Famosi dipinti astratti che hanno cambiato il modo in cui percepiamo l'arte

“Quali immagini possiamo avere, si potrebbe dire, dipende da chi sta immaginando.” - John Hospers, da An Introduction to Philosophical Analysis

"Ci affidiamo ai visionari per aprire porte nascoste, così possiamo intravedere parti del mondo e parti di noi stessi che altrimenti potrebbero rimanere nascoste. La visione è la specialità degli artisti astratti e, negli ultimi 100+ anni, molti famosi dipinti astratti sono riusciti ad ampliare la visione dell'umanità. I visionari che hanno creato quelle immagini non solo ci hanno dotato, noi spettatori, del dono di nuove cose da vedere; ci hanno offerto modi completamente nuovi di vedere."

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1910 – 1920

È vero che alcune delle nostre scelte in questo articolo potrebbero risultare controverse, poichéogni amante dell'arte astratta ha gusti diversi. Ma la maggior parte probabilmente concorderebbe con la nostra prima selezione di dipinti astratti che hanno cambiato il modo in cui percepiamo l'arte. Untitled (First Abstract Watercolor) di Wassily Kandinsky è stato dipinto nel 1910 ed è considerato dagli storici dell'arte il primo dipinto puramente astratto. La rappresentazione audace di macchie, sbavature e linee dai colori vivaci rinuncia a ogni riferimento visivo alla realtà oggettiva. Questo dipinto ha liberato gli artisti dalla schiavitù del soggetto e ha invitato gli spettatori a interagire in un modo completamente nuovo con il concetto di cosa può essere un'immagine.

Wassily Kandinsky - Senza titolo (Prima acquerello astratto), 1910. Acquerello e inchiostro indiano e matita su carta. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Parigi

Undici anni dopo, nel 1921, Piet Mondrian dipinse il suo iconico Tableau I. Dopo un periodo di sperimentazione con la sua nuova voce emergente, Tableau I consolidò quello che sarebbe diventato lo stile distintivo di Mondrian. Le dure linee nere e i campi di colore compartimentati offrirono agli spettatori uno sguardo sulla geometria purificata e sulla precisione matematica. Le linee pulite e la precisione dell'opera non facevano riferimento a nient'altro che alla forma, al colore e alla linea. L'opera inaugurò uno stile che avrebbe influenzato generazioni di pittori, scultori, architetti e designer, e continua a guidare i pensatori creativi di oggi.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olio su tela. 96,5 cm x 60,5 cm. Museo Ludwig, Colonia, Germania

Nel 1925, Joan Miró dissolse le barriere tra Astrazione e Surrealismo con il suo dipinto La mancha roja (La macchia rossa). Miró non si considerava un astrattista. Disse che tornava a casa nella sua piccola abitazione, affamato e esausto, e dipingeva le immagini che vedeva nella sua testa. La mancha roja (La macchia rossa) attraversa la sottile linea tra figurazione antropomorfica, totem onirici e pura astrazione. Qualcosa di infantile, eppure orribile, si nasconde nell'immagine. Con questo corpo di lavoro, Miró spalancò la porta all'iconografia nascosta dei nostri incubi e sogni.

Joan Miro - La macchia rossa, 1925. Olio e pastello su tela. 146 x 114 cm. Collezione Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fondazione Joan Miro, Barcellona

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1930 – 1940

Mentre il mondo occidentale scivolava in depressione, carestia e guerra per la seconda volta nel XX secolo, l'astrazione si affermava fermamente come una forza principale nel mondo dell'arte. Una fantastica gamma di metodi veniva impiegata dagli artisti che lavoravano in questo stile, ognuno contribuendo agli sforzi crescenti per connettersi con qualcosa di puro, qualcosa di vero e qualcosa di libero dentro lo spirito umano. In Gran Bretagna, il pittore Ben Nicholson espanse il suo lavoro astratto in un corpo di opere che lui chiamava dipinti in rilievo bianco. Una delle sue opere seminali, 1935 (rilievo bianco), aprì nuove strade visive, stabilendo Nicholson come una delle voci più importanti dell'Astrazione inglese. Nicholson era amico e influenzato dal pittore Piet Mondrian. Le opere in rilievo bianco ampliavano l'uso delle linee nette e dello spazio geometrico di Mondrian, introducendo stratificazione dimensionale e una palette monocromatica. I primi dipinti in rilievo bianco di Nicholson furono creati nel 1933, e quando 1935 (rilievo bianco) fu creato, aveva consolidato uno stile che combinava elementi di astrazione, costruttivismo, arte concreta, e che suggerisce i primi semi del Minimalismo e dell'Astrazione Post-Pittorica.

All'altro estremo dello spettro durante gli anni '30 e '40 c'erano gli Espressionisti Astratti, noti anche come la Scuola di New York. Rifiutando completamente la geografia razionale e la riduzione spaziale di artisti come Mondrian e Nicholson, gli Ab Ex-ers cercavano di connettersi con l'emozione primordiale nel loro lavoro. Nessun Espressionista Astratto è stato così influente e di successo nell'incarnare lo stile come Jackson Pollock.

Un noto alcolista e nevrotico, Pollock fu ispirato dalle psicoanalisi a scavare nel profondo del suo subconscio per trovare ispirazione. Il suo lavoro attingeva alla fisicità e a immagini totemiche inconsce per creare rappresentazioni feroci dell'ansia moderna e post-bellica. Uno dei primi dipinti a goccia di Pollock, Full Fathom Five, dipinto nel 1947, cambiò per sempre l'arte astratta. Quest'opera è un amalgama del suo precedente stile a pennello e della sua tecnica visionaria a goccia. Include monete, mozziconi di sigaretta e altri pezzi casuali dal suo studio, proiettando un livello di texture e profondità del tutto nuovo per l'Astrazione. Full Fathom Five segnò un punto di svolta nella carriera di Pollock e cambiò per sempre il nostro rapporto con la tela.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olio su tela con chiodi, puntine, bottoni, chiave, monete, sigarette, fiammiferi, ecc. 50 7/8 x 30 1/8 in. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Famosi Dipinti Astratti: Anni 50

Negli anni '50, gli Espressionisti Astratti avevano preso saldamente il sopravvento nell'immaginazione del mondo dell'arte. Ovunque, gli artisti si sforzavano di connettersi con il sé primordiale, la mente inconscia e le immagini nascoste del subconscio. In mezzo a questo fervore emerse una tendenza verso la calma, nata parzialmente da un crescente interesse tra molti artisti per le filosofie orientali come il Taoismo e il Buddismo Zen. Uno dei movimenti più profondi emersi in questo periodo fu uno stile di pittura astratta noto come Color Field Painting.

L'obiettivo della Color Field Painting, come è stata generalmente intesa, era esplorare il colore indipendentemente dal soggetto, dalla forma, dalla linea e dagli altri vincoli della creazione di immagini. I pittori cercavano una qualità meditativa e, se riuscivano, questa veniva successivamente trasferita dall'opera agli spettatori.

Il pittore astratto Helen Frankenthaler è stata una delle voci più profonde del movimento Color Field. Con il suo dipinto Mountains and Sea, realizzato nel 1952, Frankenthaler ha introdotto al mondo una nuova tecnica di pittura che aveva inventato chiamata "soak-stain process." In questo processo, Frankenthaler utilizzava la trementina per assottigliare la consistenza dei suoi colori. Versava delicatamente la vernice diluita su una tela non preparata sul pavimento, permettendo alla vernice di assorbirsi completamente nella tela, dando all'opera una nuova texture e un aspetto del tutto nuovo. Il soak-stain process creava campi sublimi di colore che assumevano configurazioni organiche e in trasformazione, toccando il sereno. Mountains and Sea di Frankenthaler è considerato uno dei primi successi del movimento Color Field e rimane oggi una delle sue immagini più affascinanti.

Helen Frankenthaler - Montagne e Mare, 1952. Olio e carbone su tela. 86 5/8 x 117 ¼ in. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Forse l'artista più famoso associato agli artisti del Color Field è Mark Rothko, un artista che ha anche respinto con veemenza questa e molte altre etichette. Rothko lavorava esclusivamente con il colore, cercando di aprire un piano spirituale su cui lui e gli spettatori potessero sperimentare la profondità dell'emozione umana. Sebbene fosse completamente concentrato sul colore, Rothko lo considerava solo un veicolo attraverso il quale questa connessione spirituale potesse essere realizzata. Una delle opere precoci che definiscono Rothko è No. 2, Green, Red and Blue, dipinta nel 1953. Questo pezzo è iconico del futuro corpus di opere di Rothko, stabilendo la sua voce come un abitante unicamente affascinante sia dei mondi dell'arte astratta che della spiritualità trascendente.

Mark Rothko - No. 2, Verde, Rosso e Blu, 1953. Collezione privata

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1960 – 1970

Con l'astrazione che entrava negli anni '60 e '70, molti pittori stavano già rifiutando le sue idee fondamentali, tornando alla figurazione ed esplorando il regno dell'arte concettuale. Tuttavia, il potere della chiarezza e della libertà dell'astrazione continuava a mantenere grandi promesse. Una delle voci più sublimi di questo periodo era la pittrice astratta americana Agnes Martin. Conosciuta per i suoi dipinti a griglia lineare, Martin resiste come una voce iconica dell'arte astratta.

Il dipinto di Agnes Martin Night Sea, realizzato nel 1963, è uno dei primi esempi di quello che sarebbe diventato il suo stile definitivo. Nell'opera, uno sfondo blu quasi monocromatico è intersecato da un meticoloso schema a griglia dipinto in foglia d'oro. Quest'opera abbraccia il colore, mentre attribuisce uguale potere alla linea. Abbraccia la semplicità mentre comunica simultaneamente vastità, complessità e un senso di interdipendenza intrecciata. Martin parlava di come la linea, per lei, rappresentasse l'innocenza. Sperava che il sentimento di innocenza fosse trasferito agli spettatori attraverso il suo lavoro. La semplicità delle sue immagini e la schiettezza dell'emozione che sperava di comunicare furono strumentali nel colmare il divario tra l'Espressionismo Astratto e il Minimalismo.

Agnes Martin - Mare Notturno, 1963. Olio e foglia d'oro su tela. 72 x 72 pollici. © Eredità di Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Negli anni '70, Robert Motherwell scosse nuovamente il mondo dell'Astrazione con una voce che sembrava l'antitesi del fascino del Minimalismo. I suoi gesti primordiali e robusti trasmettevano energia, forza e ansia tutto in una volta. C'era una forza stoica in essi eppure un'emozione profonda emergeva che incarnava il potere e la libertà della pura Astrazione.

Il lavoro definitorio di Motherwell è arrivato nel 1971 ed è stato chiamato Elegia alla Repubblica Spagnola n. 110. L'energia furiosa di questo dipinto avvolge lo spettatore e sembra esplodere dalla tela. C'è una vitalità scioccante in esso, un'aggressività che trasferisce emozione e furia nello spazio. In un'epoca in cui molti pittori consideravano che l'Astrazione avesse esaurito il suo corso, Motherwell ha iniettato una potente nuova forza vitale nello stile. La sua visione fresca e la sua voce sicura hanno aiutato l'Astrazione a resistere e continuano a ispirare e dare potere agli artisti astratti fino ad oggi.

Robert Motherwell - Elegia alla Repubblica Spagnola No. 110, 1971. Acrilico con grafite e carbone su tela. 82 x 114 in. Museo Solomon R. Guggenheim. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenziato da VAGA presso Artists Rights Society (ARS), New York

Cambiando la nostra percezione del futuro

Gli artisti astratti contemporanei di oggi devono un debito a ciascuno di questi artisti, sia per i modi in cui cercavano la libertà nelle loro modalità espressive, sia per i modi in cui aiutavano gli spettatori ad aprire la mente a nuovi modi di vedere. L'astrazione continua ad aprirci nuove porte mentre cerchiamo di comprendere le infinite complessità che la nostra società in evoluzione ci presenta. Traendo spunto dagli esempi dei grandi artisti astratti del passato, gli artisti astratti di oggi e di domani possono sperabilmente aiutarci a tradurre le nostre ansie e paure contemporanee e aiutarci a vedere oltre le limitazioni dei nostri occhi.

Immagine in evidenza: Wassily Kandinsky - Composizione VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi / Erich Lessing / Art Resource, NY
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park