Famosi dipinti astratti che hanno cambiato il modo in cui percepiamo l'arte

“Le immagini che possiamo avere, si potrebbe dire, dipendono da chi sta immaginando.” - John Hospers, da Un'introduzione all'analisi filosofica

Dipendiamo dai visionari per aprire porte nascoste, così da poter intravedere parti del mondo, e parti di noi stessi, che altrimenti rimarrebbero celate. La visione è la specialità degli artisti astratti e, negli ultimi oltre 100 anni, molti famosi dipinti astratti sono riusciti ad ampliare la visione dell’umanità. I visionari che hanno creato quelle immagini non solo ci hanno donato, a noi spettatori, il dono di nuove cose da vedere; ci hanno offerto modi completamente nuovi di vedere.

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1910 – 1920

Ammettiamo che alcune delle nostre scelte in questo articolo possano risultare controverse, poiché ogni appassionato d’arte astratta ha gusti diversi. Ma la maggior parte probabilmente concorderebbe con la nostra prima selezione di dipinti astratti che hanno cambiato il modo in cui percepiamo l’arte. Senza titolo (Prima acquerello astratto) di Wassily Kandinsky, dipinto nel 1910, è considerato dagli storici dell’arte il primo dipinto puramente astratto. La rappresentazione audace di macchie, sbavature e linee vivacemente colorate rinuncia a ogni riferimento visivo alla realtà oggettiva. Questo dipinto liberò gli artisti dal vincolo del soggetto e invitò gli spettatori a impegnarsi in un modo completamente nuovo con il concetto di cosa può essere un’immagine.

Wassily Kandinsky - Senza titolo (Prima acquerello astratto), 1910. Acquerello, inchiostro indiano e matita su carta. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Parigi

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olio su tela. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Colonia, Germania

Nel 1925, Joan Miró dissolse le barriere tra Astrattismo e Surrealismo con il suo dipinto La mancha roja (La macchia rossa). Miró non si considerava un astrattista. Diceva che tornava a casa, affamato e stanco, e dipingeva le immagini che vedeva nella sua mente. La mancha roja (La macchia rossa) si colloca sulla sottile linea tra figurazione antropomorfa, totem onirici e pura astrazione. Qualcosa di infantile, ma orribile, si nasconde nell’immagine. Con questo corpus di opere, Miró spalancò la porta all’iconografia nascosta dei nostri incubi e sogni.

Joan Miro - La mancha roja (La macchia rossa), 1925. Olio e pastello su tela. 146 x 114 cm. Collezione Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fondazione Joan Miro, Barcellona

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1930 – 1940

Mentre il mondo occidentale scendeva nuovamente nella depressione, carestia e guerra per la seconda volta nel XX secolo, l’astrazione si affermava saldamente come una forza importante nel mondo dell’arte. Una gamma fantastica di metodi veniva impiegata dagli artisti che lavoravano in questo stile, ognuno contribuendo agli sforzi crescenti per connettersi con qualcosa di puro, vero e libero nello spirito umano. In Gran Bretagna, il pittore Ben Nicholson ampliò il suo lavoro astratto in un corpus di ciò che chiamò dipinti a rilievo bianco. Una delle sue opere fondamentali, 1935 (rilievo bianco), aprì nuovi orizzonti visivi, stabilendo Nicholson come una delle voci più importanti dell’Astrattismo inglese. Nicholson era amico e influenzato dal pittore Piet Mondrian. Le opere a rilievo bianco ampliarono l’uso di Mondrian di linee nette e spazi geometrici, introducendo stratificazioni dimensionali e una tavolozza monocromatica. I primi dipinti a rilievo bianco di Nicholson furono creati nel 1933 e, al momento della realizzazione di 1935 (rilievo bianco), aveva consolidato uno stile che combinava elementi di astrazione, costruttivismo, arte concreta, e che suggerisce i primi semi del Minimalismo e dell’Astrattismo post-pittorico.

All’estremo opposto dello spettro, durante gli anni 1930 e 1940, c’erano gli Espressionisti Astratti, noti anche come la Scuola di New York. Rifiutando completamente la geografia razionale e la riduzione spaziale di artisti come Mondrian e Nicholson, gli Espressionisti Astratti cercavano di connettersi con l’emozione primordiale nelle loro opere. Nessun Espressionista Astratto fu tanto influente e riuscito nell’incarnare lo stile quanto Jackson Pollock.

Alcolista noto e nevrotico, Pollock fu ispirato dalla psicoanalisi a scavare profondamente nel suo subconscio per trovare ispirazione. Il suo lavoro si basava sulla fisicità e su immagini totemiche inconsce per creare rappresentazioni feroci dell’ansia moderna del dopoguerra. Uno dei primi dipinti a goccia di Pollock, Full Fathom Five, dipinto nel 1947, cambiò per sempre l’arte astratta. Quest’opera è un amalgama del suo stile precedente con il pennello e della sua tecnica visionaria a goccia. Include monete, mozziconi di sigaretta e altri oggetti casuali dal suo studio, proiettando un livello di texture e profondità del tutto nuovo per l’Astrattismo. Full Fathom Five segnò una svolta nella carriera di Pollock e cambiò per sempre il nostro rapporto con la tela.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olio su tela con chiodi, puntine, bottoni, chiave, monete, sigarette, fiammiferi, ecc. 50 7/8 x 30 1/8 pollici. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1950

Negli anni 1950, gli Espressionisti Astratti avevano saldamente conquistato l’immaginazione del mondo dell’arte. Ovunque, gli artisti cercavano di connettersi con il sé primordiale, la mente inconscia e le immagini nascoste del subconscio. In mezzo a questo fervore emerse una tendenza verso la calma, nata in parte da un crescente interesse di molti artisti per le filosofie orientali come il Taoismo e il Buddhismo Zen. Uno dei movimenti più profondi a emergere in questo periodo fu uno stile di pittura astratta noto come Pittura a Campo di Colore.

L’obiettivo della Pittura a Campo di Colore, come è generalmente inteso, era esplorare il colore indipendentemente dal soggetto, dalla forma, dalla linea e dagli altri vincoli della creazione d’immagine. I pittori cercavano una qualità meditativa che, se raggiunta, veniva poi trasferita dall’opera agli spettatori.

La pittrice astratta Helen Frankenthaler fu una delle voci più profonde del movimento a Campo di Colore. Con il suo dipinto Montagne e Mare, realizzato nel 1952, Frankenthaler introdusse al mondo una nuova tecnica di pittura da lei inventata chiamata “processo di assorbimento”. In questo processo, Frankenthaler usava la trementina per diluire la consistenza dei suoi colori. Versava delicatamente il colore diluito su una tela non preparata posta sul pavimento, permettendo al colore di penetrare completamente nella tela, conferendo all’opera una texture e un aspetto del tutto nuovi. Il processo di assorbimento creava campi sublimi di colore che assumevano configurazioni organiche e mutevoli, toccando la serenità. Montagne e Mare di Frankenthaler è considerato uno dei primi successi del movimento a Campo di Colore e rimane una delle sue immagini più amate ancora oggi.

Helen Frankenthaler - Montagne e Mare, 1952. Olio e carbone su tela. 86 5/8 x 117 ¼ pollici. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Forse l’artista più famoso associato agli artisti a Campo di Colore è Mark Rothko, un artista che rifiutò con forza quella e la maggior parte delle altre etichette. Rothko lavorava interamente con il colore, cercando di aprire un piano spirituale sul quale lui e gli spettatori potessero sperimentare la profondità dell’emozione umana. Pur concentrandosi completamente sul colore, Rothko lo considerava solo un mezzo attraverso cui questa connessione spirituale poteva essere realizzata. Una delle opere iniziali più rappresentative di Rothko fu No. 2, Verde, Rosso e Blu, dipinta nel 1953. Quest’opera è iconica del futuro corpus di Rothko, stabilendo la sua voce come un abitante unico e amato sia del mondo dell’arte astratta sia della spiritualità trascendente.

Mark Rothko - No. 2, Verde, Rosso e Blu, 1953. Collezione privata

Famosi Dipinti Astratti: Anni 1960 – 1970

Con l’ingresso dell’Astrattismo negli anni 1960 e 1970, molti pittori stavano già rifiutando le sue idee fondamentali, tornando alla figurazione ed esplorando il campo dell’arte concettuale. Tuttavia, la forza della chiarezza e della libertà dell’Astrattismo manteneva ancora grandi promesse. Una delle voci più sublimi di questo periodo fu la pittrice astratta americana Agnes Martin. Nota per i suoi dipinti a griglia lineare, Martin rimane una voce iconica dell’Arte Astratta.

Il dipinto di Agnes Martin Night Sea, realizzato nel 1963, è uno dei primi esempi di quello che sarebbe diventato il suo stile definitivo. Nell’opera, uno sfondo quasi monocromatico blu è attraversato da un meticoloso motivo a griglia dipinto con foglia d’oro. Quest’opera abbraccia il colore, ponendo uguale importanza alla linea. Abbraccia la semplicità comunicando al contempo vastità, complessità e un senso di interdipendenza intrecciata. Martin parlava di come la linea, per lei, rappresentasse l’innocenza. Sperava che la sensazione di innocenza fosse trasmessa agli spettatori attraverso la sua opera. La semplicità delle sue immagini e la direttezza dell’emozione che sperava di comunicare furono fondamentali per colmare il divario tra Espressionismo Astratto e Minimalismo.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olio e foglia d’oro su tela. 72 x 72 pollici. © Patrimonio di Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Negli anni 1970, Robert Motherwell scosse nuovamente il mondo dell’Astrattismo con una voce che sembrava l’antitesi del richiamo del Minimalismo. I suoi gesti primitivi e ruvidi trasmettevano energia, forza e ansia allo stesso tempo. C’era una forza stoica in essi eppure emergeva un’emozione profonda che incarnava il potere e la libertà della pura Astrattismo.

L’opera definitoria di Motherwell risale al 1971 e si intitola Elegia alla Repubblica Spagnola n. 110. L’energia furiosa di questo dipinto avvolge lo spettatore e sembra esplodere dalla tela. Vi è una vitalità sconvolgente, un’aggressività che trasferisce emozione e furia nello spazio. In un momento in cui molti pittori consideravano l’Astrattismo ormai esaurito, Motherwell infuse una potente nuova forza vitale nello stile. La sua visione fresca e la voce sicura aiutarono l’Astrattismo a durare e continuano a ispirare e rafforzare gli artisti astratti fino a oggi.

Robert Motherwell - Elegia alla Repubblica Spagnola n. 110, 1971. Acrilico con grafite e carbone su tela. 82 x 114 pollici. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenziato da VAGA presso Artists Rights Society (ARS), New York

Cambiare la Nostra Percezione del Futuro

Gli artisti astratti contemporanei di oggi devono un debito a ciascuno di questi artisti, sia per i modi in cui cercarono libertà nelle loro modalità di espressione sia per i modi in cui aiutarono gli spettatori ad aprire la mente a nuovi modi di vedere. L’Astrattismo continua ad aprirci nuove porte mentre cerchiamo di comprendere le infinite complessità che la nostra società in evoluzione ci presenta. Traendo esempio dai grandi artisti astratti del passato, gli artisti astratti di oggi e di domani possono sperare di aiutarci a tradurre le nostre ansie e paure contemporanee e aiutarci a vedere oltre i limiti dei nostri stessi occhi.

Immagine in evidenza: Wassily Kandinsky - Composizione VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi / Erich Lessing / Art Resource, NY
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio