certa comprensione di quale colore quel materiale probabilmente abbia in base alla sua composizione chimica. Ma la composizione chimica di una sostanza non è l'unico fattore che determina il colore che percepiamo. La ragione per cui gli umani sono in grado di percepire il colore è la luce. E la luce può anche essere colorata, nel qual caso può alterare il colore che i nostri occhi vedono quando guardano una superficie. Inoltre, un paio di occhi può essere più sensibile, o semplicemente sensibile in modo diverso, alla luce rispetto a un altro paio di occhi, causando così un'interpretazione diversa del colore da parte di due cervelli. In sostanza, la stessa cosa che ci permette di vedere il colore può anche alterare la nostra percezione del colore. Pertanto, parlare di colore può a volte sembrare soggettivo, e discutere su quale colore abbia qualcosa può sembrare davvero sciocco.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acrilico su tela, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Il Colore Blu

Tuttavia, le variazioni che diverse persone vedono quando guardano qualcosa di un colore particolare di solito non variano così drasticamente come, per esempio, una persona che vede rosso e un'altra che vede blu. Normalmente, la variazione è più sottile, come una persona che vede azzurro e un'altra che vede acquamarina. Ma ciò che può variare ampiamente è la gamma di altre cose che i nostri cervelli percepiscono quando guardiamo un colore particolare, oltre alle sue proprietà fisiche. Come osserva la frase iniziale del capitolo sul colore blu in Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Esistono molti tipi di blu—tutti della stessa tonalità, ma con permutazioni inesauribili di aspetto, effetto, origine e significato.”

L'aspetto lo abbiamo già trattato. Ma il divertimento inizia davvero quando consideriamo “effetto, origine e significato.” Per quanto riguarda l'effetto, una persona può vedere il colore blu e calmarsi. Un'altra può diventare triste alla vista di qualcosa di blu. Gran parte di come reagiamo al colore ha a che fare con le nostre esperienze passate con quel colore. L'origine è un'altra considerazione affascinante, poiché ogni variazione del colore blu deriva da una miscela fondamentalmente diversa di elementi. Le variazioni nei pigmenti di vernice blu possono derivare da diverse combinazioni di leganti e minerali. Le variazioni nella luce blu possono dipendere da diverse particelle nell'aria. E per quanto riguarda il significato, è qui che le cose diventano davvero complicate. Ogni individuo, ogni gruppo e ogni cultura sviluppa un proprio rapporto idiosincratico con il colore blu. Pertanto, quando si usa il colore blu in un'opera d'arte, non si può prevedere quale tipo di significato verrà percepito quando l'opera sarà finalmente vista. Per esplorare quanto possano essere selvagge le variazioni nella percezione del blu nell'arte, considera il lavoro dei tre artisti menzionati in Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler e Picasso.

Pablo Picasso - Madre e bambino, 1902, olio su tela

Il Blu nelle Opere di Yves Klein

Quando si parla di arte del XX secolo e del colore blu, nessun artista viene in mente più rapidamente di Yves Klein. La leggenda narra che da giovane, Klein stava sulla spiaggia con i suoi amici, l'artista Arman e il compositore francese Claude Pascal. I tre divisero il mondo tra loro. Arman scelse la terra. Pascal scelse i simboli scritti. E Klein scelse il cielo, alzando subito la mano e firmando il suo nome nell'aria. Da quel momento il colore divenne importante per Klein. Una delle sue prime mostre presentava tele monocromatiche dipinte in vari colori puri. Ma quando il pubblico non riuscì a capire cosa stesse cercando di esprimere, Klein capì che avrebbe dovuto semplificare e usare un solo colore per far passare il suo messaggio. Iniziò così un processo per sviluppare la sua tonalità distintiva.

Come spiega Stella Paul in Chromaphilia: The Story of Color in Art: “[Klein] lavorò con Edouard Adam, un venditore di colori parigino che consultò chimici della Rhone-Poulenc, per creare un legante sintetico... Il risultato fu il Rhodopas M60A, che poteva essere diluito a vari livelli di viscosità con etanolo e acetato di etile. Questo legante conserva la magica luminescenza del pigmento...Klein commissionò la sua vernice sintetica personalizzata usando questo nuovo legante, che brevettò come IKB (International Klein Blue); dal 1957 in poi usò quasi esclusivamente questo pigmento.” Klein usò l’International Klein Blue per realizzare le sue iconiche tele monocromatiche blu e diverse installazioni pubbliche monumentali. Lo usò anche per creare alcune delle sue opere più influenti: performance in cui modelli nudi si ricoprivano di IKB e poi premevano i loro corpi in varie configurazioni contro le tele.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Il Blu nelle Opere di Helen Frankenthaler

La pittrice astratta Helen Frankenthaler fu un’altra maestra del XX secolo nell’uso del colore blu. Frankenthaler inventò una tecnica pittorica chiamata soak-stain (tinta assorbita). La tecnica consiste nel versare la vernice direttamente sulla superficie di una tela non preparata e non tesa, stesa sul pavimento, lasciando che la vernice impregni le fibre e si diffonda sulla superficie da sola. Frankenthaler inizialmente usò questa tecnica con colori a olio, ma presto scoprì che la vernice a olio degrada rapidamente la tela grezza. Divenne così una delle prime sostenitrici dei colori acrilici, che non hanno lo stesso effetto degradante sulla tela. Ciò che i colori acrilici hanno, invece, sono qualità vibranti e luminose per quanto riguarda la tonalità. Versando diverse tonalità pure direttamente sulle sue tele, Frankenthaler poteva dirigere i flussi di vernice in modi che esploravano le relazioni cromatiche in modi nuovi, senza interferenze concettuali da elementi come linea, forma, trama o figura.

In Chromaphilia: The Story of Color in Art, Stella Paul dedica particolare attenzione al dipinto Mountains and Sea, che Helen Frankenthaler realizzò nel 1952. È considerato il primo quadro che Frankenthaler creò usando la sua tecnica soak-stain. Paul dice dell’opera: “Tornata al suo studio di New York dopo una pausa in Nuova Scozia, Frankenthaler ricordò più tardi di aver interiorizzato il paesaggio canadese, che si era impresso non solo nella sua mente ma anche nella sua spalla e nel suo polso. Con questo sfondo di mente e corpo, creò un’astrazione lirica e pastorale per evocare un ricordo di un luogo attraverso il colore.” Frankenthaler concepì il processo di versare la vernice come un modo per tradurre qualcosa interiorizzato nel suo corpo in qualcosa esternalizzato sulla tela. Il dipinto utilizza quasi esclusivamente tonalità di rosso, verde e blu, con le varie tonalità di blu che emergono in modo più profondo come manifestazione astratta, piuttosto che figurativa, del mare.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Il Blu nelle Opere di Picasso

Il colore era di importanza fondamentale per Pablo Picasso, specialmente nelle prime fasi della sua carriera artistica. Spesso il suo lavoro di questo periodo viene classificato in base al colore, come nel suo Periodo Rosa e nel suo Periodo Blu. Queste classificazioni ovviamente hanno a che fare con i pigmenti predominanti che usava nei suoi dipinti in quel periodo, ma si riferiscono anche alle circostanze della sua vita personale, che presumibilmente influenzarono i soggetti che scelse di rappresentare con queste diverse tonalità. Il suo Periodo Rosa, per esempio, durò grosso modo dal 1904 al 1906. Coincise con l’inizio della sua relazione con la sua amante Fernande Olivier e con il suo trasferimento nel quartiere Montmartre di Parigi. Le sue opere del Periodo Rosa consistevano in immagini gioiose di soggetti come arlecchini e circhi. Fu alla fine del Periodo Rosa che Picasso dipinse la sua opera seminale, la rosa Les Demoiselles d’Avignon, spesso citata come precorritrice del Cubismo.

Il Periodo Blu di Picasso precedette il Periodo Rosa, durando grosso modo dal 1901 al 1904. Fu un periodo della sua vita dominato dalla consapevolezza della depressione e della tristezza. Picasso una volta disse: “Ho iniziato a dipingere in blu quando ho saputo della morte di Casagemas.” Il commento si riferisce al suo caro amico Carlos Casagemas, che si sparò alla testa in un caffè di Parigi mentre Picasso era fuori città. Quando Picasso tornò a Parigi, visse e lavorò nello studio di Casagemas, dove iniziò a dipingere composizioni quasi monocromatiche in blu. Come sottolinea Stella Paul in Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Il blu pervasivo de The Old Guitarist è l’espressione materiale di qualcosa di triste, emarginato e marginale. Un’atmosfera crepuscolare di malinconia avvolge la pelle innaturalmente tinta di blu del soggetto, i suoi abiti e lo spazio circostante. I gesti angolari e gli arti e i tratti attenuati di questo musicista abbattuto e cieco rafforzano le impressioni stabilite dall’insistente colore blu.” Ma come possiamo vedere da questi tre esempi, di Yves Klein, Helen Frankenthaler e Pablo Picasso, il blu non comunica sempre tristezza, così come non si riferisce sempre al cielo o al mare. La gamma potenziale di tonalità a cui ci riferiamo quando diciamo blu è apparentemente infinita. Allo stesso modo, la gamma potenziale di emozioni, sentimenti, contesti e significati che possiamo evocare dal colore è altrettanto vasta.

Pablo Picasso - Colazione di un uomo cieco, 1903, olio su tela

Immagine in evidenza: Yves Klein - Monocromo Blu senza titolo, 1960, foto © Yves Klein Archive
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio