Famosi dipinti astratti che hanno cambiato il modo in cui percepiamo l'arte
«Le immagini che possiamo avere, si potrebbe dire, dipendono da chi sta immaginando.» - John Hospers, da Un'introduzione all'analisi filosofica
Abbiamo bisogno di visionari che aprano porte nascoste, così da poter intravedere parti del mondo e di noi stessi che altrimenti potrebbero rimanere nascoste. La visione è la specialità degli artisti astratti e, negli ultimi oltre 100 anni, molti famosi dipinti astratti sono riusciti ad ampliare la visione dell'umanità. I visionari che hanno creato quelle immagini non ci hanno soltanto dotati, noi spettatori, del dono di nuove cose da vedere; ci hanno offerto modi completamente nuovi di vedere.
Queste svolte non sono confinate alla storia dell'arte. Accanto a ogni artista storico discusso di seguito, esaminiamo un'opera disponibile tramite IdeelArt che affronta questioni affini di linea, geometria, materia o colore. Questi accostamenti sono inviti a osservare, non affermazioni di influenza diretta: ogni artista dà a queste domande condivise un linguaggio proprio.
Famosi dipinti astratti: anni 1910 - anni 1920
A dire il vero, alcune delle nostre selezioni in questo articolo potrebbero rivelarsi controverse, poiché ogni appassionato di arte astratta ha gusti diversi. Tuttavia, la maggior parte probabilmente concorderebbe con la nostra prima selezione di dipinti astratti che hanno cambiato il modo in cui percepiamo l'arte. Senza titolo (Primo acquerello astratto) di Wassily Kandinsky fu dipinto nel 1910 ed è considerato dagli storici dell'arte il primo dipinto puramente astratto. La rappresentazione audace di macchie, sbavature e linee dai colori vivaci rinuncia a ogni riferimento visivo alla realtà oggettiva. Questo dipinto liberò gli artisti dalla schiavitù del soggetto e invitò gli spettatori a confrontarsi in modo del tutto nuovo con il concetto di ciò che può essere un'immagine.
Wassily Kandinsky - Senza titolo (Primo acquerello astratto) - 1910
Centre Georges Pompidou, Parigi
Cosa accade quando la linea e il colore non devono più descrivere un oggetto? In L'occhio, Macha Poynder offre una risposta contemporanea: segni sinuosi, improvvisi lampi di giallo e rosa e passaggi stratificati di blu creano un ritmo visivo inquieto. La sua pratica combina il disegno automatico, i gesti performativi e scelte cromatiche intuitive. Osservato accanto all'acquerello di Kandinsky, il dipinto suggerisce come l'astrazione possa trasformare il guardare in un'esperienza attiva, con l'occhio che segue le relazioni invece di identificare un soggetto.
Undici anni dopo, nel 1921, Piet Mondrian dipinse il suo iconico Tableau I. Dopo un periodo di sperimentazione della sua nuova voce artistica emergente, Tableau I consolidò quello che sarebbe diventato lo stile distintivo di Mondrian. Le rigide linee nere e i campi cromatici compartimentati offrivano agli spettatori uno scorcio di geometria purificata e precisione matematica. Le linee nitide e la precisione dell’opera non facevano riferimento ad altro se non a forma, colore e linea. L’opera inaugurò uno stile che avrebbe influenzato generazioni di pittori, scultori, architetti e designer, e continua ancora oggi a guidare i pensatori creativi.
Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Colonia, Germania
Anche la geometria di Mondrian invita a porsi una domanda che resta aperta ancora oggi: quanto poco deve contenere un’immagine per cambiare il nostro modo di vedere? Senza titolo 1, 2016 di Daniel Göttin percorre quel territorio da una prospettiva diversa. Campi verticali neri e grigi, separati da linee bianche, stabiliscono un motivo regolare i cui contrasti cambiano sulla superficie. Anziché ripetere la tavolozza caratteristica di Mondrian, Göttin esplora proporzione, ripetizione, simmetria e asimmetria. Il legame risiede nell’esperienza dello spettatore delle relazioni: una linea non è semplicemente un confine, ma qualcosa che modifica lo spazio circostante.
Nel 1925, Joan Miró dissolse le barriere tra Astrazione e Surrealismo con il suo dipinto La mancha roja (La macchia rossa). Miró non si considerava un astrattista. Raccontò di essere tornato a casa, nella sua minuscola abitazione, affamato e sfinito, e di aver dipinto le immagini che vedeva nella sua mente. La mancha roja (La macchia rossa) si colloca sulla sottile linea di confine tra figurazione antropomorfa, totem onirici e pura astrazione. Nell’immagine si nasconde qualcosa di infantile e al tempo stesso orribile. Con questo ciclo di opere, Miró spalancò la porta all’iconografia nascosta dei nostri incubi e dei nostri sogni.
Joan Miro - La mancha roja (La macchia rossa) - 1925
Collezione del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
© Fondazione Joan Miro, Barcellona
Le forme di Miró oscillano tra segni, creature immaginate e forme indipendenti. Un’ambiguità analoga anima Medusae I di Daniela Marin, dove forme striate, maculate e ramificate condividono un campo bianco con strutture geometriche aperte. Evocano esseri viventi senza definirsi in un’unica scena identificabile. Il vocabolario di Marin porta le forme organiche in dialogo con la geometria urbana, attingendo alle sue esperienze e ai suoi viaggi. La sua composizione luminosa ed espansiva differisce dall’atmosfera inquietante descritta nel dipinto di Miró, eppure entrambe invitano lo spettatore a muoversi tra riconoscimento e invenzione: una forma può sembrare viva senza diventare un’illustrazione.
Famosi dipinti astratti: anni ’30 – anni ’40
Mentre il mondo occidentale sprofondava per la seconda volta nel XX secolo nella depressione, nella carestia e nella guerra, l’astrazione si era ormai affermata come una forza importante nel mondo dell’arte. Gli artisti che lavoravano in questo stile impiegavano una straordinaria varietà di metodi, contribuendo ciascuno agli sforzi crescenti per entrare in contatto con qualcosa di puro, qualcosa di vero e qualcosa di libero nello spirito umano. In Gran Bretagna, il pittore Ben Nicholson ampliò la sua ricerca astratta in una serie di opere che definì dipinti a rilievo bianco. Tra queste opere figura White Relief, Quai d’Auteuil (1935), un esempio dell’approccio che affermò Nicholson come una delle voci più importanti dell’astrazione inglese. Nicholson era amico del pittore Piet Mondrian e ne fu influenzato. I rilievi bianchi sviluppavano l’uso di Mondrian di linee dai bordi netti e di uno spazio geometrico, introducendo una stratificazione tridimensionale e una tavolozza monocromatica. I primi dipinti a rilievo bianco di Nicholson furono creati nel 1933 e, nel 1935, aveva consolidato uno stile che combinava elementi di astrazione, costruttivismo, arte concreta e che lasciava intravedere i primi semi del Minimalismo e dell’astrazione post-pittorica.
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
Il Museo Hepworth Wakefield
I rilievi di Nicholson rendono lo spazio stesso una componente attiva dell’astrazione, attraverso le relazioni tra piani, bordi e profondità. Il pittore britannico Jeremy Annear propone un dialogo avvincente con questa ricerca in Construct (Red Disc and Triangle). Forme stratificate bianche, grigie e color terra ruotano attorno a contorni curvi, mentre un disco e un triangolo rossi scandiscono la composizione. Annear costruisce i suoi dipinti a olio attraverso forme stratificate e superfici materiche; qui, le loro sovrapposizioni suggeriscono uno spazio costruito anziché descritto. A differenza dei rilievi bianchi di Nicholson, questo è un dipinto a colori, ma la domanda condivisa riguarda il modo in cui un vocabolario limitato di forme possa stabilire equilibrio, tensione e un senso di profondità.
All'estremo opposto dello spettro, negli anni '30 e '40, si trovavano gli espressionisti astratti, noti anche come Scuola di New York. Rifiutando completamente la geografia razionale e la riduzione spaziale di artisti come Mondrian e Nicholson, gli espressionisti astratti cercavano di entrare in contatto con l'emozione primordiale attraverso le loro opere. Nessun espressionista astratto fu influente e riuscì a incarnare lo stile quanto Jackson Pollock.
Alcolista e nevrotico famoso, Pollock si lasciò ispirare dalla psicoanalisi per attingere al profondo del proprio subconscio in cerca d'ispirazione. La sua opera si basava sulla fisicità e su immagini totemiche inconsce per creare rappresentazioni intense dell'ansia moderna del dopoguerra. Uno dei primi dipinti a colature di Pollock, Full Fathom Five, realizzato nel 1947, cambiò per sempre l'arte astratta. Quest'opera è una fusione del suo precedente stile a pennellate e della sua tecnica visionaria a colature. Include monete, mozziconi di sigaretta e altri frammenti casuali provenienti dal suo studio, creando un livello di texture e profondità del tutto nuovo per l'astrattismo. Full Fathom Five segnò una svolta nella carriera di Pollock e cambiò per sempre il nostro rapporto con la tela.
Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
© 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society
Gli oggetti incorporati in Full Fathom Five ci ricordano che un dipinto può essere più di un'immagine: può essere un accumulo fisico di azioni e materiali. Anthony Frost esplora questa possibilità attraverso un processo istintivo che combina pittura e collage. In Surface Pressure, aree blu e arancioni dalla texture ruvida sono attraversate da una striscia rossa sporgente, facendo della superficie stessa parte dell'esperienza. L'uso di materiali trovati e la costruzione stratificata di Frost differiscono nettamente dalle colature aggrovigliate di Pollock, ma entrambe le opere ci invitano a considerare la pittura come qualcosa realizzato attraverso il coinvolgimento fisico, non semplicemente come un'immagine pianificata in anticipo.
Dipinti astratti famosi: anni '50
Negli anni Cinquanta, gli Espressionisti astratti avevano ormai conquistato saldamente l'immaginario del mondo dell'arte. Ovunque, gli artisti cercavano di entrare in contatto con il sé primordiale, la mente inconscia e le immagini nascoste del subconscio. Nel pieno di questo fervore emerse una tendenza alla calma, nata in parte dal crescente interesse di molti artisti per filosofie orientali come il taoismo e il buddismo zen. Uno dei movimenti più profondi sviluppatisi in questo periodo fu uno stile di pittura astratta noto come pittura Color Field.
L'obiettivo della pittura Color Field, come è generalmente intesa, era esplorare il colore indipendentemente dal soggetto, dalla forma, dalla linea e dagli altri vincoli della creazione di immagini. I pittori ricercavano una qualità meditativa che, se raggiunta, veniva poi trasmessa dall'opera agli spettatori.
La pittrice astratta Helen Frankenthaler è stata una delle voci più profonde del movimento Color Field. Con il suo dipinto Montagne e mare, realizzato nel 1952, Frankenthaler ha introdotto nel mondo una nuova tecnica pittorica da lei inventata, chiamata “processo soak-stain”. In questo processo, Frankenthaler usava la trementina per diluire la consistenza dei colori. Versava delicatamente la pittura diluita su una tela non preparata stesa sul pavimento, permettendo alla pittura di penetrare completamente attraverso la tela e conferendo all'opera una texture e un aspetto del tutto nuovi. Il processo soak-stain creava sublimi campi di colore che assumevano configurazioni organiche e mutevoli, sfiorando la serenità. Montagne e mare di Frankenthaler è considerato uno dei primi successi del movimento Color Field e rimane ancora oggi una delle sue immagini più emblematiche.
Helen Frankenthaler - Montagne e mare - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
La pittura di Frankenthaler apre uno spazio tra il paesaggio ricordato e campi indipendenti di colore. Greet Helsen si avvicina a quello spazio attraverso i suoi incontri con la natura, lavorando a partire da impressioni di luce, forma e colore anziché da descrizioni precise. In Dynamisch (Dynamic), tonalità traslucide di rosa, blu e lilla si muovono su una superficie ariosa, interrotte da sottili linee scure e pozze di colore più intenso. Helsen diluisce con cura la pittura acrilica, così che i livelli successivi rimangano visibili. Non si tratta dello stesso processo della tecnica soak-stain di Frankenthaler, ma l'accostamento ci permette di vedere come la trasparenza e il colore fluido possano suggerire un paesaggio senza raffigurarlo.
Forse l’artista più famoso associato agli artisti del Color Field è Mark Rothko, un artista che rifiutava con veemenza anche questa e la maggior parte delle altre etichette. Rothko lavorava interamente con il colore, cercando di aprire un piano spirituale sul quale lui e gli spettatori potessero sperimentare la profondità dell’emozione umana. Sebbene fosse totalmente concentrato sul colore, Rothko lo considerava soltanto un mezzo attraverso il quale stabilire questa connessione spirituale. Una delle prime opere fondamentali di Rothko fu No. 2, Green, Red and Blue, dipinta nel 1953. Quest’opera è emblematica della sua produzione successiva, affermando la sua voce come presenza singolarmente coinvolgente sia nel mondo dell’arte astratta sia in quello della spiritualità trascendente.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
Un colore può trasmettere un’emozione senza descriverne la causa? Questa domanda collega il lavoro di Rothko a Emotional Color Field 6 di Kyong Lee, sebbene i loro linguaggi visivi rimangano distinti. Lee dispone bande orizzontali che passano dal blu intenso e dal viola attraverso tonalità rosa e chiare fino all’arancione e al rosso. Il suo processo utilizza campi attentamente misurati e transizioni cromatiche graduali per esplorare i cambiamenti dello stato emotivo. Mentre le forme dai bordi sfumati di Rothko sembrano fluttuare, le divisioni di Lee sono nette e ordinate. Il dialogo riguarda meno la somiglianza che il modo in cui un colore modifica la nostra esperienza di quello successivo e il modo in cui queste relazioni possono diventare un linguaggio emotivo.
Famosi dipinti astratti: anni ’60 – ’70
Quando l’Astrattismo entrò negli anni ’60 e ’70, molti pittori ne stavano già rifiutando le idee fondamentali, tornando alla figurazione ed esplorando il regno dell’arte concettuale. Ciononostante, la forza della chiarezza e della libertà dell’Astrattismo continuava a offrire grandi promesse. Una delle voci più sublimi di questo periodo fu quella della pittrice astratta americana Agnes Martin. Conosciuta per i suoi dipinti a griglia e a linee, Martin rimane una voce iconica dell’Arte Astratta.
Il dipinto di Agnes Martin Night Sea, realizzato nel 1963, è uno dei primi esempi di quello che sarebbe diventato il suo stile caratteristico. Nell'opera, uno sfondo blu quasi monocromatico è intersecato da una meticolosa griglia dipinta con foglia d'oro. Quest'opera celebra il colore, attribuendo al contempo un'importanza equivalente alla linea. Abbraccia la semplicità comunicando simultaneamente vastità, complessità e un senso di interdipendenza reciproca. Martin parlava di come la linea rappresentasse per lei l'innocenza. Sperava che attraverso la sua opera il sentimento d'innocenza si trasferisse agli spettatori. La semplicità delle sue immagini e la schiettezza dell'emozione che sperava di comunicare furono fondamentali per colmare il divario tra Espressionismo astratto e Minimalismo.
Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate di Agnes Martin / Artists Rights Society
Il vocabolario misurato di Martin mostra come una linea possa catturare la nostra attenzione senza descrivere nulla. Senza titolo, 2014 (Id.383) di Richard Caldicott offre un diverso, essenziale incontro con la linea e lo spazio. Su un fondo chiaro, linee scure sottili e più marcate creano una struttura angolare aperta tra aree rosse e gialle. Invece di ripetere la griglia di Martin, Caldicott riduce la composizione a pochi rapporti, il cui equilibrio diventa più evidente mentre osserviamo. Le sue opere seriali su carta esplorano un linguaggio minimale e architettonico. L'accostamento invita a una forma di attenzione più lenta: non la ricerca di un soggetto, ma la consapevolezza di come intervalli, margini e spazio vuoto plasmino la nostra esperienza.
Negli anni Settanta, Robert Motherwell sconvolse ancora una volta il mondo dell'Astrazione con una voce che sembrava l'antitesi del fascino del Minimalismo. I suoi gesti primordiali e vigorosi comunicavano simultaneamente energia, forza e ansia. In essi c'era una forza stoica, eppure ne emergeva una profonda emozione che incarnava il potere e la libertà dell'Astrazione pura.
L'opera emblematica di Motherwell risale al 1971 e si intitola Elegy to the Spanish Republic No. 110. L'energia furiosa di questo dipinto avvolge lo spettatore e sembra sprigionarsi dalla tela. È animato da una vitalità sconvolgente, un'aggressività che trasferisce emozione e furore nello spazio. In un'epoca in cui molti pittori consideravano l'Astrazione ormai esaurita, Motherwell infuse nello stile una nuova e potente forza vitale. La sua visione innovativa e la sua voce sicura aiutarono l'Astrazione a resistere e continuano ancora oggi a ispirare e sostenere gli artisti astratti.
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
La Elegy di Motherwell dimostra come forme ripetute e vigorose possano conferire peso emotivo a un dipinto astratto. La Punk di Tommaso Fattovich affronta questo peso attraverso un linguaggio più frammentato e policromo. Passaggi verticali neri, rosa, verde pallido e arancioni emergono da un fondo ruvido grigio-marrone, con bordi che recano le tracce di gesti successivi. Fattovich sviluppa le sue composizioni intuitivamente, reagendo a colori, strati, linee e forme finché l’immagine non appare completa. Il confronto riguarda la presenza fisica del segno, non un’equivalenza tematica: l’astrazione ispirata all’ambiente urbano di Fattovich non condivide il significato storico specifico della Elegy di Motherwell, ma offre un altro modo di confrontarsi con il gesto come veicolo d’intensità.
Cambiare la nostra percezione del futuro
Gli artisti contemporanei di oggi devono qualcosa a ciascuno di questi artisti, sia per il modo in cui hanno cercato la libertà nelle loro forme espressive, sia per il modo in cui hanno aiutato gli spettatori ad aprire la mente a nuovi modi di vedere. L’astrazione continua ad aprirci nuove porte mentre cerchiamo di comprendere le infinite complessità che la nostra società in evoluzione ci presenta. Attingendo agli esempi dei grandi artisti astratti del passato, gli artisti astratti di oggi e di domani possono, si spera, aiutarci a tradurre le ansie e le paure contemporanee e a vedere oltre i limiti dei nostri occhi.
Le opere messe in dialogo con questi dipinti storici dimostrano che quelle possibilità restano aperte. Dalle linee irrequiete di Poynder e dalle forme organiche immaginate di Marin agli spazi costruiti di Göttin e Annear, l’astrazione offre molti modi di coinvolgere lo sguardo. Le superfici materiche di Frost, il colore traslucido di Helsen, le sequenze emotive di Lee, le strutture essenziali di Caldicott e i segni energici di Fattovich ampliano la conversazione in direzioni diverse. Non sostituiscono le opere storiche né ne ripetono i risultati. Ci invitano invece a portare ciò che abbiamo imparato verso nuovi incontri e a scoprire come l’astrazione continui a cambiare il nostro modo di guardare.
Immagine in evidenza: Wassily Kandinsky - Composizione VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio (2016) A cura di Francis Berthomier (2026)
