Scultura Astratta - Il Linguaggio del Pieno e del Vuoto

Sin dai primi giorni del Modernismo, sono state sollevate domande sulla natura e sulla differenza tra arte astratta bidimensionale e tridimensionale. Nel primo decennio del XX secolo, Constantin Brancusi pose la domanda fondamentale su cosa la scultura astratta dovesse trasmettere: l'immagine di un soggetto o la sua essenza? Nel decennio successivo, Pablo Picasso dimostrò che una scultura non doveva essere scolpita, modellata o fusa: poteva essere assemblata. Nel decennio successivo, Alexander Calder dimostrò che la scultura poteva muoversi. E ancora decenni dopo, in riferimento alle sue opere interdisciplinari, Donald Judd offrì "Oggetti Specifici" come alternativa alle parole pittura e scultura. Sebbene l'argomento potrebbe riempire diversi libri, oggi vi offriamo una breve, ammettiamo molto ridotta, cronologia di alcuni dei momenti salienti della storia della scultura astratta.

Il Padre della Scultura Astratta

Constantin Brâncusi nacque in Romania nel 1876, quando l'universo dell'arte fine europea consisteva fondamentalmente di pittura e scultura, e entrambe erano quasi interamente figurative. Sebbene l'evoluzione graduale verso l'astrazione fosse iniziata, pochi artisti professionisti erano stati abbastanza audaci da tentare l'astrazione pura, o addirittura da definire cosa significasse esattamente. La prima esperienza di Brâncusi con la scultura fu del tutto pratica, scolpendo attrezzi agricoli da usare come lavoratore minorile. Anche quando alla fine arrivò alla scuola d'arte, ricevette una formazione classica. Ma quando Brâncusi lasciò la Romania nel 1903, arrivando infine a Parigi, si coinvolse nella conversazione modernista. Accettò con entusiasmo le idee che circolavano sull'astrazione e concluse presto che lo scopo moderno della scultura era presentare “non la forma esteriore ma l'idea, l'essenza delle cose.”

Nel 1913, alcune delle prime sculture astratte di Brâncusi furono esposte a New York come parte dell'Armory Show di quell'anno, l'esposizione in gran parte responsabile per l'introduzione dell'arte modernista negli Stati Uniti. I critici derisero pubblicamente la sua scultura Ritratto di Mademoiselle Pogany per, tra le altre cose, il suo aspetto simile a un uovo. Tredici anni dopo, Brâncusi avrebbe avuto l'ultima risata sugli americani quando una delle sue sculture causò un cambiamento nella legge federale degli Stati Uniti. Questo accadde quando un collezionista acquistò e tentò di spedire negli Stati Uniti una delle sculture di uccelli di Brâncusi, che in nessun modo assomigliavano a uccelli, ma rappresentavano piuttosto il volo. Invece di esentare la scultura astratta come arte, i funzionari doganali addebitavano al collezionista una tassa di importazione. Il collezionista fece causa e vinse, risultando in una dichiarazione ufficiale dai tribunali statunitensi che qualcosa non doveva essere rappresentativo per essere considerato arte.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso e l'Arte dell'Assemblaggio

Pablo Picasso è stato un altro importante pioniere precoce nel campo della scultura astratta, anche se potrebbe non aver avuto l'intenzione di esserlo. Intorno al 1912, Picasso iniziò ad espandere le sue idee sul Cubismo nel regno tridimensionale. Iniziò creando collage, che a causa della loro superficie stratificata e dell'uso di materiali e oggetti trovati al posto della vernice avevano già una sorta di qualità tridimensionale. Poi tradusse l'idea del collage in uno spazio tridimensionale completo assemblando oggetti reali, in particolare chitarre, utilizzando materiali come cartone, legno, metallo e filo.

Tradizionalmente, la scultura derivava da un calco, dalla formazione di una massa come l'argilla, o da qualche tipo di processo riduttivo come la scolpitura. Picasso ha sfidato involontariamente quella tradizione creando un oggetto scultoreo attraverso l'atto di assemblare pezzi disparati di materiali trovati in una forma. Inoltre, ha stupito tutti appendendo questo assemblaggio al muro piuttosto che posizionarlo su un piedistallo. Gli spettatori d'arte erano sconcertati e persino indignati dalle chitarre di Picasso, chiedendo se fossero dipinti o sculture. Picasso insisteva che non erano né l'uno né l'altro, dicendo: “Non è niente, è la chitarra!” Ma che lo avesse fatto intenzionalmente o meno, aveva sfidato la definizione fondamentale di scultura e avviato uno dei dibattiti più duraturi sull'arte astratta.

Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA

Prodotti già pronti

Per quanto rivoluzionari potessero sembrare artisti come Picasso e Brâncusi agli spettatori d'arte del loro tempo, è interessante notare che il 1913 è anche l'anno in cui l'artista Dadaista Marcel Duchamp ha appropriato il termine “readymade” per designare opere d'arte costituite da oggetti trovati, firmati ed esposti da un artista come loro opera. Secondo Duchamp, gli oggetti ordinari potevano essere “elevati alla dignità di un'opera d'arte semplicemente dalla scelta di un artista.” Nel 1917, Duchamp espose Fountain, forse il suo readymade più famoso, costituito da un orinatoio posto su un lato e firmato “R. Mutt.”

Duchamp aveva creato Fountain per la presentazione alla prima esposizione della Society of Independent Artists di New York, che era stata annunciata come una mostra completamente aperta di arte contemporanea, senza giurie e senza premi. L'opera fu bizzarramente rifiutata dalla mostra, causando un tumulto nella comunità artistica poiché il punto principale dell'esposizione era proprio quello di non giudicare l'opera. Il consiglio della Society emise una dichiarazione su Fountain che diceva: “non è, per nessuna definizione, un'opera d'arte.” Tuttavia, l'opera continuò a ispirare generazioni di creativi a venire.

Una copia realizzata nel 1964 dell'originale Fontana di Duchamp del 1917

Fattura e Tektonika

Nel 1921, un gruppo di artisti chiamato Il Primo Gruppo di Lavoro dei Costruttivisti emerse in Russia. L'obiettivo del loro movimento, che chiamarono Costruttivismo, era di creare un'arte pura basata su principi formali, geometrici, astratti che coinvolgessero attivamente lo spettatore. I principi scultorei del Costruttivismo furono suddivisi in due elementi separati: faktura si riferiva alle qualità materiali di una scultura, e tektonika si riferiva alla presenza di una scultura nello spazio tridimensionale.

I Costruttivisti credevano che la scultura non avesse bisogno di alcun soggetto e potesse assumere proprietà interamente astratte. Ciò che importava loro era l'esplorazione della materialità e dello spazio. Erano specificamente consapevoli del modo in cui un oggetto occupava lo spazio espositivo, così come di come interagiva con lo spazio tra esso e lo spettatore. La scultura costruttivista ha contribuito a definire le nozioni che una scultura potesse contenere e definire lo spazio oltre a semplicemente occupare spazio, e che lo spazio stesso potesse diventare un elemento importante dell'opera.

La prima Mostra Costruttivista, 1921

Disegnare nello spazio

Negli ultimi anni del 1920, il linguaggio scultoreo astratto modernista includeva rilievi dimensionali, oggetti trovati, astrazione geometrica e figurativa e la nozione di pienezza e vuoto dello spazio fisico. I Futuristi italiani avevano persino tentato di utilizzare la scultura per dimostrare il movimento, o il Dinamismo, in opere come Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni (trattato in modo più dettagliato qui). Ma l'onore di introdurre il movimento reale nella scultura, creando un nuovo ambito chiamato Scultura Cinética, spetta ad Alexander Calder.

Calder è stato formato come ingegnere meccanico e solo in seguito ha frequentato la scuola d'arte. Dopo la laurea, ha iniziato a realizzare giocattoli meccanici, progettando infine un intero circo meccanico. Intorno al 1929, ha iniziato a creare delicate e giocose sculture in filo, che ha descritto come “disegnare nello spazio.” Nel 1930, quando ha aggiunto parti mobili alle sue sculture in filo, Marcel Duchamp ha chiamato queste opere d'arte “mobiles.” I mobiles cinetici di Calder sono ora diventati la parte più immediatamente riconoscibile della sua opera e hanno ispirato artisti come Jean Tinguely, creatore delle Metamechanics. Hanno anche influenzato forse il maestro modernista più prolifico del “disegnare nello spazio,” l'artista venezuelano Gego, che ha portato il concetto a estremi elaborati negli anni '60.

Gego, costruzione di filo spaziale, vista parziale dell'installazione

Combinazioni e Accumuli

Negli anni '50, gli artisti concettuali si sono appropriati delle idee pionieristiche di Picasso e Duchamp. Il concetto dell'oggetto trovato è diventato onnipresente mentre le grandi città metropolitane erano sovraccariche di rifiuti e la produzione e il consumo di prodotti industriali raggiungevano nuove vette. L'artista multidisciplinare Robert Rauschenberg ha incorporato i fondamenti dei collage e delle assemblage di Picasso con i concetti di Duchamp sugli oggetti trovati e le scelte dell'artista per creare quella che è diventata la sua firma nel campo della scultura astratta. Li chiamava "Combines", e erano essenzialmente assemblaggi scultorei realizzati con vari rifiuti, detriti e prodotti industriali, combinati con attenzione in una singola massa dall'artista.

Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

All'incirca nello stesso periodo, l'Artista Concettuale Arman, uno dei membri fondatori dei Nouveau Realists, utilizzò l'idea di Duchamp del Readymade come punto di partenza per una serie di opere scultoree che chiamò Accumulations. Per queste opere, Arman raccolse più esemplari degli stessi oggetti readymade e li saldò insieme in una massa scultorea. Utilizzando i prodotti in questo modo, riconsiderò l'idea di un prodotto readymade, usandolo invece come forma astratta, rimuovendo il suo significato precedente e trasformandolo in qualcosa di simbolico e soggettivo.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Materiali e Processo

Negli anni '60, gli scultori si concentravano sempre di più sugli aspetti formali puri delle loro opere. Come una sorta di rifiuto dell'emozione e del dramma dei loro predecessori, scultori come Eva Hesse e Donald Judd si concentrarono sui materiali grezzi che entravano nel loro lavoro e sui processi attraverso i quali i loro oggetti venivano realizzati. Eva Hesse è stata pioniera nell'uso di materiali industriali spesso tossici come il lattice e la fibra di vetro. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich

A differenza di Hesse, la cui tecnica e individualità erano evidenti nelle sue forme scultoree, Donald Judd si sforzava di rimuovere completamente qualsiasi traccia della mano dell'artista. Lavorava per creare quelli che chiamava Oggetti Specifici, oggetti che trascendevano le definizioni di arte bidimensionale e tridimensionale, e che utilizzavano processi e materiali industriali, e che di solito erano fabbricati da macchine o da lavoratori diversi dall'artista.

Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd

Arte Contemporanea Omni-Disciplinare

Grazie ai progressi che gli scultori modernisti hanno fatto negli ultimi 100+ anni, oggi è un periodo di straordinaria apertura nell'arte astratta. Molta della pratica contemporanea è omni-disciplinare, risultando in fenomeni estetici eccitanti e polimorfici. Le opere di molti artisti astratti contemporanei hanno una presenza così unica che sfidano etichette semplici come “pittura”, “scultura” o “installazione”. I pionieri modernisti della scultura astratta sono, in larga misura, responsabili di gran parte dell'apertura e della libertà di cui godono gli artisti contemporanei, e dei molteplici modi in cui possiamo apprezzare le loro interpretazioni estetiche del nostro mondo.

Immagine in evidenza: Alexander Calder - Blue Feather, 1948, scultura cinetica in filo, © Calder Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park