Intervista a Joanne Freeman

Eleganti tele bianche decorate con solo alcuni anelli progettati con cura di colori diversi, che emanano un certo ritmo di pace e armonia. Il principio del less-is-more è evidente nelle opere di Joanne Freeman. Con solo poche linee efficaci, riesce a costruire una visione impattante e a catturare l'attenzione dello spettatore. IdeelArt ha avuto l'opportunità unica di porre a Joanne Freeman alcune domande sul suo lavoro, sul processo creativo e sulla vita da artista. Abbiamo discusso i suoi pensieri sul suo lavoro, su come percepisce la relazione tra il creatore e l'arte, e tra l'arte e lo spettatore. Quindi, godetevi la nostra breve, ma perspicace, intervista con la molto affascinante Joanne Freeman. 

"Hai frequentato il college a Madison, Wisconsin, hai tenuto conferenze nel Massachusetts, hai esposto ampiamente negli Stati Uniti e a livello internazionale, e vivi e lavori a New York City. Puoi parlare dei modi in cui il tuo lavoro è influenzato da un senso del luogo?"

Il mio lavoro è fortemente influenzato dal luogo. Come accennato, vivo e lavoro a New York City, e quel clima visivo e culturale ha un forte impatto sul mio lavoro. Sono sempre sorpreso quando esco e rientro, da ciò che noto. Il tempo trascorso lontano mi offre sempre una prospettiva rinnovata e una freschezza di sguardo. Anche i viaggi fanno lo stesso, quando mi trovo in un ambiente diverso sono aperto a cose che altri potrebbero trovare banali per familiarità. Posso raccontare molte delle influenze sul lavoro, a volte direttamente mentre lo creo e a volte molto tempo dopo quando lo osservo.

In che modo il tuo lavoro è influenzato dalla tua fisicità?

Il mio processo in studio è fisicamente faticoso, specialmente man mano che aumenta la scala dei dipinti. Le linee nette nei dipinti sono create dal movimento del mio braccio da un bordo della tela all'altro. La dimensione sia dei supporti esterni che delle linee interne è relativa sia al processo che alle proporzioni del mio corpo.

"A volte lavori su superfici rotonde. Considerando la natura fisica dei gesti che fai, come evolve la tua connessione con la superficie quando ti confronti con uno spazio circolare?"

I gesti diventano più contenuti e controllati quando abbinati a uno spazio circolare. Sono più deliberati, ruotando e mimando la forma circolare della tela. Dove nei dipinti rettangolari più grandi eseguo ampie pennellate che si estendono oltre i bordi e suggeriscono l'infinito, i pezzi circolari si concentrano su se stessi, accentuando la forma e il bordo della superficie, il che contribuisce a oggettivare il dipinto.

"Alcuni dei lavori che realizzi comportano la limitazione del tuo accesso alla superficie, coprendo alcune aree con del nastro adesivo. Come varia il tuo stato emotivo/intellettuale quando ti confronti con un lavoro del genere, rispetto a quando hai completa libertà di accedere all'intera superficie?"

Penso che ti riferisca ai miei lavori su carta dove maschero aree e creo forme di colore, rispetto ai miei dipinti, che sembrano più aperti. Il processo è in realtà piuttosto simile tra i due mezzi ed è anche piuttosto intuitivo. Posiziono o una linea o una forma sulla superficie e costruisco da essa. Con i dipinti la composizione è più fissa e le mie opzioni riguardano di più le scelte di colore. Il colore monocromatico che uso nei disegni mi consente di giocare di più con la composizione. In ogni caso, ho ridotto il linguaggio, impostato dei confini e limitato le mie scelte, il che paradossalmente consente maggiore libertà.

"Hai menzionato di essere stato influenzato dal lavoro degli artisti riduttivi. Potresti nominare alcuni degli artisti il cui lavoro ammiri e parlare delle domande che ti hanno aiutato a trovare o rispondere."

Guardo il lavoro di molti artisti, alcuni che mi vengono in mente sono: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi ed Ellsworth Kelly. Ammirò il lavoro di artisti le cui opere appaiono minimali e monumentali, ma allo stesso tempo celebrano il fatto a mano e il fantastico. È un po' un Catch-22, il processo della pittura riduttiva, perché devi passare attraverso molto lavoro e un eccesso per raggiungere una semplice e onesta affermazione. Metto in discussione le mie reazioni al lavoro dei miei predecessori e cerco di trovare la fiducia per dire di più con meno.

Cosa sperimenti intellettualmente durante l'atto fisico della creazione di immagini riduttive?

Cerco di agire in modo riflessivo nello studio controllando le valutazioni critiche e cercando di fare giudizi visceralmente, basandomi sulle informazioni davanti a me. La canonizzazione degli artisti e le potenti influenze della storia dell'arte possono portare a una situazione che mi è stata descritta come la sindrome della Gioconda, in cui la mitologia di un'opera oscura una reazione onesta ad essa. Ho interiorizzato un linguaggio visivo riduttivo che funziona per me basato sui suoi precedenti storici dell'arte; il Costruttivismo Russo, la Scuola del Bauhaus, il Neoplasticismo e, meno ovvio, l'arte cristiana primitiva di Giotto e Fra Angelico, al Convento di San Marco. Questi insegnamenti insieme alle influenze di artisti più contemporanei sono sempre con me nello studio. Spero che questo linguaggio comune appreso porti a un'interpretazione unica.

Cosa speri che lo spettatore provi quando incontra il tuo lavoro?

Stranamente, poiché sono così coinvolto nel processo di creazione del mio lavoro, posso avere difficoltà a vederlo realmente nel momento. Ho avuto l'esperienza di vedere il mio lavoro qualche anno dopo in casa di qualcun altro o nel contesto di un'altra istituzione. In quel momento è sempre bello pensare: "oh wow, funziona". Spero lo stesso per un osservatore.

Giovanna Freeman

Immagine in evidenza: Fotografia scattata della serie ''Covers'' di Joanne Freeman presso Art on Paper, stand di Kathryn Markel, Pier 36, New York, NY. 4-6 marzo - Cortesia dell'artista