La Storia di una Pioniera - Lygia Pape

Il 23 marzo 1959 apparve un saggio nel supplemento domenicale del Giornale del Brasile. Era firmato da sette artisti brasiliani, tra cui Lygia Pape. Esponeva con precisione ciò a cui gli artisti stavano pensando. Non che spiegasse esattamente la loro arte. Piuttosto spiegava le loro ragioni per fare arte e la speranza di ciò che la loro arte avrebbe potuto raggiungere nella società. Conosciuto come il Manifesto Neoconcreto, il saggio segnò una svolta nella storia dell’arte brasiliana. E con il senno di poi possiamo ora affermare con certezza che segnò anche una svolta nella storia dell’arte del XX secolo in generale. Espresse in modo conciso molti dei problemi delle forme d’arte non oggettive emerse nella prima metà del XX secolo e propose diverse idee su come superarli per creare un approccio più costruttivo, aperto e universale all’arte astratta. Tra tutti gli artisti che firmarono il Manifesto Neoconcreto, Lygia Pape divenne la più influente. Il suo metodo semplice, elegante e preciso diede vita a un corpus di opere che ancora oggi appare fresco e ispiratore.

Espressione del Problema

Per chiunque non capisca perché esiste l’arte astratta, o perché sia nata quando e come è nata, il Brasile è un ottimo punto di riferimento. L’ascesa dell’arte astratta in Brasile avvenne per ragioni abbastanza facili da comprendere. La storia brasiliana prima del 1945 è in molti modi una storia di sfruttamento, lotte di potere e controllo autoritario. Quasi tutta l’arte prodotta dagli artisti brasiliani prima del 1945 era figurativa, gran parte realizzata direttamente al servizio di agende politiche. È facile immaginare che quando, nel 1945, il paese visse un’ondata di riforme liberali che accompagnarono il ritorno al governo democratico, l’ottimismo e la speranza fossero alti nella mente degli artisti, che naturalmente credevano finalmente di avere la libertà di sviluppare una vera avanguardia brasiliana. E proprio come i loro omologhi europei e americani, quella nuova libertà si manifestò in modo del tutto naturale nel desiderio di creare un’arte priva di narrazione politica o sociale e di qualsiasi contesto sentimentale.

Ha senso. Dopo aver passato tutta la vita a dipingere murales di generali, è naturale voler esplorare qualcosa di diverso, giusto? Per generazioni i brasiliani avevano percepito l’arte solo come un modo per manipolare le persone. Ma gli artisti liberati del Brasile di fine anni Quaranta poterono cercare nuovi tipi di arte percepiti come totalmente neutrali. La nascente avanguardia brasiliana trovò molta ispirazione dall’ondata di arte astratta europea che iniziava a essere esposta nei loro musei. Particolarmente interessante era l’Arte Concreta. Nominata nel 1930 da Theo van Doesburg, l’essenza dell’Arte Concreta era creare opere che non facessero riferimento a nulla se non a se stesse. L’arte concreta evita la sentimentalità, il lirismo e le immagini della natura, e tende ad abbracciare forme geometriche oggettive. Secondo molti artisti brasiliani della fine degli anni Quaranta, la filosofia dell’Arte Concreta esprimeva perfettamente il problema: che la loro arte era sempre stata relegata all’espressione di agende esterne. Attraverso l’Arte Concreta credevano di poter finalmente convalidare il loro lavoro come avente significato e valore in sé.

Lygia Pape - Senza titolo, 1959/1960, Xilografia su carta giapponese, 31,5 × 48 cm, foto per gentile concessione Arte 57, San Paolo

Confondere l’Esistenza con la Scienza

Entra in scena Lygia Pape. Nata nel 1927 a Rio de Janeiro, Pape era una giovane artista entusiasta che si unì al nascente movimento brasiliano di Arte Concreta nei suoi primi giorni, quando aveva appena 20 anni. Ma dopo pochi anni, Pape e molti suoi contemporanei iniziarono a notare alcuni problemi nella natura puramente razionale e meccanica dell’Arte Concreta europea. Sentivano che in un certo senso anche questa serviva un’agenda. Non serviva un partito politico specifico o un particolare punto di vista sociale. Piuttosto, serviva l’agenda di essere completamente disimpegnata dalla vita pubblica. Non era non-narrativa. Piuttosto aveva una narrazione autoritaria di neutralità.

Così nel 1952, Pape e altri artisti, molti dei quali studenti dell’artista e educatore Ivan Serpa, formarono una loro sottocategoria di Arte Concreta chiamata Grupo Frente (Gruppo Frontale). Il nome faceva riferimento alla loro opinione di sé come vera avanguardia brasiliana. Adottarono la posizione filosofica che seguire ciecamente le teorie esistenti dell’Arte Concreta fosse un errore. Credevano che l’esistenza fosse sensoriale e personale, e che l’esperienza personale dovesse avere lo stesso valore delle analisi scientifiche nel loro lavoro. Abbracciarono anche il valore della sperimentazione. Pur continuando a creare opere astratte prevalentemente geometriche, credevano che il loro lavoro dovesse essere espressivo e soggettivo, e quindi aperto all’interpretazione degli spettatori.

Lygia Pape - Pittura Grupo Frente, 1954, Tempera su compensato, 40 × 40 × 3,5 cm, foto per gentile concessione Galleria Luisa Strina, San Paolo (sinistra) e Pittura (Grupo Frente), 1954-1956, Gouache su legno, 40 × 40 cm, foto per gentile concessione Graça Brandão, Lisbona (destra)

La Rottura

Dall’altra parte di questa posizione filosofica c’era un altro gruppo di artisti brasiliani di Arte Concreta che si chiamavano Ruptura, o la Rottura. Questi artisti abbracciarono un tipo di arte puramente non sentimentale, oggettiva e priva di emozioni, più vicina alle origini europee dell’Arte Concreta. Le discussioni tra i membri di questi due gruppi durarono anni, a volte di persona alle mostre, altre volte sulla stampa. Ma alla fine divenne chiaro che Ruptura deteneva il terreno filosofico più solido riguardo all’Arte Concreta, poiché le sue origini erano infatti non sentimentali e puramente oggettive.

Fu per questo che nel 1959 Lygia Pape e i suoi colleghi fondarono il Movimento Neoconcreto e pubblicarono il Manifesto Neoconcreto. L’essenza della filosofia neoconcreta era che gli oggetti d’arte sono esseri indipendenti, nuovi all’esistenza, che non si limitano a occupare spazio, ma vi partecipano attivamente. Inoltre, il significato e la rilevanza dell’arte non sono del tutto noti neppure a chi la crea. Perciò è fondamentale che gli spettatori possano partecipare alle opere d’arte affinché, attraverso le interpretazioni individuali dei fruitori, l’opera possa esprimere tutta la sua gamma di significati potenziali.

Lygia Pape - Livro da Criação (Libro della Creazione), 1959-60, Gouache e tempera su cartone, libro pop-up di 16 pagine, 30,5 x 30,5 cm ciascuno, per gentile concessione del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Relazioni nello Spazio

Sotto il vessillo del Movimento Neoconcreto, Lygia Pape creò opere che permettevano al pubblico di vivere l’arte in un modo mai sperimentato prima. Una delle prime cose che realizzò fu un “libro” pop-up di 16 pagine chiamato Libro della Creazione. Non era davvero un libro, ma 16 oggetti astratti geometrici separati dipinti con colori primari. Gli oggetti erano pensati per essere toccati e manipolati dagli spettatori. La loro natura cinetica e partecipativa era rivoluzionaria. La filosofia neoconcreta si manifestava nella capacità degli spettatori di interpretare le forme geometriche come preferivano. Pape diede a ogni “pagina” del libro un nome, collegato a qualche momento della storia della vita, come la scoperta del fuoco, l’agricoltura o la navigazione. Ma le forme e i colori erano completamente aperti all’interpretazione. Pape disse di sperare che ogni spettatore, attraverso le proprie esperienze, si avvicinasse al libro da un punto di vista “attraverso il quale ogni struttura può generare il proprio significato.

Otto anni dopo, in un’illustrazione ancora più chiara della filosofia neoconcreta, Pape realizzò una delle sue creazioni più giocose: il Divisor. Un enorme telo di cotone bianco con decine di buchi tagliati, l’opera invitava gli spettatori a “indossarlo” infilando la testa nei buchi. Prima di essere “indossata”, l’opera era una forma geometrica bianca e priva di senso. Ma quando “indossata” dagli spettatori, diventava un essere vivente. Collegava il pubblico all’arte in modo letterale e li univa tra loro. L’esperienza viscerale era potente, umoristica e esteticamente affascinante, e le implicazioni filosofiche venivano affermate in modo giocoso.

Lygia Pape - Livro Noite e Dia, 1963-1976 Tempera su legno, 16 × 16 × 1,5 cm, foto per gentile concessione Graça Brandão, Lisbona

Un’Eredità Pionieristica

Sei anni dopo la pubblicazione del Manifesto Neoconcreto, il Brasile ricadde in una dittatura militare. Lygia Pape continuò a perseguire la sua visione avanguardista e neoconcreta, ma il suo lavoro la mise spesso in conflitto con il governo. Fu persino imprigionata e torturata per questo. Ciò che i suoi nemici non capirono è che reagendo in quel modo al suo lavoro ne convalidarono solo il valore intrinseco e il potere sociale e culturale.

Oggi molti di noi danno per scontato che l’arte astratta abbia il potenziale di esprimere le varie dualità che affrontiamo, come tra il nostro intelletto e la nostra natura animale, ciò che vediamo e ciò che sentiamo, la nostra esistenza fisica e la possibilità dello spirito. Lygia Pape fu una delle poche artiste del XX secolo a vedere quel potenziale fin dall’inizio. Aveva la sensibilità artistica per cogliere l’apertura insita nelle forme geometriche e l’umanità per comprendere la necessità di rimanere aperti. Questa combinazione le permise di creare un’eredità che continua a ispirare artisti e spettatori ancora oggi.

Immagine in evidenza: Lygia Pape - Divisor, 1968, telo di cotone, buchi, 20m x 20m, © Projeto Lygia Pape

Tutte le immagini © Projeto Lygia Pape, tutte le immagini usate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio