Jean Tinguely e le sue Metameccaniche

Ognuno di noi ha un rapporto unico con le macchine. Alcuni le considerano con gratitudine, affidandosi con gioia ai loro servizi efficienti e utilitari. Altri le usano solo a malincuore quando non c’è altra scelta. L’artista svizzero Jean Tinguely ha dedicato tutta la sua carriera a esplorare il concetto di macchina come scultura. Ha creato congegni meccanici astratti, invitando gli spettatori a interagire con essi a livello estetico ed esperienziale. Ha chiamato le sue creazioni Metameccaniche, Meta derivante dal greco, riferendosi a qualcosa di autoreferenziale. Creando macchinari non destinati a svolgere lavoro, produrre oggetti o compiere alcuna funzione utilitaria, ha ampliato la definizione di cosa potesse essere la scultura, offrendo agli spettatori la possibilità di riconsiderare l’epoca delle macchine da un punto di vista puramente estetico.

Elementi Distaccati

Le prime sculture meccaniche di Tinguely furono realizzate negli anni ’50 e consistevano in semplici rilievi cinetici pensati per essere appesi al muro. Erano fatti di sottili fili e ingranaggi rotanti. La loro semplicità rifletteva lo sforzo di Tinguely di smontare i componenti base delle macchine. I disegni che realizzava in quel periodo, alcuni dei quali sono conservati al Museum Tinguely di Basilea, in Svizzera, mostrano uno scorcio del suo processo mentale. Isolava elementi meccanici e li astrava, in modo simile a come i pittori astratti isolano elementi formali come colore, linea, superficie, piano e forma.

Jean Tinguely - Modello per un muro animato - Schizzo di funzioni e movimenti - ca. 1954

Successivamente aggiunse elementi ai suoi rilievi che ne complicavano il significato e la funzionalità. In una serie di opere chiamate Élément Détaché, ritagliò forme astratte dal Pavatex, un prodotto industriale di fibre di legno, poi dipinse le forme e ne fissò una al centro di ogni ingranaggio dell’opera. Quando l’opera veniva mossa, toccata o in qualche modo interagita, diventava cinetica poiché le forme astratte dipinte si muovevano sugli ingranaggi.

Jean Tinguely - Élément Détaché I, Rilievo méta-meccanico, 1954, 81 x 131 x 35,5 cm. © Jean Tinguely

L’ascesa della Méta-Mécanique

Tinguely portò presto i suoi pezzi semplici a un livello superiore, aggiungendo molteplici funzioni ed elementi meccanizzati e spostandoli dal muro allo spazio tridimensionale. Lasciava le macchine in uno stato di imperfezione che permetteva loro di essere facilmente trasformate da vari stimoli. Spesso includeva nelle macchine immagini riferite ad altri artisti, usando i loro nomi nei titoli delle opere. Per esempio, il suo rilievo murale Meta-Kandinsky, che include immagini che richiamano i dipinti astratti di Wassily Kandinsky, e la scultura Méta-Mécanique Méta-Herbin, che fa riferimento ai dipinti geometrici astratti di Auguste Herbin.

Le prime opere metameccaniche di Jean Tinguely avevano molto in comune con il lavoro di altri artisti cinetici come Alexander Calder. Ma ampliò rapidamente e in modo selvaggio la gamma delle sue creazioni, portandole nel regno del concettuale. Un esempio perfetto è Frigo Duchamp, creato nel 1960. Per quest’opera, Tinguely installò un motore elettrico, una sirena ad aria e un motore elettrico da 110V nella pancia di un frigorifero Frigidaire. Il titolo potrebbe sembrare un riferimento al Dadaismo, ma la spiegazione più semplice è che il frigorifero era in realtà un regalo di Duchamp a Tinguely.

Jean Tinguely - Metameccaniche, 1954-59 © Jean Tinguely

Jean Tinguely e il Nuovo Realismo

Tinguely fu uno degli artisti che firmarono il manifesto del Nouveau Réalisme nel 1960. Questo movimento, cofondato dall’artista concettuale Yves Klein, si dedicava a esplorare “nuovi modi di percepire il reale.” La realtà per la maggior parte delle persone all’epoca era dominata da cambiamenti drastici come i progressi tecnologici globali, l’aumento delle disparità sociali, l’espansione rapida delle città, i trasporti di massa e la costante minaccia di guerra e annientamento nucleare. Le macchine erano al centro di ciascuno di questi cambiamenti.

Il contributo concettuale di Tinguely al nuovo realismo fu quello di creare arte che cercasse di affrontare lo scopo e la funzione delle macchine. Tinguely disse: “L’arte è la distorsione di una realtà insopportabile... L’arte è correzione, modifica di una situazione.” Costruì pezzi meccanizzati fatti in gran parte dai rifiuti della società, che non svolgevano alcuna funzione utilitaria. Queste opere astratte e inutili erano autoreferenziali, spesso dall’aspetto orribilmente deformato e soggette a guasti. Per come il mondo intendeva la meccanica, erano l’opposto delle macchine.

Jean Tinguely - un pezzo sopravvissuto della scultura distrutta. © Jean Tinguely

L’arte dell’autodistruzione

Sempre nel 1960, lo stesso anno in cui Jean Tinguely firmò il manifesto del Nuovo Realismo, creò quella che è diventata la sua opera più famosa, un happening che coinvolgeva una scultura monumentale autodistruttiva intitolata Omaggio a New York. Per l’evento, Tinguely costruì una massiccia scultura metameccanica in loco nel giardino delle sculture del MoMA di New York. La scultura era un Frankenstein assemblato con pneumatici di biciclette, ingranaggi, componenti elettronici, motori e pezzi di macchine rottamate. Anche gli artisti Billy Klüver e Robert Rauschenberg contribuirono all’happening con elementi come una macchina ausiliaria che sparava soldi nella folla.

Per 27 minuti, Omaggio a New York sbuffò e ronzò, prima di emettere fumo e prendere fuoco. Mentre il fuoco e la distruzione consumavano l’opera, i membri del pubblico furono invitati a raccogliere i frammenti fumanti da portare a casa. Alla fine intervennero i vigili del fuoco per spegnere l’incendio e la maggior parte dei pezzi rimasti fu scartata. Solo un paio di resti della macchina sono sopravvissuti.

Nei tre decenni successivi, Tinguely guadagnò fama con una serie di opere metameccaniche monumentali astratte e pubbliche. La prima, creata a Zürich nel 1964, era una macchina enorme e senza scopo chiamata Heureka, dal greco eureka, che significa “L’ho trovata.” Nel 1970, Tinguely realizzò una scultura interna ancora più imponente a Columbus, Indiana, chiamata Chaos I, costruendola interamente con metallo locale, in parte nuovo e in parte di recupero. Chaos I è progettata per funzionare silenziosamente la maggior parte del tempo, esplodendo occasionalmente in rumori forti e cacofonici.

Jean Tinguely - Chaos 1 (1974)

Oltre l’inutilità

A metà degli anni ’60, Tinguely iniziò a collaborare creativamente con la donna che sarebbe diventata sua moglie, la scultrice Niki de Saint Phalle. Come Tinguely, Saint Phalle realizzava opere altamente concettuali, sebbene meno astratte e più impegnate socialmente. Ispirato da Saint Phalle, il lavoro di Tinguely assunse caratteristiche sottilmente diverse. Realizzò una serie di fontane decisamente funzionali, segnando una svolta concettuale rispetto all’inutilità delle sue opere precedenti. La sua fontana più famosa, una collaborazione con Saint Phalle, è la Fontana Stravinsky fuori dal Centre Pompidou a Parigi.

Negli anni ’80, Tinguely realizzò diverse opere profondamente personali ed emotive. Creò opere intitolate in onore dei filosofi che lo avevano influenzato. Dopo un incendio mortale in una fattoria vicina, raccolse con tristezza i resti dell’accaduto, assemblandoli in un’installazione commemorativa intitolata Mengele - Totentanz, dal nome impresso su una delle macchine per la lavorazione del mais distrutte dall’incendio. Uno dei memoriali più toccanti di Tinguely è L’ultima collaborazione con Yves Klein, di cui IdeelArt ha scritto quando l’opera fu esposta alla Fondazione Venet nel settembre 2015.

Sebbene queste installazioni commemorative e fontane contenessero la stessa natura meccanica e il linguaggio visivo astratto delle sue opere precedenti, i loro titoli, soggetti e funzioni influenzano molto la percezione del significato da parte dello spettatore, rendendole molto meno astratte. Mentre l’astrazione lasciava spazio al significato e l’inutilità all’uso, Tinguely non abbandonò la sua grande idea; la realizzò. Ridefinì il ruolo delle macchine nella cultura. Le definì come strumenti estetici che aiutano le persone a compiere ciò che potrebbe essere il loro compito più importante: comunicare tra loro il contenuto dei loro cuori.

Echi della Macchina: lo Spirito di Tinguely su IdeelArt

Sebbene le sculture motorizzate e autodistruttive di Jean Tinguely siano uniche nella storia dell’arte, le correnti filosofiche che ha messo in moto continuano a vibrare nella pratica contemporanea. Su IdeelArt, nessun artista replica letteralmente la meccanica di Tinguely, ma diversi possono essere considerati eredi spirituali di specifici aspetti della sua eredità radicale — dall’energia cinetica del mobile alla bellezza cruda del decadimento industriale.

Amaury Maillet: Il legame cinetico. Le "Métamatics" e i rilievi motorizzati di Tinguely rivoluzionarono l’idea che l’arte potesse muoversi. In modo più tranquillo e ispirato alla natura, Amaury Maillet raccoglie questa fiaccola cinetica. Le sue sculture mobili, bilanciate con precisione matematica, si affidano al vento anziché ai motori, ma condividono l’affermazione fondamentale di Tinguely che un’opera d’arte non è un oggetto statico ma una performance vivente di movimento nello spazio. Dove Tinguely abbracciava il rumore metallico della macchina, Maillet cerca il ritmo silenzioso della brezza, dimostrando che il linguaggio del cinetismo è abbastanza vasto da contenere sia il caos che la grazia.

Tommaso Fattovich: L’energia "Punk Astratta". Le famose macchine autodistruttive di Tinguely, come Omaggio a New York, erano atti di distruzione creativa e violenta — un atteggiamento "punk" molto prima che il termine esistesse. Questa energia grezza e ribelle trova un parallelo contemporaneo nel lavoro di Tommaso Fattovich. Descrivendo il proprio stile come "Punk Astratto", Fattovich attacca la tela con spatole e strumenti ruvidi, creando superfici che sembrano scavate da un "ambiente surreale distrutto". Proprio come Tinguely trovava bellezza nel cedimento della macchina, Fattovich trova un’estetica potente nei detriti della superficie dipinta, canalizzando uno spirito simile di anarchia costruttiva.

Manuela Karin Knaut: La bellezza del rifiutato. Al centro del Nouveau Réalisme di Tinguely c’era l’elevazione della "roba vecchia" — metallo di scarto, vecchie ruote e detriti trovati nella discarica. Manuela Karin Knaut continua questa conversazione con il "deteriorato". I suoi dipinti a tecnica mista integrano materiali di uso quotidiano — colla, tessuti, ritagli e fotografie — creando superfici testurizzate che imitano le pareti consumate e imperfette del paesaggio urbano. Come Tinguely, rifiuta la finitura impeccabile dell’arte tradizionale, preferendo l’autenticità "vissuta" di materiali che portano le cicatrici e le storie delle loro vite precedenti.

Pierre Auville: Il peso industriale. Il mezzo di Tinguely era la materia pesante dell’epoca industriale: ferro, acciaio e motori. Questa fascinazione per il "peso" del mondo moderno risuona nel lavoro di Pierre Auville, che rinuncia alla tela per cemento da costruzione, calcestruzzo e acciaio su pannelli di schiuma. Il suo approccio brutalista e focalizzato sul materiale onora le sostanze grezze dell’industria. Proprio come le sculture di Tinguely imponevano la loro realtà fisica allo spettatore attraverso la pura presenza meccanica, le opere di Auville si affermano attraverso la densità e la texture intransigenti dei materiali che costruiscono le nostre città.

Immagine in evidenza: Jean Tinguely - Meta-Kandinsky, 1956, rilievo murale (a sinistra) e la sua opera méta-meccanica Méta-Herbin, 1955 (a destra). © Jean Tinguely
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio (2016) Modificato da Francis Berthomier (2025).

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