Cubismo Sintetico Spiegato - Piani, Forme e Punti di Vista

Pablo Picasso, il padre del Cubismo, era famoso per la sua voglia di evolversi. Dopo aver inventato il Cubismo Analitico nel 1907, avrebbe potuto facilmente continuare a dipingere in quello stile per decenni, diventando comunque ricco e famoso. Ma invece continuò a sperimentare, contribuendo a inventare ciò che divenne noto come Cubismo Sintetico nel 1911, aggiungendo al Cubismo Analitico una tavolozza di colori ampliata, nuove trame, forme più semplici, nuovi materiali e semplificando l’uso del punto di vista e del piano. Dal momento della sua invenzione fino al 1920 circa, il Cubismo Sintetico fu considerato l’apice dell’avanguardia. Ampliò la gamma di modi in cui i pittori potevano esplorare la realtà e contribuì all’ascesa dei Dadaisti, dei Surrealisti e persino della Pop Art.

Il Cubismo Sintetico in 200 Parole

Il Cubismo Sintetico nacque da un allontanamento da quelle stesse tecniche, nel tentativo di creare qualcosa di ancora più reale. Picasso, Braque e il pittore Juan Gris reintrodussero una gamma vivace di colori nelle loro opere, riportarono la profondità e ridussero il numero di prospettive e piani simultanei nelle loro immagini. Soprattutto, per dare il massimo senso di realtà ai loro dipinti, iniziarono ad aggiungere carta, stoffa, carta di giornale, testo e persino sabbia e terra alle loro opere, cercando di portare in gioco un senso totale dell’essenza del loro soggetto.

Pablo Picasso - Natura morta con canna di sedia, 1912, Olio su tela cerata bordata con corda, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Parigi, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Nuovi Materiali e Tecniche

Nel 1912, Picasso creò l’opera d’arte considerata il primo esempio di collage e un esempio definitorio del Cubismo Sintetico: Natura morta con canna di sedia. L’opera è una rappresentazione cubista di un tavolo da caffè con una selezione di cibi, un giornale e una bevanda. Oltre ai mezzi tradizionali, Picasso aggiunse alla superficie del dipinto una sezione della canna di sedia in vimini che si trovava tradizionalmente sulle sedie da caffè. Questa aggiunta apparentemente banale ebbe conseguenze enormi per l’arte moderna. Invece di dipingere una sedia, una parte di una sedia fu effettivamente applicata sul dipinto. Invece di mostrare qualcosa da molteplici prospettive per farlo sembrare reale, Picasso mise semplicemente la cosa reale, o almeno una sua parte, direttamente sull’opera.

Picasso aggiunse anche del testo a questo pezzo, scrivendo le lettere “JOU” su una parte della superficie. Questa parola “Jou” potrebbe essere tradotta letteralmente come “gioco” in francese, un fatto che ha contribuito alla sensazione di molti che Picasso intendesse che il Cubismo Sintetico riportasse un senso di leggerezza nell’arte dopo la serietà accademica del Cubismo Analitico. Tuttavia, “JOU” potrebbe anche essere stato inteso come la prima parte del termine francese per quotidiano, o giornale, un riferimento al frammento di giornale visibile nell’immagine.

Sebbene abbia raggiunto un primato aggiungendo quel pezzo di canna di sedia alla sua opera, Picasso non fu il primo cubista ad aggiungere testo a un dipinto. Nel 1911, Georges Braque aveva creato un’opera chiamata Il Portoghese, che fu la prima opera cubista a introdurre la scrittura. Evidente sia nel primo collage di Picasso sia nel primo pezzo testuale di Braque è uno spostamento dalla natura seria e troppo complessa di alcune delle loro successive opere cubiste analitiche. C’è una semplicità giocosa nelle immagini di queste opere. Le prospettive sono semplificate e le immagini diventano quasi giocose, simili alle immagini antropomorfe nelle pubblicità.

Georges Braque - Il Portoghese, 1911, Olio su tela, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Parigi, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Nel 1912, Braque avrebbe aperto nuove strade almeno altre due volte. Quell’anno divenne il primo pittore cubista a aggiungere sabbia a un dipinto per aggiungere livelli di trama e profondità all’opera, e fu anche il primo a incorporare la tecnica nota come papier collé, che consiste nell’incollare pezzi ritagliati di carta su una superficie. Entrambe queste tecniche furono usate nella sua opera intitolata Fruttiera e Bicchiere. In questo dipinto applicò pezzi ritagliati di carta da parati direttamente sulla superficie e poi ombreggiò il pezzo usando vernice mescolata con sabbia, aggiungendo profondità e trama all’immagine.

Braque incluse anche del testo in questo pezzo, usando le parole chiaramente definite e facilmente leggibili “Ale” e “Bar.” Queste parole sfidano le linee che separano le immagini pubblicitarie e la cosiddetta arte alta. La combinazione di tutte e tre queste tecniche si sarebbe rivelata una grande influenza sui Dadaisti, che facevano ampio uso di collage e testo per confondere e oscurare i significati apparenti nelle loro opere e per sfidare le nozioni borghesi di arte.

Georges Braque - Fruttiera e Bicchiere, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Piani, Forme, Punti di Vista e Colori

L’artista più responsabile per aver portato colori vivaci nel Cubismo Sintetico fu il pittore cubista spagnolo Juan Gris. Gris utilizzò anche un linguaggio visivo sostanzialmente semplificato che dimostra splendidamente il numero ridotto di punti di vista e l’uso semplificato di forme e piani che definisce il Cubismo Sintetico. Nell’opera di Gris Giornale e Fruttiera, vediamo tutti questi elementi in gioco. Vediamo anche in questo stesso dipinto molte delle ragioni per cui il Cubismo Sintetico è spesso visto come il precursore della Pop Art.

Non è solo che i cubisti sintetici giocassero con le nozioni della linea sfocata tra arte bassa e alta, e tra arte e pubblicità. Questo dipinto evoca anche in modo sorprendente i puntini Ben-Day di Roy Lichtenstein, e sembra quasi prefigurare identicamente la ripetizione, la disposizione delle immagini e la tavolozza di colori del Buffalo II di Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, Olio e inchiostro serigrafico su tela. 96 x 72 in (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Concesso in licenza da VAGA presso Artists Right Society (ARS), New York

I dipinti cubisti analitici precedenti avevano incorporato così tanti punti di vista diversi che la complessità delle immagini divenne quasi impossibile da districare. Il loro soggetto sembrava astratto al punto da essere irriconoscibile: ogni punto di vista era rappresentato da forme geometriche separate su un piano distinto e ogni piano sembrava sovrapposto agli altri e poi nuovamente appiattito. E le forme geometriche utilizzate nei dipinti cubisti analitici sembravano a volte quasi trasparenti. Erano dipinte in modo da mostrare velocità, vibrazione e movimento. Rappresentavano diversi momenti della giornata, diverse illuminazioni e diversi punti di vista.

Juan Gris - Giornale e Fruttiera, 1916, Olio su tela. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Reintroducendo una tavolozza di colori vivaci nelle immagini cubiste, Juan Gris diede allo stile un senso di gioco e di entusiasmo che mancava in quelle opere cubiste precedenti. E il vocabolario visivo semplificato di Gris presentava l’idea che il Cubismo potesse raggiungere i suoi obiettivi in modo diretto, semplice e piacevole esteticamente. Nel dipinto di Gris Il Violino, egli raggiunge il numero minimo assoluto di punti di vista, forme e piani per essere ancora considerato un’opera cubista. L’immagine risultante sembra più un esempio di suggerimento del Cubismo che una sua rigorosa definizione.

Juan Gris - Il Violino, 1916, Olio su pannello tristrato, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basilea

Sintetico: Un Altro Termine per Falso?

Aggiungendo scritte e pezzi di oggetti quotidiani nei loro dipinti, Picasso, Braque e Gris cercavano di connettersi con un senso ampliato della realtà dei loro soggetti. Ma aggiungendo quegli elementi artificiali alle loro opere creavano anche qualcosa che era palesemente irreale e diverso da tutte le opere cubiste precedenti. A volte dipingevano persino forme che sembravano collage, mescolando elementi imitati di collage con elementi veri di collage nella stessa opera. Questo nuovo stile fu chiamato Cubismo Sintetico proprio per questo motivo, a causa della natura artificiale delle tecniche usate rispetto alla serietà delle opere cubiste precedenti.

Il Cubismo Sintetico era più simbolico del Cubismo Analitico. Non cercava di raggiungere una visione elevata della realtà quadridimensionale. Piuttosto cercava di suggerire la realtà, ma in modo distorto. Fu una trasformazione che contribuì immensamente alle teorie e alle indagini legate al Surrealismo.

Il Cubismo Sintetico sfidò anche le differenze tra pittura e scultura. Invece di smontare l’immagine e poi riassemblarla da diversi punti di vista, il Cubismo Sintetico assemblava l’immagine, costruendola da una superficie piatta in un oggetto a più strati, come un oggetto tridimensionale appoggiato su una superficie bidimensionale. In tutti questi modi, il Cubismo Sintetico raggiunse i suoi risultati attraverso un chiaro e intenzionale paradosso: facendo opere sempre più false, ottenevano qualcosa di sempre più reale.

Immagine in evidenza: Pablo Picasso - Tre musicisti, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio