Serio e non troppo serio: Kyong Lee in 14 domande

IL LINGUAGGIO DEL COLORE

Da IdeelArt, crediamo che la storia di un artista si racconti sia dentro che fuori dallo studio. In questa serie, poniamo 14 domande che colmano il divario tra visione creativa e vita quotidiana, mescolando intuizioni professionali con le peculiarità personali che rendono unico ogni artista.

Dal suo studio con vista sulle risaie coreane, uno spazio condiviso con cinque gatti, un cane e la luce mutevole delle stagioni, Kyong Lee crea opere che cercano di trasformare l'emozione in un linguaggio visibile. Scopri come l'amore per il jazz, l'influenza di un mentore riflessivo e un cambiamento decisivo nei materiali l'abbiano aiutata a trovare il "Colore Emotivo" che definisce oggi la sua pratica.

Le domande non così serie

8 domande per rivelare curiosità inaspettate e la vita quotidiana di Kyong Lee

Se la tua arte fosse una canzone o un brano musicale, cosa suonerebbe in sottofondo?

Kind of Blue di Miles Davis,
The Köln Concert di Keith Jarrett,
Travels di Pat Metheny,
e il Clair de Lune di Debussy.

Trascorro molte ore in studio, e questa musica mi aiuta a restare in uno stato tranquillo e riflessivo dove colore ed emozione possono svilupparsi lentamente.

Qualcosa a cui sei ossessionato o che ti interessa molto e che non ha nulla a che fare con l'arte?

Coltivo un piccolo orto, faccio passeggiate quotidiane con il mio cane, mi prendo cura dei gatti randagi nel mio cortile e adoro guardare il cielo.

Caffè, tè o qualcosa di più forte mentre lavori? O solo luce e silenzio?

Inizio la giornata con una tazza di caffè, poi passo al tè - spesso tè al latte o tè allo yuzu - con il passare delle ore. Lavoro sempre con la musica, di solito jazz. Le melodie di artisti come Pat Metheny e Keith Jarrett spesso mi aiutano a mantenere un ritmo fluido nel lavoro.
Il mio studio è perfettamente integrato nella mia vita quotidiana, condiviso con un cane e cinque gatti. Vicino scorre un piccolo ruscello, e nel cortile ci sono un grande zelkova e un ciliegio, circondati da risaie. È un ambiente dove si percepiscono profondamente le stagioni che cambiano, e trovo ispirazione durante le mie passeggiate quotidiane qui con il mio cane.

Se potessi incontrare chiunque, vivo o morto, chi sarebbe?

Il compianto Klaus Stümpfel, il mio professore alla HBK Braunschweig. Mi ha insegnato con la sua passione e serietà verso l'arte. Non era famoso, ma è stato l'insegnante più importante della mia vita.

Se non fossi un artista, cosa faresti?

Sono stata attratta dall’arte fin dalla quinta elementare, quando ho iniziato a copiare gli acquerelli di Cézanne su Mont Sainte-Victoire - è lì che il sogno ha messo radici. Quando poi ho capito che la vita dell’artista non era l’ideale romantico che avevo immaginato da bambina, mi sono impegnata ancora di più nel mio lavoro. Non ho mai seriamente considerato un’altra professione, ma se dovessi immaginarne una, forse sarei una ricercatrice in biologia o storia - materie che ho sempre amato.

Puoi condividere una breve storia o un momento della tua vita che ha avuto un forte impatto sulla tua vita da artista?

Una persona che ha profondamente influenzato il mio percorso artistico è Christelle Thomas di IdeelArt. Dal nostro primo incontro online nel 2017, ha sostenuto il mio lavoro con fiducia e cura costanti.

Nei momenti in cui mi sento emotivamente giù o creativamente bloccata, i suoi messaggi brevi ma sinceri diventano spesso una forza silenziosa che mi aiuta a tornare al mio lavoro. Lo scorso autunno, mi ha inviato una foto dallo studio di Paul Cézanne ad Aix-en-Provence. Sapendo della mia ammirazione per Cézanne, il suo gesto premuroso mi ha profondamente commossa e mi ha portata a chiedermi ancora una volta: Di che colore è questa emozione che sto provando? Quali parole potrebbero contenerla? E in quale forma potrei dare forma a queste emozioni mentre si costruiscono, strato dopo strato?
Momenti come questo - incontri inaspettati e sottili tremori emotivi - rinnovano continuamente la mia curiosità e diventano la forza motrice del mio desiderio di creare.

Com’è per te una buona giornata fuori dallo studio?

Una buona giornata fuori dallo studio è quella in cui sento che i miei sensi sono ancora vivi. Le routine quotidiane possono offuscare la percezione, eppure in quella ripetizione emergono spesso momenti inaspettati di consapevolezza.
Portare a spasso il mio cane in una giornata limpida e lasciare che il mio sguardo segua le creste lontane, condividere un caffè appena fatto con mio marito, o notare le prime azalee che fioriscono a metà montagna dopo un lungo inverno—questi momenti ordinari mi portano una gioia tranquilla.
La maggior parte dei giorni è fatta di ripetizione e di un certo senso di stagnazione. Ma quando, in quella ordinarietà, i miei sensi si risvegliano dolcemente, è sufficiente per far sentire la giornata buona.

C'è qualcosa di te che probabilmente sorprenderebbe chi conosce il tuo lavoro solo attraverso la tua arte?

Sono una piccola donna coreana. Le persone che incontrano il mio lavoro prima di conoscermi spesso ammettono di aver immaginato l'artista come un uomo grande che dipinge queste opere.

L'intervista (più) seria

6 domande per approfondire le idee, le esperienze e le speranze che plasmano il percorso creativo di Lee.

Quali temi o domande ritornano spesso nel tuo lavoro?

Torno ripetutamente alla domanda di come l'emozione diventi linguaggio, e come il linguaggio, a sua volta, diventi colore. Sono attratto dagli stati prima che le cose siano chiaramente definite - dove i sentimenti permangono, si spostano e resistono a una denominazione precisa. È in questo spazio liminale che trovo l'espressione più vera dell'esperienza umana.
Un altro elemento ricorrente nel mio lavoro è la struttura orizzontale. Le bande orizzontali che apparivano nelle mie opere precedenti e nella serie ‘Emotional Color Change’ funzionano come una cornice silenziosa, permettendo al tempo, all'emozione e alla percezione di dispiegarsi in modo uniforme piuttosto che gerarchico. Attraverso questa struttura esploro l'accumulo, la variazione sottile e l'equilibrio tra ordine e caso.

Puoi descrivere un momento cruciale nel tuo percorso come artista?

Sono partito per la Germania nell'estate del 1991 e sono tornato in Corea nell'estate del 2000. Durante i miei studi all'estero, ho creato opere astratte con pittura a olio avendo come motivo l'acqua, e ho continuato sulla stessa linea dopo il ritorno a casa.
Il punto di svolta è arrivato nel 2001. Attraverso un programma di scambio internazionale presso la residenza Ssamzie Space, ho visitato New York e ottenuto due intuizioni cruciali. Primo, la stagione dei monsoni in Corea era in diretto conflitto con il mio metodo di lavoro. La tecnica della pittura a olio che usavo - che si basava sulla separazione tra acqua e olio - produceva crepe e colori torbidi nell'alta umidità. Secondo, per realizzare la struttura orizzontale che perseguivo, era necessario un cambiamento fondamentale nei materiali. Volevo che ogni colore occupasse un proprio territorio distinto sulla tela, non semplicemente fondersi in gradazioni.
Collaborare con artisti di New York mi ha dato il coraggio di sperimentare. Ho iniziato a esplorare le pitture acriliche di alta qualità che stavano appena diventando disponibili in Corea in quel periodo. Il metodo di applicare nastro spesso orizzontalmente e riempire gli spazi con la pittura - questo era impossibile con gli oli a lenta asciugatura, ma fattibile con gli acrilici. Questo cambiamento tecnico non è stato semplicemente un cambio di materiali; è stato il momento decisivo che ha aperto la strada a concretizzare il linguaggio visivo che avevo cercato fin dall'inizio.

Quali materiali o processi sono più importanti nella tua pratica, e perché?

Lavorare con la pittura acrilica su carta e tela è centrale nella mia pratica. Scelgo gli acrilici per la loro reattività al tempo - quanto rapidamente si asciugano, quanto precisamente possono essere stratificati e quanto vividamente mantengono il colore. Queste qualità permettono a ogni colore di mantenere il proprio territorio invece di dissolversi in una gradazione continua.
Spesso lavoro con strutture orizzontali, usando il nastro per definire i confini e creando ritmo attraverso la ripetizione. Questo processo riflette come intendo l'emozione - come qualcosa che si accumula nel tempo, strutturata ma aperta a sottili variazioni.
I materiali sono importanti per me perché permettono al colore di funzionare non come mera rappresentazione, ma come testimonianza di stati percettivi ed emotivi.

Come vuoi che le persone si sentano quando vivono la tua opera?

Spero che gli spettatori si fermino, poi si sentano attratti ad avvicinarsi all'opera. Non per decifrarla, ma per percepire le emozioni che ritornano silenziosamente dentro di sé, senza pressione.
Il colore ci raggiunge prima del linguaggio - si percepisce prima di essere spiegato. Se il mio lavoro può creare un momento in cui l'emozione arriva prima delle parole, e gli spettatori scoprono un nome per un sentimento che ancora non conoscevano all'interno dei colori, per me è sufficiente.

Puoi raccontarci una giornata tipo di lavoro nel tuo studio?

Lavoro solo durante la luce del giorno. Anche se uso luci a temperatura diurna all'interno, evito di lavorare con il colore di notte, poiché mi affido alle sottili variazioni della luce naturale. La sera, di solito leggo libri o guardo film su Netflix invece di disegnare. Un film memorabile che ho visto di recente è stato Train Dreams, basato sul romanzo di Dennis Johnson, che ho trovato molto impressionante.
Per restare fedele alle emozioni del giorno, lavoro con diverse tele o fogli di carta disposti contemporaneamente. Non seguo rituali fissi - il lavoro di ogni giorno risponde alle condizioni emotive e situazionali di quel momento. Mi concentro sul lavoro in studio al mattino, faccio un brunch tardivo verso l'una e continuo a lavorare nel pomeriggio fino a cena.

Quali sogni o speranze hai per il tuo percorso artistico?

La mia serie "Color as Adjective", che esplora la relazione tra emozione, colore e linguaggio, ha superato ora le 420 opere. Alcuni colori sono già esauriti e non possono più essere creati, mentre molti altri attendono di essere scoperti e realizzati. Ho esposto questi colori in piccoli gruppi sotto il sostantivo singolare "bellezza".
Quello che sogno ora è riunire l'intera serie in un unico spazio. Sarebbe una totalità di tutte le emozioni che ho scoperto, vissuto e percepito - una testimonianza del tempo stesso. Spero che all'interno di questo spazio i visitatori possano scoprire le proprie emozioni attraverso il linguaggio del colore e vivere il mondo in modi diversi, o forse simili, ai miei.

Di Francis Berthomier
Tutte le immagini ©Kyong Lee

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