10 Artisti Astratti Sudamericani da Tenere d'Occhio nel 2025
L'arte astratta sudamericana sta vivendo una notevole rinascita, spinta da una validazione di mercato senza precedenti e dal riconoscimento istituzionale globale.
Questa rinascita non è semplicemente un'osservazione di tendenze curatoriali; è quantificata dai prezzi in aumento alle aste per maestri del mid-century come Lygia Pape e Hélio Oiticica e consolidata dalla rappresentanza di patrimoni storici e artisti contemporanei da parte di gallerie globali d'élite come Hauser & Wirth, Pace e David Zwirner.
Contemporaneamente, musei dal Getty al Museum of Modern Art hanno intrapreso serie rivalutazioni accademiche di movimenti come il Neo-Concretismo e l'Arte Cinetica, spostandoli dalla periferia al centro della storia dell'arte globale.
I dieci artisti evidenziati qui sono gli eredi e innovatori di questa tradizione rivitalizzata, sfruttando il suo potente linguaggio visivo per esplorare questioni contemporanee di identità, materialità e luogo.
Ad Minoliti (Argentina)
Ad Minoliti (nato nel 1980) è emerso come una delle voci più innovative nell'astrazione sudamericana contemporanea, creando ciò che definiscono opere "post-geometriche" che usano "geometria e colore per costruire finzioni speculative non binarie." La loro importante mostra "Manifestación pluriversal" al Contemporary Art Museum St. Louis (settembre 2024-febbraio 2025) ha introdotto il pubblico americano al loro approccio distintivo all'astrazione come pratica sociale.
Il lavoro di Minoliti si basa sulla ricca tradizione argentina dell'astrazione geometrica reinventandone completamente le possibilità. Le loro "palette di caramelle" e le indagini formali giocose creano ciò che The Guardian ha descritto come "geometria non binaria": opere astratte che sfidano il pensiero binario tradizionale attraverso mezzi puramente visivi. Progetti recenti hanno esplorato temi come la queerness, il femminismo e i futuri speculativi, dimostrando come l'arte astratta possa confrontarsi con le questioni sociali contemporanee.
La loro mostra "Nature is Queer" (2024) e la partecipazione a "The Feminist School of Painting" alla Galerie Crèvecoeur dimostrano il loro crescente riconoscimento internazionale. Il lavoro di Minoliti rappresenta una nuova generazione di artisti sudamericani che utilizzano l'astrazione per immaginare futuri alternativi e sfidare le strutture sociali consolidate.
Bruno Dunley (Brasile)
Bruno Dunley (nato nel 1984, Petrópolis) si è affermato come quello che i critici chiamano un "pittore dei pittori": un artista il cui lavoro dimostra una profonda comprensione delle proprietà fondamentali della pittura spingendo al contempo il mezzo verso nuovi territori. La sua recente mostra personale "Pequenas Alegrias" (Piccole Gioie) presso Nara Roesler Rio de Janeiro (aprile-giugno 2024) ha mostrato il suo approccio maturo all'astrazione come processo di costante revisione e perfezionamento.
I dipinti di Dunley si rivelano lentamente, costruiti attraverso strati di applicazione, modifica e cancellazione. I suoi gesti contenuti creano opere che sembrano oscillare tra rappresentazione e pura astrazione, con forme che suggeriscono paesaggio, architettura o pura emozione a seconda della prospettiva dello spettatore. I critici hanno notato il rapporto del suo lavoro sia con le indagini geometriche di Alfredo Volpi sia con gli approcci più pittorici di artisti europei contemporanei come Luc Tuymans.
La sua mostra del 2023 "Clouds" presso Nara Roesler New York ha esplorato l'astrazione come "un evento astratto", esaminando come i fenomeni naturali possano essere tradotti in indagini puramente formali.
Attualmente rappresentato da Nara Roesler, Dunley continua a sviluppare un approccio unicamente brasiliano alla pittura contemporanea che onora l'eredità modernista del paese pur rimanendo completamente contemporaneo.
Cristina Ghetti (Argentina/Spagna)
Cristina Ghetti, nata in Argentina (1969), lavora da Valencia, Spagna, dove ha sviluppato un approccio distintivo all'astrazione geometrica che unisce Op Art, Astrattismo Geometrico e Arte Cinetica. In possesso di un Master in Arti Visive e Multimedia e avendo completato una tesi di dottorato intitolata "Post Medial Geometry" presso l'Università Politecnica di Valencia, Ghetti porta sia intuizione artistica che rigore accademico alla sua pratica.
I suoi dipinti impiegano rigorosi sistemi geometrici che creano sottili spostamenti percettivi, facendo apparire le composizioni statiche come pulsanti e respiranti. Lavorando nella tradizione dell'Op Art, le strutture seriali di colore di Ghetti creano quella che lei descrive come "musica visiva": motivi che sembrano generare proprie proprietà acustiche attraverso mezzi puramente visivi. La sua tecnica consiste nel creare composizioni digitali che ingannano la mente inducendo la percezione di movimento e profondità, che poi traduce in dipinti acrilici su tela.
Il lavoro di Ghetti è stato esposto ampiamente, incluso al MACBA Buenos Aires, all'Ambasciata Argentina a Washington DC e al Frost Art Museum di Miami. Le sue opere sono conservate in collezioni permanenti tra cui il Museo Nazionale di Arte Contemporanea e Design di San José, Costa Rica, e il Museo Municipale di Arti Plastiche Eduardo Sívori a Buenos Aires, dimostrando il suo continuo legame con la scena artistica sudamericana nonostante la sua base spagnola.
Daniela Marin (Venezuela/Perù)
Daniela Marin, nata in Venezuela (1977), si è affermata come una delle voci più coinvolgenti dell'astrazione contemporanea sudamericana dalla sua base a Lima, Perù. Laureata presso la prestigiosa Altos de Chavón School of Design, Marin crea opere che pulsano di precisione architettonica mantenendo un ritmo quasi musicale nelle loro relazioni cromatiche.
I suoi dipinti dimostrano ciò che si potrebbe definire "lirismo costruttivo": ogni tela costruita attraverso un sovrapporsi metodico di forme geometriche che in qualche modo trascendono le loro origini matematiche per raggiungere qualcosa di profondamente emotivo. La luminosità che ottiene attraverso la sua attenta orchestrazione del colore ha suscitato paragoni con i grandi artisti cinetici venezuelani, eppure il suo lavoro rimane distintamente contemporaneo nella sua rigorosità concettuale.
Attualmente rappresentata da IdeelArt, il lavoro di Marin riflette il dialogo interculturale tra la sua eredità venezuelana e la sua casa adottiva peruviana, creando astrazioni che parlano all'esperienza più ampia della migrazione e della sintesi culturale latinoamericana.
Francisca Aninat (Cile)
L'artista cilena Francisca Aninat ha sviluppato uno degli approcci più distintivi alla pittura astratta nell'arte sudamericana contemporanea. Il suo processo, che consiste letteralmente nello strappare tele dipinte e riassemblarle tramite cuciture, crea opere che funzionano sia come dipinti che come oggetti tessili, sfidando i confini tradizionali tra i media.
La sua recente mostra personale "Hills in the Distance" presso Bendana-Pinel a Parigi (fino a luglio 2024) ha dimostrato come le sue tele strappate e cucite creino quella che lei chiama "astrazione tattile." Ogni opera diventa una meditazione sulla memoria, il trauma e la guarigione, con l'atto fisico della riparazione che diventa centrale nel significato dell'opera.
Il processo di Aninat richiama l'attenzione sulla materialità fondamentale della pittura creando opere che parlano a temi più ampi di frammentazione e ricostruzione—temi che risuonano potentemente nel contesto della complessa storia politica del Cile. Il suo lavoro è conservato in collezioni come la Women’s Art Collection dell'Università di Cambridge, e continua a sviluppare il suo approccio unico all'astrazione come esperienza sia visiva che fisica.
Jaime Gili (Venezuela/UK)
L'artista venezuelano con base a Londra Jaime Gili ha trascorso decenni sviluppando un approccio distintivo all'astrazione geometrica che celebra "il cinetismo e l'ottimismo dell'arte, architettura e design modernisti di metà secolo" pur rimanendo profondamente contemporaneo nelle sue preoccupazioni. I suoi dipinti hard-edge ad alto croma creano quella che un critico ha descritto come "geometria elettrica in movimento."
Il lavoro di Gili si ispira esplicitamente alla ricca tradizione venezuelana di arte cinetica e geometrica, ma ricarica questi riferimenti storici per un pubblico contemporaneo. I suoi dipinti, stampe e opere pubbliche dimostrano come le tradizioni moderniste latinoamericane possano essere rivitalizzate senza diventare semplicemente nostalgiche. Il lavoro recente si è sempre più impegnato con la situazione politica della sua terra natale, usando mezzi astratti per affrontare realtà sociali concrete.
Avendo vissuto e lavorato nel Regno Unito dal 1996, Gili rappresenta la portata globale dell'arte astratta sudamericana. Il suo lavoro appare in importanti collezioni e continua a influenzare artisti più giovani che esplorano l'intersezione tra astrazione geometrica e impegno politico.
Johanna Unzueta (Cile)
Johanna Unzueta (n. 1974, Santiago) crea quello che potrebbe essere definito "minimalismo caldo"—astrazioni geometriche che impiegano materiali naturali e processi fatti a mano per creare opere che risultano sia sistematiche che profondamente umane. Lavorando tra New York e Berlino, Unzueta ha sviluppato una pratica distintiva che combina feltro, legno e disegno in sistemi unificati.
La sua recente mostra "Naturalist" presso Casey Kaplan (2024) ha messo in luce il suo approccio maturo all'astrazione come mezzo per esplorare le relazioni tra ambienti naturali e costruiti. Le sue opere in feltro, in particolare, dimostrano come le tecniche artigianali tradizionali possano essere impiegate per creare composizioni astratte sofisticate che parlano sia alle tradizioni tessili indigene sia all'arte minimal contemporanea.
Il lavoro di Unzueta affronta "nozioni di lavoro, produttività e progresso" attraverso processi fatti a mano che rallentano deliberatamente la produzione artistica. Le sue composizioni geometriche, create attraverso un'espressione intuitiva piuttosto che sistemi matematici, danno vita a opere che risultano sia contemporanee sia senza tempo. È inoltre attiva nel design editoriale e nelle pubblicazioni d'artista, riflettendo il suo ampio impegno con la cultura visiva.
Marina Perez Simão (Brasile)
Marina Perez Simão (nata nel 1980, Vitória) è una delle pittrici astratte contemporanee più celebrate del Brasile, con il 2025 che segna un anno cruciale per il suo riconoscimento internazionale. La sua grande mostra istituzionale "Tuning Fork" presso l'Instituto Tomie Ohtake (agosto-ottobre 2025) rappresenta la sua prima grande esposizione museale in Brasile, mentre la sua partecipazione a "Horizontes - Peintures brésiliennes" alla Fondation Cartier a Parigi (aprile-ottobre 2023), ha introdotto il suo lavoro al pubblico europeo.
Rappresentata sia da Pace Gallery che da Mendes Wood DM, Simão crea dipinti che si posizionano al confine del paesaggio senza mai diventare del tutto rappresentativi. Le sue zone di colore saturato sembrano dissolversi in pura atmosfera, creando opere che funzionano tanto come esperienze emotive quanto visive. Il suo processo, basato sull'accumulo e la giustapposizione di ricordi e immagini, dà vita a dipinti che risultano sia profondamente personali sia universalmente risonanti.
Le mostre recenti includono "Diffusion" presso Mendes Wood DM Paris (2024) e "ZWIELICHT" alla G2 Kunsthalle di Lipsia, dimostrando la sua crescente presenza internazionale. Il suo lavoro rappresenta un approccio distintamente brasiliano all'astrazione, che abbraccia sia il ricco patrimonio modernista del paese sia la sua posizione globale contemporanea.
Marina Weffort (Brasile)
Marina Weffort (nata nel 1980, São Paulo) rappresenta l'avanguardia dell'astrazione tessile brasiliana, creando opere che esistono all'intersezione tra pittura, scultura e artigianato. Rappresentata dalla Galeria Luisa Strina, una delle gallerie d'arte contemporanea più prestigiose del Brasile, Weffort lavora con pittura, disegno, oggetti e installazioni per indagare le relazioni tra materiale, processo e significato.
Le sue astrazioni tessili minimaliste impiegano tessuti tagliati e intrecciati per creare strutture a griglia che sembrano respirare con la luce. Queste opere sfidano le gerarchie tradizionali tra arte fine e artigianato, dimostrando come le tecniche tessili possano essere utilizzate per creare composizioni astratte sofisticate che parlano sia alle tradizioni culturali brasiliane sia al discorso artistico internazionale contemporaneo.
La pratica di Weffort riflette una tendenza più ampia nell'arte brasiliana contemporanea verso la sperimentazione materiale e il lavoro basato sul processo. Le sue indagini sulle relazioni tra diversi media danno vita a opere che risultano sia concettualmente rigorose sia sensualmente attraenti, rappresentando una nuova generazione di artisti brasiliani che espandono le possibilità dell'arte astratta.
Martin Reyna (Argentina)
Martin Reyna è emerso come un maestro di quella che potrebbe essere definita "geometria liquida." Lavorando principalmente con l'acquerello, un medium spesso sottovalutato nel discorso astratto serio, Reyna crea opere su larga scala dove la gravità diventa il suo principale strumento compositivo. Le sue velature verticali scorrono sulla carta con spontaneità controllata, creando effetti atmosferici che suggeriscono sia fenomeni naturali sia pura esperienza cromatica.
Basato tra Buenos Aires e Parigi, il lavoro di Reyna colma il divario tra la libertà gestuale dell'Espressionismo Astratto e le indagini sul campo cromatico di artisti come Helen Frankenthaler, ma con una sensibilità distintamente sudamericana. I suoi dipinti spesso evocano le vaste pianure delle pampas argentine, pur rimanendo risolutamente non rappresentativi.
Il lavoro recente dell'artista ha attirato l'attenzione per la sua sofisticata comprensione di come l'imprevedibilità intrinseca dell'acquerello possa essere sfruttata per creare opere di sorprendente integrità strutturale. Ogni pezzo si legge come una partitura visiva, con relazioni cromatiche che sembrano generare una propria musica interna.
Il suo lavoro è stato recentemente oggetto di una mostra museale, "The Sound of Color," al MACA-Zulia in Venezuela, affermando il suo posto nel più ampio contesto dell'astrazione latinoamericana.
Attualmente rappresentato da IdeelArt, Reyna continua a sviluppare il suo approccio unico all'astrazione attraverso media liquidi.
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Questi dieci artisti rappresentano la diversità e la vitalità dell'arte astratta sudamericana contemporanea, ognuno di loro apportando una prospettiva unica al dialogo continuo tra astrazione e identità, tradizione e innovazione.
Ciò che li unisce non è uno stile o un approccio condiviso, ma piuttosto l'impegno a spingere l'arte astratta in nuovi territori rimanendo connessi alle ricche tradizioni culturali della loro regione. Mentre l'arte sudamericana continua a guadagnare riconoscimento internazionale, questi artisti sono destinati a svolgere ruoli cruciali nel definire cosa significhi astrazione nel XXI secolo.
Il loro lavoro dimostra che l'arte astratta sudamericana non si limita a seguire le tendenze internazionali, ma le plasma attivamente, creando nuove possibilità su come l'arte astratta possa interagire con le realtà sociali, politiche e culturali contemporanee mantenendo il suo impegno essenziale per l'innovazione formale e l'esperienza estetica.
Francis Berthomier
Immagine in evidenza: Double Wave di Cristina Ghetti (2017, dettaglio). Tutte le immagini sono cortesemente fornite dagli artisti.
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