Intervista a Joanne Freeman

Eleganti tele bianche impreziosite da pochi anelli accuratamente disegnati di diversi colori, che emanano un certo ritmo di tranquillità e armonia. Il principio del meno è più è evidente nelle opere di Joanne Freeman. Con poche linee efficaci, riesce a costruire una visione d’impatto e a catturare lo spettatore. IdeelArt ha avuto l’opportunità unica di porre a Joanne Freeman alcune domande sul suo lavoro, sul processo creativo e sulla vita da artista. Abbiamo discusso le sue riflessioni sul suo lavoro, su come percepisce il rapporto tra il creatore e l’arte, e tra l’arte e lo spettatore. Quindi, godetevi la nostra breve ma approfondita intervista con la deliziosa Joanne Freeman.

Hai frequentato l’università a Madison, Wisconsin, tenuto conferenze in Massachusetts, esposto ampiamente negli Stati Uniti e a livello internazionale, e vivi e lavori a New York City. Puoi parlare di come il senso del luogo influenzi il tuo lavoro?

Il mio lavoro è fortemente influenzato dal luogo. Come detto, vivo e lavoro a New York City, e quel clima visivo e culturale ha un forte impatto sul mio lavoro. Rimango sempre sorpresa quando parto e rientro, da ciò che noto. Il tempo lontano mi dona sempre una prospettiva rinnovata e una freschezza di sguardo. Viaggiare fa lo stesso: in un ambiente diverso sono aperta a cose che altri potrebbero trovare banali per familiarità. Posso ricordare molte delle influenze sul lavoro, a volte direttamente mentre lo creo e altre volte molto dopo, quando lo osservo.

In che modo il tuo lavoro è influenzato dalla tua fisicità?

Il mio processo in studio è fisicamente impegnativo, specialmente quando le dimensioni dei dipinti aumentano. Le linee nette nei dipinti sono tracciate dal movimento del mio braccio da un bordo all’altro della tela. La dimensione sia dei supporti esterni sia delle linee interne è relativa sia al processo sia alle proporzioni del mio corpo.

A volte lavori su superfici rotonde. Considerando la natura fisica dei gesti che compi, come evolve il tuo rapporto con la superficie quando ti confronti con uno spazio circolare?

I gesti diventano più contenuti e controllati quando si abbinano a uno spazio circolare. Sono più deliberati, ruotano e imitano la forma circolare della tela. Mentre nei dipinti rettangolari più grandi eseguo ampi movimenti che si estendono oltre i bordi e suggeriscono l’infinito, i pezzi circolari si concentrano su se stessi, accentuando la forma e il bordo della superficie, il che contribuisce a oggettivare il dipinto.

Alcuni dei tuoi lavori prevedono di limitare l’accesso alla superficie tramite nastri adesivi. Come varia il tuo stato emotivo/intellettuale quando affronti un lavoro del genere, rispetto a quando hai completa libertà di accesso all’intera superficie?

Penso ti riferisca ai miei lavori su carta dove nascondo alcune aree con il nastro e creo forme di colore, rispetto ai miei dipinti, che sembrano più aperti. Il processo è in realtà abbastanza simile tra i due mezzi ed è molto intuitivo. Pongo una linea o una forma sulla superficie e costruisco a partire da essa. Nei dipinti la composizione è più fissa e le mie opzioni riguardano più le scelte cromatiche. Il colore monocromatico che uso nei disegni mi permette di giocare di più con la composizione. In ogni caso ho ridotto il linguaggio, stabilito confini e limitato le mie scelte, il che paradossalmente permette maggiore libertà.

Hai menzionato di essere influenzata dal lavoro di artisti riduttivi. Potresti nominare alcuni degli artisti che ammiri e parlare delle domande che ti hanno aiutato a trovare o a rispondere?

Guardo molte opere di artisti, alcuni che mi vengono in mente sono: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi ed Ellsworth Kelly. Ammirò il lavoro di artisti le cui opere appaiono minimali e monumentali, ma allo stesso tempo celebrano il fatto a mano e il giocoso. È un po’ un paradosso, il processo della pittura riduttiva, perché devi passare attraverso molto lavoro e un eccesso per arrivare a un’affermazione semplice e onesta. Metto in discussione le mie reazioni al lavoro dei miei predecessori e cerco di trovare la fiducia per dire di più con meno.

Cosa provi intellettualmente durante l’atto fisico della creazione di immagini riduttive?

Cerco di agire in modo riflessivo in studio controllando le valutazioni critiche e tentando di fare giudizi viscerali, basati sulle informazioni davanti a me. La canonizzazione degli artisti e le potenti influenze della storia dell’arte possono portare a una situazione descritta a me come la sindrome della Monna Lisa, dove la mitologia di un’opera offusca una reazione onesta ad essa. Ho interiorizzato un linguaggio visivo riduttivo che funziona per me basato sui suoi precedenti storici; il Costruttivismo russo, la Scuola Bauhaus, il Neoplasticismo, e meno ovvio, l’arte cristiana primitiva di Giotto e Fra Angelico, al Convento di San Marco. Questi insegnamenti insieme alle influenze di artisti più contemporanei sono sempre con me in studio. Spero che questo linguaggio comune appreso porti a un’interpretazione unica.

Cosa speri che lo spettatore provi quando incontra il tuo lavoro?

Stranamente, poiché sono così coinvolta nel processo di creazione del mio lavoro, a volte faccio fatica a vederlo davvero nel momento. Ho avuto l’esperienza di vedere il mio lavoro qualche anno dopo nella casa di qualcun altro o nel contesto di un’istituzione diversa. In quel momento è sempre bello pensare, “oh wow, funziona”. Spero lo stesso per uno spettatore.

Joanne Freeman

Immagine in evidenza: fotografia della serie ''Covers'' di Joanne Freeman a Art on Paper, stand Kathryn Markel, Pier 36, New York, NY. 4-6 marzo - Cortesia dell’artista