Articolo: Cubismo Sintetico Spiegato - Piani, Forme e Punti di Vista
Cubismo Sintetico Spiegato - Piani, Forme e Punti di Vista
Pablo Picasso, padre del Cubismo, era famoso per la sua propensione all'evoluzione. Dopo aver inventato il Cubismo analitico nel 1907, avrebbe potuto tranquillamente continuare a dipingere in quello stile per decenni, diventando comunque ricco e famoso. Invece continuò a sperimentare, contribuendo a dare vita a quello che nel 1911 divenne noto come Cubismo sintetico, aggiungendo al Cubismo analitico una tavolozza di colori più ampia, nuove texture, forme più semplici, nuovi materiali e una semplificazione dell'uso del punto di vista e del piano. Dalla sua invenzione fino al 1920 circa, il Cubismo sintetico fu considerato l'apice dell'avanguardia. Ampliò la gamma di modi in cui i pittori potevano esplorare la realtà e contribuì alla nascita dei dadaisti, dei surrealisti e persino della Pop Art.
Il Cubismo sintetico in 200 parole
Il Cubismo sintetico nacque dall'abbandono di quelle stesse tecniche, nel tentativo di creare qualcosa di ancora più reale. Picasso, Braque e il pittore Juan Gris reintrodussero una vivace gamma di colori nelle loro opere, recuperarono la profondità e ridussero il numero di prospettive e piani simultanei nelle loro immagini. Soprattutto, per conferire ai loro dipinti il massimo senso di realtà, iniziarono ad aggiungere alle loro opere carta, stoffa, carta di giornale, testo e persino sabbia e terra, cercando di coinvolgere pienamente l'essenza del soggetto.
Pablo Picasso - Natura morta con sedia impagliata, 1912, Olio su tela cerata applicata su tela e rifinita con una corda
Musée National Picasso, Parigi, © Artists Rights Society (ARS), New York
Nuovi materiali e tecniche
Nel 1912 Picasso creò l'opera d'arte considerata il primo esempio di collage e un esempio fondamentale del Cubismo sintetico: Natura morta con sedia impagliata. L'opera è una rappresentazione cubista di un tavolino da caffè con una selezione di cibi, un giornale e una bevanda. Oltre ai materiali tradizionali, Picasso aggiunse alla superficie del dipinto una sezione dell'intreccio in vimini delle sedie, tipico delle sedie dei caffè. Questa aggiunta apparentemente irrilevante ebbe conseguenze enormi per l'arte moderna. Invece di dipingere una sedia, una parte di una sedia fu effettivamente applicata al dipinto. Invece di mostrare qualcosa da più prospettive affinché sembrasse reale, Picasso inserì direttamente nell'opera l'oggetto reale, o almeno una sua parte.
Picasso aggiunse del testo anche a quest'opera, scrivendo le lettere «JOU» su una parte della superficie. Questa parola, «Jou», potrebbe essere letteralmente tradotta come «gioco» in francese, un fatto che ha contribuito alla convinzione diffusa che Picasso intendesse restituire al cubismo sintetico un senso di frivolezza, dopo la serietà accademica del cubismo analitico. Tuttavia, «JOU» potrebbe facilmente essere stato inteso anche come l'inizio del termine francese per «quotidiano», ovvero journal, un riferimento al frammento di giornale visibile nell'immagine.
Sebbene avesse raggiunto un primato aggiungendo quel frammento di impagliatura di sedia alla sua opera, Picasso non fu il primo cubista ad aggiungere del testo a un dipinto. Nel 1911 Georges Braque aveva creato un'opera intitolata Il portoghese, il primo lavoro cubista a introdurre delle lettere. Sia nel primo collage di Picasso sia nella prima opera testuale di Braque è evidente un allontanamento dalla natura seria ed eccessivamente complessa di alcune delle loro opere successive del cubismo analitico. Le immagini di queste opere hanno una semplicità giocosa. Le prospettive sono semplificate e le immagini stanno diventando quasi giocose, simili alle immagini antropomorfe nelle pubblicità.
Georges Braques - Il portoghese, 1911, Olio su tela, Musée National Picasso, Parigi
© Artists Rights Society (ARS), New York
Nel 1912 Braque avrebbe aperto nuove strade almeno altre due volte. Quell'anno divenne il primo pittore cubista ad aggiungere sabbia a un dipinto per conferirgli livelli di texture e profondità, e fu anche il primo a incorporare la tecnica nota come papier collé, che consiste nell'incollare pezzi di carta ritagliati su una superficie. Entrambe queste tecniche furono utilizzate nella sua opera intitolata Piatto di frutta e bicchiere. In questo dipinto applicò pezzi di carta da parati ritagliati direttamente sulla superficie e poi sfumò l'opera usando pittura mescolata con sabbia, aggiungendo profondità e texture all'immagine.
Braque incluse anche del testo in quest'opera, usando le parole chiaramente definite e facilmente leggibili «Ale» e «Bar». Queste parole mettono in discussione le linee di separazione tra le immagini pubblicitarie e la cosiddetta arte colta. La combinazione di tutte e tre queste tecniche si sarebbe infine rivelata una grande influenza sui dadaisti, che si affidavano ampiamente al collage e al testo per confondere e oscurare i significati apparenti delle loro opere e per mettere in discussione le concezioni borghesi dell'arte.
Georges Braque - Piatto di frutta e bicchiere, 1912, 62.9 × 45.7 cm
© Artists Rights Society (ARS), New York
Piani, forme, punti di vista e colori
L'artista più responsabile dell'introduzione di colori vivaci nel Cubismo sintetico fu il pittore cubista spagnolo Juan Gris. Gris utilizzò anche un linguaggio visivo notevolmente semplificato, che dimostra superbamente il numero ridotto di punti di vista e l'uso semplificato di forme e piani che definiscono il Cubismo sintetico. Nell'opera di Gris Giornale e fruttiera vediamo tutti questi elementi in azione. Nello stesso dipinto possiamo anche osservare molti dei motivi per cui il Cubismo sintetico è spesso considerato il precursore della Pop Art.
Non è solo una questione di come i Cubisti sintetici giocassero con l'idea di una linea sfumata tra arte popolare e arte colta, e tra arte e pubblicità. Questo dipinto evoca inoltre in modo sorprendente i puntini Ben-Day di Roy Lichtenstein e sembra quasi anticipare in modo identico la ripetizione, la disposizione delle immagini e la tavolozza cromatica di Buffalo II di Robert Rauschenberg.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, olio e inchiostro serigrafico su tela.
© Robert Rauschenberg Foundation / Artists Right Society (ARS), New York
I primi dipinti del Cubismo analitico avevano incorporato così tanti punti di vista diversi che la complessità delle immagini era diventata quasi impossibile da districare. I loro soggetti apparivano astratti al punto da essere irriconoscibili: ogni punto di vista era rappresentato da forme geometriche separate su un piano distinto, e ogni piano sembrava sovrapposto agli altri per poi essere nuovamente appiattito. Inoltre, le forme geometriche utilizzate nei dipinti del Cubismo analitico sembravano talvolta quasi trasparenti. Erano dipinte in modo da esprimere velocità, vibrazione e movimento. Rappresentavano diversi momenti della giornata, differenti condizioni di luce e diversi punti di vista.
Juan Gris - Giornale e fruttiera, 1916, olio su tela
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Reintroducendo una tavolozza di colori vivaci nelle opere cubiste, Juan Gris conferì allo stile un senso di giocosa vivacità ed eccitazione che mancava nelle opere cubiste precedenti. Inoltre, il vocabolario visivo semplificato di Gris suggeriva che il Cubismo potesse raggiungere i propri obiettivi in modo diretto, semplice ed esteticamente piacevole. Nel dipinto di Gris Il violino, utilizza il numero minimo indispensabile di punti di vista, forme e piani per poter essere ancora considerato un'opera cubista. L'immagine risultante sembra più un esempio di ciò che il Cubismo suggerisce che una sua definizione rigorosa.
Juan Gris - Il violino, 1916, Olio su pannello triplo
Kunstmuseum, Basilea
Sintetico: un'altra parola per falso?
Aggiungendo scritte e frammenti di oggetti quotidiani ai loro dipinti, Picasso, Braque e Gris cercavano di entrare in contatto con un senso più ampio della realtà dei loro soggetti. Ma aggiungendo quegli elementi artificiali alle loro opere creavano anche qualcosa di manifestamente irreale, diverso da qualsiasi opera cubista realizzata in precedenza. A volte dipingevano persino forme che sembravano collage, mescolando elementi di collage imitati con elementi di collage reali nella stessa opera. Questo nuovo stile fu chiamato Cubismo sintetico proprio per questo motivo: la natura artificiale delle tecniche utilizzate rispetto alla serietà delle opere cubiste precedenti.
Il Cubismo sintetico era più simbolico del Cubismo analitico. Non mirava a raggiungere una visione amplificata della realtà quadridimensionale. Mirava piuttosto a suggerire la realtà, ma in modo distorto. Fu una trasformazione che contribuì enormemente alle teorie e alle ricerche legate al Surrealismo.
Il Cubismo sintetico mise anche in discussione le differenze tra pittura e scultura. Invece di scomporre l'immagine e poi riassemblarla da una serie di prospettive diverse, il Cubismo sintetico assemblava l'immagine, costruendola a partire da una superficie piana fino a trasformarla in un oggetto a più strati, come un oggetto tridimensionale appoggiato su una superficie bidimensionale. In tutti questi modi, il Cubismo sintetico raggiunse i suoi risultati attraverso un paradosso chiaro e intenzionale: realizzando opere sempre più false, riuscì a ottenere qualcosa di sempre più reale.
Colore, collage e spazio costruito nell'arte contemporanea
Il Cubismo sintetico offre anche un modo di guardare all'astrazione contemporanea. Un dipinto non deve raffigurare una chitarra o un tavolino da caffè per sollevare interrogativi sulle forme assemblate, sui piani sovrapposti e sul rapporto tra un'immagine e la sua superficie. Gli artisti seguenti affrontano queste questioni in modi distinti. Le loro opere non sono esempi di Cubismo sintetico storico, ma invitano a confronti con i suoi esperimenti di costruzione e colore.
Jeremy Annear: Piani sovrapposti e spazio pittorico
Jeremy Annear costruisce i suoi dipinti attraverso strati di forme, colore e pittura, e la sua opera presenta affinità riconosciute con Braque e Picasso, oltre che con gli artisti di St Ives. In Metrographic II No.8, un piano bianco angolato interrompe un campo terroso, mentre strutture nere, curve rosse e chiazze materiche stabiliscono relazioni spaziali in competizione. L'occhio si muove tra la solidità apparente delle forme e l'apertura delle linee tracciate. Per chi è attratto dall'interazione tra superficie e struttura di Braque, questa opera offre un punto di confronto contemporaneo senza riprodurre soggetti cubisti.
Dana Gordon: forme cromatiche all'interno di un insieme più ampio
Le composizioni caleidoscopiche di Dana Gordon sono state descritte in relazione al cubismo orfico, un confronto specifico e non un sinonimo del cubismo sintetico. La sua opera offre un'altra via per accedere al piacere del colore e della forma costruita qui discusso. In New Space, quadrati pieni e colorati punteggiano una fitta griglia di motivi a spirale dipinti. Questi blocchi più discreti sembrano fluttuare sulla superficie affollata, creando una tensione tra le singole forme e la composizione nel suo insieme. Gordon considera le forme adiacenti e i raggruppamenti come piccoli dipinti all'interno di un dipinto più grande, un'idea che ricompensa tanto l'osservazione ravvicinata quanto quella a distanza.
Anne Katrine Senstad: collage da negativi a colori scansionati
Nei Cosmosis Collages di Anne Katrine Senstad, la costruzione assume una forma fotografica. Come spiega l'artista, i suoi negativi originali sono stati scansionati e poi assemblati in collage, non fotografati. Provengono dai suoi primi lavori fotografici astratti a campi di colore, The Pink Project (2004–2007). In Composition no 2C4 Blue, sottili barre rosa, pesca e gialle attraversano un campo blu intenso, mentre piani rettangolari traslucidi suggeriscono strati sotto la superficie. Sono il colore e la disposizione, anziché un oggetto raffigurato, a stabilire le relazioni spaziali della composizione. A differenza della carta incollata di Braque, questi elementi sono assemblati attraverso un processo fotografico basato sulla scansione. Con le sue ispirazioni suprematiste e costruttiviste documentate, la serie offre un confronto contemporaneo con la capacità del collage di generare un'immagine attraverso le relazioni tra elementi distinti.
Collezionare l'astrazione contemporanea: materiali, prezzo e contesto
Per chi sta valutando un'acquisizione, questi confronti possono aiutare a chiarire i propri gusti. Ti attrae una superficie materica, una disposizione ritmica dei colori o l'illusione di piani sovrapposti? Individuare questa preferenza è un punto di partenza più utile che cercare un'opera contemporanea semplicemente perché ricorda un famoso dipinto storico.
Cosa dovresti cercare prima di acquistare?
Inizia dall'opera in sé: i materiali, le dimensioni, lo stato di conservazione e la documentazione. Chiediti come si inserisca nella pratica più ampia dell'artista e consulta la storia espositiva e i documenti delle collezioni che ne supportano la presentazione. Per i dipinti stratificati o le opere in tecnica mista, richiedi fotografie ravvicinate e informazioni sulla costruzione della superficie. Per un'edizione fotografica come l'opera Cosmosis selezionata di Senstad, offerta in un'edizione di sei esemplari più due prove d'artista, verifica i dettagli dell'edizione, le specifiche di stampa e la documentazione allegata. Un collage fotografico e un dipinto unico possono condividere caratteristiche visive, pur essendo oggetti molto diversi da possedere.
Come dovresti considerare il prezzo e il valore di mercato?
L'importanza storica, l'affinità visiva e il valore di mercato sono questioni separate. Il rapporto di un artista contemporaneo con le idee cubiste non colloca la sua opera nello stesso mercato di un Picasso, un Braque o un Gris originali. Quando confronti i prezzi, cerca opere realmente comparabili dello stesso artista, tenendo conto del medium, delle dimensioni, della data e del fatto che l'opera sia unica o in edizione. Un prezzo richiesto non equivale a un prezzo di vendita realizzato, e un'edizione limitata non stabilisce di per sé la domanda futura. La storia espositiva e il riconoscimento della critica forniscono un contesto, non una promessa di rivalutazione o di facile rivendita.
Cosa comporta vivere con l'opera?
Considera l'incorniciatura, la consegna, l'assicurazione e qualsiasi installazione specialistica oltre al prezzo di acquisto. Chiedi indicazioni per la cura adeguate ai materiali, in particolare per le superfici fotografiche e le costruzioni stratificate, e rifletti sulla luce e sullo spazio in cui l'opera sarà esposta. Il legame più gratificante con la storia dell'arte può essere, in ultima analisi, personale: comprendere perché un'opera attira la tua attenzione e scoprire come il suo colore, la sua struttura e la sua superficie continuino a cambiare osservandola più volte.
Immagine in evidenza: Pablo Picasso - Tre musicisti, 1921 (dettaglio), ©Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio (2016)
A cura della redazione di IdeelArt (2026)
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