Questioni di Libertà - Uno Sguardo al Concrete Art

Insieme al Suprematismo, al Costruttivismo, al De Stijl, all'Arte Neo-Concreta e al Minimalismo, Arte Concreta è uno dei sei movimenti di arte astratta geometrica emersi nel XX secolo, grosso modo tra il 1913 e il 1970. Ma è distintamente diverso da tutti gli altri in questa lista. La differenza potrebbe non essere facilmente apparente. Visivamente, tutti e sei questi movimenti hanno prodotto opere simili. Questo perché tutti erano basati sulla stessa sintassi: un linguaggio visivo radicato in elementi formali non oggettivi come linee, forme e colori. La differenza essenziale tra di loro era quasi interamente semantica, il che significa che l'intenzione e il significato sottostanti a ciascuno erano unici. Il Suprematismo utilizzava l'astrazione geometrica per comunicare la "supremazia del puro sentimento o percezione." Il Costruttivismo la utilizzava per costruire nuovi simboli utili per un mondo moderno. Il De Stijl utilizzava elementi geometrici per esplorare l'armonia intrinseca dell'universo. L'Arte Concreta era puramente plastica: ogni elemento visivo impiegato era creato in modo meccanico ed era privo di qualsiasi significato simbolico, emotivo, spirituale o naturalistico. L'Arte Neo-Concreta utilizzava lo stesso linguaggio visivo dell'Arte Concreta, ma rifiutava la sua pura plasticità, concentrandosi invece sul potenziale fenomenologico che sorge quando le persone interagiscono con l'arte. Il Minimalismo concordava sul fatto che gli elementi plastici dovessero essere auto-referenziali, ma portava quella convinzione all'estremo, dotando i componenti estetici di un potere autonomo al punto da sublimare l'artista, rimuovendo ogni evidenza di autorialità, narrazione, biografia o qualsiasi altra cosa che potesse interferire con la presenza totalitaria dell'opera. Di tutti questi movimenti, solo uno—l'arte concreta—può vantare di essere puramente astratta. Essa sola cercava attivamente di eliminare qualsiasi significato esterno, liberando gli artisti dall'obbligo di comunicare qualsiasi cosa oltre a ciò che era chiaramente visibile nell'opera.

Verso la Concrezione

La tendenza verso un'arte pura e plastica si radicò in Europa intorno alla metà del 1800. Fu allora che i pittori associati a movimenti come l'Impressionismo e il Divisionismo iniziarono a isolare elementi come la luce e il colore come cose degne di considerazione individuale. Ma il soggetto e il significato erano ancora importanti per le persone di quel tempo, se non per gli artisti stessi, almeno per i loro mecenati. Ci vollero movimenti come il Cubismo e il Futurismo per iniziare a cambiare questa prospettiva, aprendo la strada a artisti come Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich per dipingere opere completamente astratte all'inizio del 1900.

Ma anche Kandinsky e Malevich crearono opere che facevano riferimento a fonti esterne di significato, come la spiritualità e il simbolismo. Fu solo nel 1930 che il primo europeo verbalizzò con successo il desiderio di abbracciare una forma di arte visiva astratta veramente priva di significato e pura. Quell'artista era il pittore e scrittore olandese Theo van Doesburg. Van Doesburg era diventato prominente intorno al 1917, quando co-fondò De Stijl con Piet Mondrian. Ma lui e Mondrian presto si separarono, perché Mondrian, come molti altri artisti astratti, era fortemente influenzato dalla spiritualità utopica. Van Doesburg voleva sfuggire a tutte queste influenze, insieme a tutti i riferimenti naturalistici o figurativi. Così, nel 1930, insieme all'artista svizzero Otto Gustaf Carlsund, al pittore francese Jean Hélion, al pittore armeno Léon Arthur Tutundjian e al tipografo francese Marcel Wantz, co-autorizzò il Manifesto dell'Arte Concreta.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Il Manifesto dell'Arte Concreta

Il manifesto esponeva sei principi: “1) L'arte è universale. 2) Un'opera d'arte deve essere completamente concepita e plasmata dalla mente prima della sua esecuzione. Non deve ricevere nulla dei dati formali della natura, della sensualità o della sentimentalità. Vogliamo escludere il lirismo, il dramma, il simbolismo e così via. 3) Il dipinto deve essere interamente costruito con elementi puramente plastici, vale a dire superfici e colori. Un elemento pittorico non ha alcun significato al di là di "se stesso"; di conseguenza, un dipinto non ha alcun significato diverso da "se stesso". 4) La costruzione di un dipinto, così come quella dei suoi elementi, deve essere semplice e visivamente controllabile. 5) La tecnica pittorica deve essere meccanica, cioè esatta, anti-impressionistica. 6) Uno sforzo verso la chiarezza assoluta è obbligatorio.”

Van Doesburg morì un anno dopo la pubblicazione del Manifesto dell'Arte Concreta, quindi non fu presente abbastanza a lungo per difenderlo dall'esercito di critici che lo attaccarono nei decenni successivi. Le lamentele di quei critici si concentravano principalmente su ciò che percepivano come la freddezza, l'assenza di anima e la sterilità dell'Arte Concreta. Ma, naturalmente, questo era l'intento del movimento fin dall'inizio. Infatti, è difficile immaginare che, se van Doesburg fosse vissuto più a lungo, si sarebbe preoccupato di discutere con i suoi critici. Probabilmente avrebbe interpretato la parola "senza anima" come un complimento, e le parole "fredo" e "sterile" come un grande elogio.

Art Concret Manifesto, May 1930, via wikiart.org

La chiarezza è sfuggente

Per capire perché l'Arte Concreta abbia inizialmente attratto così fortemente molti artisti, è essenziale comprendere che van Doesburg faceva parte di una generazione che era diventata disillusa dopo decenni di violenza. La morte e la distruzione di massa che accompagnavano la guerra moderna li scioccarono. E molti intellettuali giunsero alla conclusione che la violenza non era emersa da un vuoto. Al contrario, la vedevano come il risultato inevitabile di conflitti politici, religiosi e ideologici. L'Arte Concreta era un appello per gli artisti a disconnettersi dalla realtà che aveva portato il mondo sull'orlo della distruzione.

Anche oggi, molti artisti, come Daniel Göttin e Tilman, abbracciano i principi dell'Arte Concreta, cercando di raggiungere una chiarezza assoluta. Ma rimane un obiettivo complesso. Il pubblico contemporaneo non può fare a meno di trovare significato nell'Arte Concreta. L'intento dell'artista significa poco per noi, perché vediamo l'opera nel contesto della storia dell'arte e delle nostre storie personali. Questo è ciò che artisti brasiliani come Lygia Pape, Hélio Oiticica e Lygia Clark, che hanno fondato il Movimento Neo-Concreto, hanno anche realizzato. Sapevano che anche se un colore, una forma o una linea non fanno riferimento a nient'altro che a se stessi, assumono un nuovo significato quando lo sperimentiamo per noi stessi. Nonostante i migliori sforzi degli Artisti Concreti, la chiarezza assoluta nell'arte astratta è sfuggente, perché la mente umana è sempre felice di essere presente, pronta a rendere le acque torbide.

Immagine in evidenza: Tilman - Senza titolo (257.11), 2011, 25.6 x 19.7 in.

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park