Come il Cubismo Analitico ha prefigurato l'Aastrazione Pura

Ciò che sembrano forze opposte nel mondo in realtà si completano a vicenda. Così fu all'inizio del XX secolo tra due tendenze principali e simultanee nel mondo dell'arte: il cubismo analitico e l'astrazione pura. Da un lato c'erano gli artisti associati al cubismo analitico, nomi famosi come Pablo Picasso e Georges Braque, geni dedicati a scoprire un modo concettualmente iper-realistico di fare arte. Dall'altro lato c'erano gli artisti associati all'astrazione pura; persone come Wassily Kandinsky, che erano dedicate a scoprire un'arte completamente non rappresentativa. Anche se apparentemente diametralmente opposti, questi due approcci diversi alla creazione artistica erano inestricabilmente legati. Rompendo la realtà oggettiva per presentarla in modo più completo, i cubisti analitici aiutarono l'astrazione pura a trovare la propria voce.

Cos'era il Cubismo Analitico?

Quando i critici d'arte e gli storici dell'arte parlano di cubismo analitico, si riferiscono a una tendenza nella pittura che è emersa tra il 1908 e il 1912. Prima di quel periodo, i dipinti erano stati visti come bidimensionali (se privi di profondità) o tridimensionali (se dotati di un senso di profondità attraverso tecniche come l'ombreggiatura). Durante quel periodo, un piccolo gruppo di artisti guidato da Pablo Picasso e Georges Braque si è impegnato in esperimenti estetici rivoluzionari destinati a portare la pittura nella quarta dimensione.

Le vecchie tecniche di pittura si basavano su un artista che lavorava da una singola prospettiva. Sebbene questo fosse adatto a mostrare un'immagine momentanea di un soggetto, non raggiungeva ciò che Picasso considerava realtà, che era percepita da più prospettive contemporaneamente. Per ottenere un senso di movimento e di tempo che passa (la 4ª dimensione), Picasso e il suo collega Braque abbandonarono l'uso della singola prospettiva. Il loro argomento era che nella vita reale percepiamo gli oggetti da una moltitudine di diverse prospettive. Vediamo qualcosa da diversi punti di vista in diversi momenti della giornata con diverse illuminazioni, a volte in movimento e a volte fermi. I loro esperimenti cercavano di mostrare il loro soggetto in questo modo più realistico, da una moltitudine di diversi punti di vista tutti contemporaneamente.

Pablo Picasso - Ritratto di Ambroise Vollard, 1910, Olio su tela. 93 x 66 cm, Museo Statale delle Belle Arti Pushkin, Mosca, © 2017 Patrimonio di Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Simultaneità

La loro parola per questo tipo di pittura a più prospettive era simultaneità. Dipingevano frammenti del loro soggetto da diversi punti di vista e in diverse illuminazioni e a diverse ore del giorno e poi combinavano quei frammenti su un unico piano, mostrando tutti i diversi punti di vista contemporaneamente e senza dare preferenza a nessuno di essi. Per intensificare questo effetto, mantenevano la loro palette di colori semplice e evitavano ombreggiature o qualsiasi altra tecnica che potesse aggiungere profondità all'immagine. Il risultato era un'immagine appiattita e multi-prospettica apparentemente composta da forme geometriche semplificate.

Per un osservatore occasionale, un dipinto cubista analitico potrebbe sembrare astratto. Ma in realtà il cubismo analitico non era astrazione; era piuttosto una forma di realismo accentuato. Il risultato degli esperimenti di Picasso e Braque era, nella loro mente, una rappresentazione più realistica del loro soggetto, almeno da un punto di vista concettuale se non letterale. Uno dei primi esempi di quello che ora chiamiamo cubismo analitico è il Ritratto di Ambroise Vollard di Picasso, dipinto nel 1909. In esso, possiamo chiaramente vedere che il soggetto è inteso come rappresentativo, mentre i diversi punti di vista, le diverse illuminazioni e i diversi piani ci danno un senso di movimento e simultaneità che accresce la nostra comprensione della presenza del soggetto.

Wassily Kandinsky - La Mucca, 1910, Olio su tela, 95,5 cm x 105 cm

Nel frattempo a Monaco

Nello stesso anno in cui Picasso dipinse il suo Ritratto di Ambroise Vollard a Parigi, Wassily Kandinsky, l'artista che presto sarebbe stato accreditato con l'invenzione dell'astrazione pura, si trovava in Germania a condurre i propri esperimenti estetici. Kandinsky stava anche lavorando con l'idea di piattezza e semplificazione del vocabolario estetico, ma per motivi diversi rispetto a Picasso e Braque. Kandinsky era in missione per creare dipinti completamente astratti. Credeva che, come nella musica strumentale, l'arte visiva potesse avere la capacità di comunicare emozioni più profonde e forse un senso di spiritualità comunicando a un livello puramente astratto.

Gli esperimenti di Kandinsky erano un'estensione e una culminazione di molte tendenze diverse che si erano verificate nell'arte sin dalla metà del 1800. Stava scomponendo la pittura nei suoi elementi essenziali, come colore, linea e forma, e imparando cosa ciascuno di quegli elementi potesse comunicare da solo. Credeva che questi elementi potessero essere paragonati a diverse note musicali, tonalità o tempi nel senso dell'effetto che potevano avere sulla psiche umana. Un esempio del lavoro di Kandinsky di questo periodo è il suo dipinto The Cow, che, sebbene chiaramente rappresentativo, raggiunge un appiattimento dello spazio e una radicale decostruzione degli elementi estetici dell'immagine.

Wassily Kandinsky - Senza titolo (Prima acquerello astratto), 1910, Acquerello e inchiostro indiano e matita su carta, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Parigi, Francia

I mondi si uniscono

Quindi in Francia, Picasso e Braque stavano appiattendo le loro immagini e riducendo il loro vocabolario estetico, in modo da poter rappresentare efficacemente il loro soggetto in modo semplificato da molteplici punti di vista. E in Germania, Kandinsky stava anche cercando la piattezza e la bidimensionalità, e stava semplificando le sue immagini, ma per un motivo diverso. Piuttosto che utilizzare forme geometriche per migliorare la comprensione di un soggetto pittorico da parte dello spettatore, Kandinsky e altri della sua mentalità esploravano quali significati potessero essere tratti da forme geometriche se usate indipendentemente da soggetti rappresentativi.

Qualcuno che non era a conoscenza dello scopo dei diversi esperimenti degli artisti potrebbe vedere uno o l'altro dei loro dipinti e uscire con un concetto molto diverso da quello che era realmente inteso. Ma queste due diverse scuole di pensiero erano comunque abbastanza opposte nel loro intento. Nello stesso anno in cui dipinse La Mucca, Kandinsky ebbe una svolta. Combinò le proprie teorie sull'istinto, la spiritualità e il colore con le teorie dei cubisti analitici sulla piattezza e la semplificazione geometrica e creò quello che la maggior parte degli storici considera ora il primo dipinto puramente astratto: Insenza (Prima Acquerello Astratto).

Jean Metzinger - Tea Time, 1911, Olio su cartone, 75.9 x 70.2 cm, Museo d'Arte di Philadelphia, Collezione Louise e Walter Arensberg, 1950, Philadelphia

Multiple Contemporaneous Simultaneities

È divertente oggi immaginare il clamore causato da Untitled (First Abstract Watercolor) di Kandinsky e dai dipinti cubisti analitici di Picasso e Braque, e la sensazione che molti pittori devono aver avuto di dover prendere posizione. Nei successivi due anni, una serie di altri pittori adottò il cubismo analitico e, insieme a Picasso e Braque, continuò a esplorare la quarta dimensione nelle loro opere. In alcuni casi, i loro dipinti divennero sempre più semplificati, dimostrando una visione chiara di ciò che il cubismo analitico rappresentava. Ad esempio, il dipinto di Jean Metzinger Tea Time, che è considerato un esempio particolarmente diretto, forse piuttosto ovvio, dell'intento del cubismo analitico. Dimostra efficacemente la simultaneità facendo affidamento su un numero limitato di diverse prospettive.

Altri cubisti analitici stavano creando opere che andavano nella direzione opposta, diventando più dense e più complesse, rendendo sempre più difficile distinguere il soggetto. Un esempio è Accordionist di Pablo Picasso, dipinto nel 1911. Anche se Picasso non intendeva che questo fosse un dipinto astratto, molti spettatori ancora oggi fraintendono quest'opera e la considerano astratta semplicemente perché è difficile capire cosa venga rappresentato; soprattutto alla luce di tanti altri pittori che stavano cercando intenzionalmente di creare opere astratte nello stesso periodo.

Pablo Picasso Accordionista, 1911, Olio su tela, 130,2 x 89,5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, New York, © 2017 Estate di Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

L'Intenzione Conta Davvero?

È stato spesso notato che, quando si legge una poesia, l'effetto cambia se si conosce personalmente il poeta. Lo stesso potrebbe facilmente essere detto di un dipinto, o di un pezzo musicale, o forse di qualsiasi opera d'arte. Anche se i cubisti analitici non intendevano contribuire all'emergere dell'arte puramente astratta, il semplice spettatore che non li conosceva personalmente e che non sapeva nulla della teoria dietro il loro lavoro, senza dubbio aveva reazioni all'opera che non avevano correlazione con le intenzioni degli artisti.

Che fosse o loro intento o meno, i cubisti analitici aiutarono gli astrattisti puri preparando il pubblico, compresi critici e storici, ad accettare la sperimentazione con la struttura e la prospettiva. Il loro lavoro sembrava non rappresentazionale, anche se conteneva comunque un soggetto, quindi oltre a ciò che i cubisti analitici intendevano far provare agli spettatori, essi provavano anche altre cose, a un livello subconscio. Quel contributo di aiutare gli spettatori a contestualizzare le reazioni emotive subconscie a immagini apparentemente non rappresentazionali fu il contributo più vitale che il cubismo analitico diede all'evoluzione dell'astrazione pura.

Sì, il cubismo analitico e l'astrazione pura erano forze opposte in termini di intenzione. Ma sfidando il piano pittorico e distorcendo il senso di realtà rappresentativa del pubblico, il cubismo analitico ha complementato l'astrazione pura e l'ha aiutata a guadagnare accettazione nel dominio pubblico. Anche se apparentemente opposti, questi due modi radicalmente diversi di approcciare l'arte hanno contribuito molto al successo l'uno dell'altro.

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park