Umberto Boccioni e le forme uniche di continuità nello spazio

Gli artisti del primo Modernismo erano affascinati dal movimento. I Cubisti mostrarono il movimento dipingendo soggetti da molteplici prospettive simultanee. Gli Orfisti si concentrarono sulle qualità vibranti del colore. I Dinamisti rappresentarono il movimento attraverso la ripetizione. I Futuristi espressero il movimento estetizzando la velocità. Umberto Boccioni fu il padre della scultura futurista. Le Forme uniche della continuità nello spazio di Boccioni, una scultura che raffigura una forma astratta, quasi umana, in movimento, fu considerata al momento della sua realizzazione il massimo risultato nel rappresentare il movimento attraverso le arti plastiche. Come principale teorico dell’arte futurista, Boccioni considerava il lavoro degli altri artisti modernisti impantanato in quella che chiamava “discontinuità analitica”, ovvero i loro tentativi di mostrare la vita che si smentivano da soli per la mancanza di vitalità. Con la sua opera, Umberto Boccioni cercò di raggiungere l’elusivo obiettivo estetico della “continuità sintetica”. Piuttosto che cercare di imitare o riprodurre il movimento, cercò intuitivamente di trasmettere la verità del movimento attraverso mezzi astratti.

Umberto Boccioni il Pittore

Prima di interessarsi al lavoro tridimensionale, Boccioni era già un pittore molto abile. Mostrò poco interesse per l’arte fino a tarda adolescenza, ma una volta che l’arte lo trovò, dimostrò un talento grezzo e imparò rapidamente le abilità classiche fondamentali. Quando si unì ai Futuristi verso la fine dei suoi vent’anni, Boccioni era uno dei pittori più abili del movimento. Anche solo giudicando i suoi autoritratti possiamo vedere che Umberto Boccioni dimostrava una padronanza matura delle abilità di disegno rappresentativo, della gestione del colore, della composizione e una maestria in una gamma di stili dal Divisionismo all’Impressionismo fino al Post-Impressionismo.

Nel 1909, Boccioni si dedicò a decostruire il suo stile, concentrandosi sugli elementi che avrebbero poi definito l’estetica futurista. Sviluppò il potere emotivo dei colori luminosi e vibranti, la capacità della linea di trasmettere la luce, la manipolazione della forma per esprimere il movimento e l’uso degli strumenti, delle azioni e dell’architettura dell’epoca industriale come soggetti moderni appropriati. Tutti questi elementi sono visibili nel suo dipinto La mattina, del 1909. E meno di un anno dopo aver dipinto quel quadro, Boccioni portò quegli elementi nel regno dell’astrazione, dipingendo quello che molti considerano il primo vero dipinto futurista, La città che sale.

Umberto Boccioni - tre autoritratti, del 1905 (sinistra), 1905 (centro) e 1908 (destra)

Scultura futurista e le Forme uniche della continuità nello spazio di Boccioni

L’entusiasmo di Boccioni per la sperimentazione è evidente nella sua rapida crescita come pittore. Non sorprende quindi che, una volta compreso il potenziale dinamico della scultura, fosse attratto dall’opportunità di far rivivere quella che chiamava “quell’arte mummificata.” Nel 1912 scrisse il documento fondamentale che definisce le preoccupazioni scultoree futuriste, chiamato Manifesto tecnico della scultura futurista. In esso, nonostante il titolo, non limitò il discorso alle questioni tecniche, ma mostrò tutta la profondità di passione ed emozione per cui Boccioni era noto nel suo lavoro. Per esempio, il manifesto inizia definendo il corpo esistente di sculture esposte in Europa come “uno spettacolo così lamentabile di barbarie e goffaggine che il mio occhio futurista se ne ritira in orrore e disgusto.”

Nel corso dell’anno successivo alla creazione di questo documento, Boccioni realizzò una dozzina di sculture. Le fuse solo in gesso, dimostrando evidentemente la classica mentalità futurista, più preoccupata degli ideali che di creare qualcosa che duri nei secoli. Le sue sculture si concentravano principalmente sull’idea di trasmettere quella che chiamava “successione”, ovvero una serie di eventi. Chiamava “stupidi” gli artisti che credevano che la successione potesse essere ottenuta con trucchi visivi, come la ripetizione (come nel Dinamismo) o la pittura da molteplici prospettive (come nel Cubismo). Credeva che la successione dovesse essere trasmessa da una singola composizione astratta, attraverso una “ricerca intuitiva della forma unica che dà continuità nello spazio.” Umberto Boccioni usò quella frase come titolo di una di quelle prime dodici sculture, che credeva incarnasse l’essenza dell’idea. Le molteplici fusioni in bronzo di quell’opera, Forme uniche della continuità nello spazio, che oggi si trovano in musei di tutto il mondo, furono tutte realizzate dopo la morte di Boccioni. L’originale in gesso si trova a São Paulo, Brasile, al Museu de Arte Contemporânea.

Umberto Boccioni - La mattina (sinistra), dipinto nel 1909, e La città che sale (destra), dipinto nel 1910

Sviluppo di una bottiglia nello spazio

Una delle sculture futuriste più intriganti di Boccioni si chiama Sviluppo di una bottiglia nello spazio. Senza conoscerne il titolo, un osservatore potrebbe facilmente leggere l’opera come un assortimento astratto di forme geometriche ammassate in una sorta di montagna. Oppure potrebbe essere vista come una visione di un paesaggio urbano futuristico con grattacieli. Anche dopo aver letto il titolo, l’opera potrebbe essere considerata cubista, poiché sembra rappresentare una bottiglia da molteplici piani spaziali simultanei. Ma secondo Boccioni non è nessuna di queste cose. Rappresenta il movimento di un prodotto industriale fabbricato nel processo di assemblaggio nello spazio fisico.

A differenza della forma quasi umana di Forme uniche della continuità nello spazio, non c’è una giustificazione teorica ovvia per cui una bottiglia debba essere in movimento. Il fatto che Boccioni abbia scelto un oggetto inanimato per dimostrare l’animazione è significativo. L’opera offre un indizio inquietante dell’adorazione futurista per il mondo meccanizzato a cui reagivano. È una visione di un futuro industrializzato autosufficiente che in molti modi si è realizzato, in cui i prodotti si assemblano da soli e il movimento meccanizzato avviene autonomamente, senza l’interazione umana.

Umberto Boccioni - Forme uniche della continuità nello spazio, 1913, vista frontale e laterale 

La ricerca contemporanea della successione

Qualcosa che spesso passa inosservato riguardo a Boccioni e agli altri Futuristi è che c’era una contraddizione insita nelle loro idee. Si supponeva che si ribellassero al peso della storia e abbracciassero l’epoca della macchina. Eppure lo facevano attraverso le arti plastiche. La prima macchina da presa cinematografica fu inventata più di un decennio prima della pubblicazione del Manifesto Futurista. Perché tentare di catturare il movimento in un dipinto, quando poteva essere letteralmente catturato su pellicola?

È commovente che questi artisti, pur rifiutando gli artisti del passato, non rifiutassero del tutto l’arte stessa. Avrebbero potuto sostituire completamente le loro antiche pratiche con i mondi veloci, belli e meccanizzati della fotografia e del cinema. Ma invece scelsero di affrontare l’epoca moderna con tecniche antiche. Sapendo che la rappresentazione perfetta era a loro disposizione attraverso la fotografia e il cinema, scelsero volontariamente l’astrazione, forse per le stesse ragioni di molti altri, come Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich. È un modo non solo per mostrarci ciò che è visibile all’occhio, ma anche per arrivare a qualcosa che risiede oltre l’occhio, nella mente, nel cuore o nello spirito. Per quanto essenziali fossero la velocità, le macchine e l’epoca industriale per i Futuristi, il fatto che dipingessero e scolpissero rivela che credevano nel profondo che qualcosa di antico, come l’umanità, fosse ancora più importante.

Immagine in evidenza: Umberto Boccioni - Sviluppo di una bottiglia nello spazio, realizzato nel 1913, fuso nel 1950
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio