Carica Poetica di una Stampa Astratta

All’inaugurazione dell’opera del tuo pittore astratto preferito, sei immediatamente attratto da un dipinto, come una luna felice che viene tirata verso una stella accogliente. Sai che lo vuoi. Poi vedi qualcosa scritto nell’angolo in basso a destra: 1/10. Non è un dipinto astratto; è una stampa astratta. La tua mente cambia. Domande sull’unicità si insinuano. Non è un pezzo unico; è uno di dieci. Dovresti comunque comprarlo?

Poesia Visiva

Chi può affermare di comprendere il processo di un poeta? Ma sappiamo questo: i poeti dispongono le parole in configurazioni astratte per invitare l’inaspettato nella mente del lettore. Quando leggiamo una poesia, mentre cerchiamo di comprendere ciò che leggiamo, l’attività elettrica nel nostro cervello aumenta. Quando finalmente facciamo una connessione, e da qualche parte in profondità nella nostra coscienza si coglie il significato, il nostro cervello rilascia sostanze chimiche che inducono piacere e proviamo gioia. Sentiamo un senso di ritmo e bellezza. Questo si chiama carica poetica.

Anche i dipinti astratti si dice posseggano una carica poetica. Sono per le immagini ciò che le poesie sono per le parole. Quando guardi l’immagine di una mela, la luce colpisce la superficie dell’immagine e si riflette sulla tua retina. Il tuo cervello analizza i colori, le forme e le linee che arrivano attraverso la retina e dice “mela”. Ma quando guardi un’immagine astratta, sebbene avvenga la stessa scienza ottica, alla fine del processo il tuo cervello non sa cosa dire. Si affanna a compiere manovre neurologiche per cogliere il significato concettuale dei colori, delle forme e delle linee che vede. Quando finalmente arriva a qualche senso interiore di significato dall’immagine, ritmo e bellezza irrompono.

La domanda è: può una stampa astratta avere lo stesso effetto? Può una stampa astratta possedere la stessa carica poetica di un dipinto astratto? Per scoprirlo, esaminiamo le differenze tra dipinti e stampe e consideriamo i modi in cui il cervello potrebbe rispondere a ciascuno.

Clayton Kashuba - High Tade (dettaglio), © Clayton Kashuba

L’Artista è Presente

Prima di tutto, chiariamo che qui non stiamo parlando di riproduzioni. Non stiamo parlando di copie prodotte in serie di opere d’arte originali. Non stiamo nemmeno parlando di stampe giclée con vernice spazzolata sopra per farle sembrare dipinti, né di fotografie di dipinti trasformate in poster. Qui parliamo di stampe d’artista: multipli in edizione limitata, realizzati a mano, di un’opera originale di un artista. Le riproduzioni sono solo copie. Le stampe sono considerate opere d’arte uniche e autentiche.

Le stampe d’artista sono realizzate in diversi modi. Possono essere fatte da un’incisione, come un taglio su legno. Possono essere realizzate tramite litografia, che consiste nel bruciare un’immagine su metallo o pietra. Possono essere fatte con la serigrafia, che è un termine elegante per la stampa a telaio. Oppure possono essere realizzate con qualche variazione di questi metodi che coinvolgono la mano dell’artista e qualche processo quasi-meccanico aggiuntivo.

Quando si realizzano stampe da un’incisione o da una litografia, ogni iterazione della stampa consuma leggermente la lastra originale, alterando sottilmente le stampe successive. Nella serigrafia, il processo coinvolge l’applicazione del mezzo da parte dell’artista e la pressione esercitata dalla mano dell’artista. Questo porta a innumerevoli variazioni tra le stampe a causa di inevitabili deviazioni, cambiamenti ambientali o variazioni nella qualità della superficie o del mezzo.

Matthew Langley - So Though, 2015, 56 x 71 cm

Unicità

Tutto ciò significa che le stampe d’artista sono uniche. Sembrano uguali, ma anche se in modi sottilissimi, non lo sono. Questo è un buon segno per la carica poetica di una stampa, poiché gli esseri umani rispondono visceralmente a ciò che è raro. Se uno spettatore percepisce che più di qualcosa può essere trovato altrove, un elemento di stupore svanisce.

Forse in questo senso, una stampa potrebbe possedere meno potenziale di carica poetica rispetto a un dipinto, dato che un dipinto è un pezzo unico totale. Tuttavia, poiché ogni stampa che un artista realizza varia da ogni altra stampa a causa delle inevitabili deviazioni insite nel processo, finché la serie di stampe è abbastanza piccola e il gruppo di acquirenti abbastanza ampio, si creerà comunque scarsità. E la scarsità è un sostituto abbastanza vicino alla rarità da restituire alla stampa qualsiasi unicità possa aver perso.

Margaret Neill - Groove 1, 2005, 58 x 56 cm

Specificità del Mezzo

Il cervello umano risponde in modo diverso ai diversi mezzi a causa del modo in cui vari mezzi interagiscono diversamente con la luce. Gli oli riflettono la luce in modo diverso rispetto agli acrilici o alla guazzo. Gli acquerelli riflettono la luce in modo diverso rispetto al carbone o all’inchiostro. Ogni mezzo possiede anche altre qualità fisiche intrinseche, come viscosità, granularità o persino aroma o sapore dovuti a sostanze chimiche o metalli nel mezzo. Ogni elemento delle qualità essenziali di un mezzo potrebbe potenzialmente trasferire significato agli spettatori, influenzando così la carica poetica di un’opera.

Ma la specificità del mezzo influisce su una stampa in modo diverso rispetto a un dipinto? Sia i dipinti che le stampe sono realizzati con un mezzo. Entrambi possono essere fatti con inchiostro o pittura o qualsiasi altro mezzo che l’artista possa ideare. Ciò che conta è se il mezzo giusto è scelto per l’opera giusta. Le stampe coinvolgono strumenti diversi rispetto ai dipinti, quindi una scelta inappropriata del mezzo potrebbe interferire con la connessione dello spettatore all’opera. Finché il mezzo appropriato è scelto, non dovrebbe influire sulla carica poetica di una stampa.

Jose Heerkens - L28. Passing Colours, 2012, 35 x 35 cm

Piattezza vs. Impasto

Ciò che potrebbe contare molto è come il mezzo viene applicato. Ogni mezzo ha un peso visivo percepibile e qualità tattili proprie. Il modo in cui viene applicato a una superficie altera fondamentalmente il modo in cui la luce reagisce ad esso. La parola impasto si riferisce alla qualità che la pittura ha quando viene spalmata sulla superficie di un dipinto. La texture e le creste che la pittura sviluppa mentre viene stratificata su una superficie le conferiscono profondità. Più il mezzo si estende dalla superficie dell’opera, più impasto c’è e meno piattezza ha l’opera.

Poiché le stampe sono realizzate con l’ausilio di una macchina o altro dispositivo, non possiedono impasto. Il mezzo si stende piatto sulla superficie e non contiene pennellate. Questa piattezza conferisce all’opera un aspetto di perfezione meccanizzata che è decisamente diverso dalle qualità “pittoriche” di un’opera con impasto. Ma la piattezza non dovrebbe ridurre la capacità di una stampa di possedere una carica poetica. La piattezza può essere una qualità molto desiderabile in un’opera d’arte. La piattezza fece sì che Clement Greenberg lodasse le qualità desiderabili degli astrattisti post-pittorici. Li elogiò per la chiarezza delle loro immagini, che riteneva fosse migliorata dalle loro qualità “pittoriche” minime.

Holly Miller - Bend #2, 2013, 25 x 25 cm

Sul Bordo

Quando un pittore realizza un dipinto, il processo spesso comporta andare oltre il bordo della superficie, per esempio facendo colare la pittura oltre il bordo e sul lato di una tela. Questa sensazione di imperfezione può influire sulla carica poetica trasmettendo passione, energia o libertà, portando ulteriori strati di eccitazione concettuale all’opera.

Le stampe vengono stese su superfici piane in modi controllati. Il processo di realizzazione di una stampa tende a produrre bordi puliti e angoli relativamente precisi. Questo aspetto tende a trasmettere più un senso di controllo dall’opera rispetto a quanto comunicherebbe un dipinto, ma ciò non riduce necessariamente la carica poetica di una stampa. Comunica semplicemente qualcosa di più sobrio.

Dana Gordon - Night (dettaglio), 2012, 152 x 198 cm

Sotto la Superficie

I dipinti generalmente iniziano con una sorta di superficie preparata, come una tela o un pannello trattato con gesso. Questa sottosuperficie conferisce al dipinto uno strato inferiore che porta profondità agli strati successivi e nasconde la materialità della superficie. Ulteriori strati inferiori possono aggiungere profonda luminosità e valore ai colori che compongono lo strato finale di un dipinto.

Le stampe generalmente non sono composte da molteplici strati di mezzo. Sebbene alcuni artisti realizzino stampe con numerosi strati di mezzo, spesso una stampa è costituita da un solo strato stampato su un foglio di carta o altra superficie non preparata. Questo può dare a una stampa la sensazione di poggiare sopra una superficie piuttosto che essere incorporata in essa. In questo modo, una stampa potrebbe perdere parte della capacità di attirare lo spettatore, poiché potrebbe attirare l’attenzione sulla superficie su cui poggia.

Anya Spielman - Bloom, 2010, 20 x 15 cm

Fai i Conti

Una stampa e un dipinto condividono molte somiglianze. Entrambi usano il mezzo per trasmettere significato. Entrambi possono possedere specificità del mezzo. Ma differiscono anche in modi importanti. Sebbene uniche, sono uniche in modo diverso. Le stampe possiedono anche più piattezza rispetto ai dipinti. Utilizzano meno strati. Sono meno pittoriche. In qualche modo, questo migliora la carica poetica di una stampa. I colori possono essere più puri, più intensi, forse più moderni. E chi ha detto che modernità e poesia non possano mescolarsi?

Crediamo che la capacità di un dipinto astratto di influenzare uno spettatore sia indiscutibile. E sebbene diverse, perché una stampa astratta dovrebbe essere meno capace di toccare qualcuno in modi simili? Quando stai pensando di acquistare un’opera d’arte e vedi quel piccolo 1/10, o 3/50, o 100/300 nell’angolo in basso dell’immagine, fai un passo indietro, schiarisciti le idee e poi guarda di nuovo l’opera. Se ciò che vedi davanti a te è bello e il tuo cuore si apre, quella è carica poetica. È un diluvio: un effusione. Celebra che provenga da una stampa.

Immagine in evidenza: Michael Keck - Running Free, © Michael Keck