Le caratteristiche più importanti dell'arte cinetica

Che cos’è arte cinetica? La definizione più semplice è: “arte che dipende dal movimento per il suo effetto.” Ma questa è davvero insufficiente. Scientificamente parlando, tutto dipende dal movimento per il suo effetto, poiché tutto si muove continuamente, dal più grande oggetto alla più piccola particella dell’universo. Forse una definizione migliore per l’arte cinetica sarebbe qualcosa come: “qualsiasi creazione estetica intenzionale che, per essere considerata completa, dipende dal movimento fisico progettato e esterno di una o più sue parti in una misura percepibile dai sensi umani.” Ma forse anche questa definizione è incompleta. Forse, come per molte altre cose riguardanti l’arte, le definizioni semplicemente non bastano. Forse invece di definire l’arte cinetica con le parole dovremmo definirla con esempi. Tenendo questo a mente, ecco un breve, seppur incompleto, esame della storia e degli esempi più famosi dell’arte cinetica.

Soffiando nel Vento

Come per molte tendenze estetiche, la cinetica si manifestò nella cultura creativa prosaica molto prima di apparire nelle belle arti. Probabilmente il primo esempio di cinetica artistica è il campanello a vento, usato almeno 5000 anni fa in tutta l’Asia sudorientale. Sì, sarebbe facile sostenere che i campanelli a vento non siano belle arti, ma allo stesso tempo sarebbe altrettanto facile sostenere che potrebbero esserlo. Come molte belle arti, suggeriscono il sacro, esplorano l’interconnessione tra l’uomo e la natura e ispirano stati trascendenti dell’essere. E certamente rientrano nella definizione di fenomeni estetici.

Se non accetti i campanelli a vento come la prima arte cinetica, potremmo anche rivolgerci alla cultura nordica, che ha una ricca e antica tradizione di espressione artistica cinetica. Una scultura sospesa e mobile di un viaggio di caccia alle balene nel Museo Zaans nei Paesi Bassi risale a molto prima dell’era industriale. E gli Himmeli nordici sembrano essere un diretto discendente dei moderni mobili. Queste antiche sculture sospese e fatte a mano hanno origine nei territori germanici (himmel è una parola germanica che significa cielo). Sebbene non sia chiaro quale fosse lo scopo originale degli Himmeli, o da quanto tempo siano in uso, sono cinetici, estetici e almeno precedono il Modernismo.

Una scultura cinetica di una balena secolare dalla collezione del Museo Zaans

Il Primo Artista Cinetico Modernista

Quasi tutti gli storici dell’arte modernista direbbero che il primo artista cinetico moderno fu Marcel Duchamp, e la prima opera cinetica che Duchamp realizzò fu la sua Bicycle Wheel. Composta da una ruota di bicicletta capovolta e inserita nella parte superiore di uno sgabello, quest’opera è anche considerata il primo “ready-made.” Ma a volte, più impariamo su un argomento, meno chiaro diventa. Duchamp stesso non considerava questa scultura in movimento una bella arte. Quando gli fu chiesto della sua creazione, disse che l’aveva costruita solo perché, “mi piaceva guardarla. Proprio come mi piace guardare le fiamme danzare nel camino.”

Se le intenzioni del creatore di un oggetto sono centrali per considerare quell’oggetto una bella arte, per ammissione del suo autore Bicycle Wheel non si qualifica. Chi può dire che antichi campanelli a vento, gli Himmeli nordici o una scultura mobile di un viaggio di caccia alle balene olandese non debbano essere considerati arte cinetica? Perché dovrebbero essere ignorati come artigianato, giocattoli, oggetti popolari o semplice decorazione? Forse c’è qualche indizio in ciò che Duchamp disse riguardo al guardare le fiamme nel camino che unisce la natura di tutti i fenomeni creativi, indipendentemente dalla loro intenzione, come manifestazioni di un impulso umano primordiale.

Marcel Duchamp - Demisfera rotante, 1924. Yale University Art Gallery (Yale University), New Haven, CT, USA. © Marcel Duchamp

Il Movimento del Movimento

Quello che consideriamo il movimento moderno dell’arte cinetica iniziò davvero negli anni Venti. Perché un movimento artistico generi entusiasmo e ottenga credibilità intellettuale, è utile che qualcuno lo nomini e ne difenda la posizione per iscritto. Gli artisti costruttivisti russi Naum Gabo e Antoine Pevsner fecero questo per l’arte cinetica nel 1920. Gabo e Pevsner, che erano anche fratelli, affermarono nel loro Manifesto Realista: “Rifiutiamo: l’errore millenario ereditato dall’arte egizia: i ritmi statici sembrano gli unici elementi della creazione plastica. Proclamiamo un nuovo elemento nelle arti plastiche: i ritmi cinetici, che sono forme essenziali della nostra percezione del tempo reale.”

Un anno prima di scrivere quel manifesto, Gabo, che era anche un ingegnere qualificato, creò quella che probabilmente dovrebbe essere considerata la prima scultura cinetica intenzionale. Chiamò l’opera Costruzione Cinetica. Consisteva in un singolo asta di metallo che sporgeva da una scatola di legno. Quando si attivava un interruttore, un motore meccanico faceva vibrare l’asta. L’opera guadagnò il soprannome di “onda stazionaria” per il modo in cui imita la formazione di un’onda quando è attivata. Oltre a sculture mobili, Gabo realizzò anche sculture statiche che catturavano l’estetica del movimento, un interesse che perseguì per tutta la sua carriera.

Naum Gabo - Costruzione Cinetica (Onda Stazionaria), 1919. Metallo, legno e motore elettrico. 616 x 241 x 190 mm. Collezione Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londra 2018

Mobilità Ascendente

All’incirca nello stesso periodo in cui Gabo e Pevsner introdussero la parola cinetico nella discussione sull’arte moderna, l’artista americano Dada Man Ray era impegnato nella creazione della sua personale interpretazione dell’estetica cinetica. Amico e collega di Marcel Duchamp, Man Ray conosceva certamente Bicycle Wheel, e probabilmente era anche a conoscenza di Costruzione Cinetica. Ciò che rendeva i suoi sforzi diversi da entrambe queste opere è che, invece di utilizzare motori o meccanismi come ruote, Man Ray cercava di catturare il movimento organico nella sua arte.

Man Ray trovò la sua soluzione per una scultura mobile organica nel 1920 con un’opera chiamata Ostruzione. Consisteva in 36 appendini, ciascuno inserito attraverso un foro praticato all’estremità di un altro, tutti sospesi da un unico appendino fissato a un gancio sul soffitto. L’elemento cinetico dell’opera si manifesta quando gli appendini vengono mossi dal vento, da tremori o dal contatto diretto con un osservatore o un oggetto. Oltre a costruire Ostruzione, Man Ray creò un diagramma con istruzioni su come replicarla, incoraggiando chiunque tentasse la replica a superare ciò che lui aveva fatto e a portare la scultura “all’infinito.” Questo diagramma ricorda le opere concettuali successive di artisti come Sol LeWitt, che creò istruzioni dettagliate simili per replicare i suoi disegni murali.

Man Ray - Ostruzione, 1920. 36 appendini interconnessi sospesi dal soffitto. © Man Ray

L’Ascesa delle Macchine

Sebbene fossero rivoluzionarie per il loro tempo, sculture mobili come Ostruzione e Costruzione Cinetica sembrano quasi semplici in confronto a ciò che le seguì presto. Negli anni Venti, l’artista nato in Ungheria László Moholy-Nagy lavorò a una scultura meccanica che, una volta completata, chiamò Propulsore di Luce per un Palco Elettrico, o Modulatore di Spazio Luminoso.

Questa creazione fantastica consisteva in motori elettrici, pannelli mobili e lampadine elettriche di vari colori. Quando attivata, mostrava l’interazione cinetica di colore, luce, movimento e suono. Il Modulatore di Spazio Luminoso non fu solo un’opera fondamentale del movimento dell’arte cinetica; fu anche l’inizio del movimento dell’arte lumino-cinetica e introdusse il concetto di usare la luce elettrica come elemento scultoreo.

Laszlo Moholy-Nagy - Propulsore di Luce per un Palco Elettrico, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Il Movimento delle Masse

Quando molte persone oggi pensano all’arte cinetica, visualizzano i mobili giocosi dell’artista americano Alexander Calder. Molti considerano persino Calder il padre dell’arte cinetica. Ma Calder non iniziò a realizzare i suoi mobili prima del 1931. Come possiamo vedere, molti altri prima di lui cercavano di sfuggire ai limiti statici dell’arte plastica. In effetti, non possiamo nemmeno parlare di Calder e dei suoi mobili senza menzionare ancora una volta Marcel Duchamp che, durante una visita allo studio di Calder, diede a queste creazioni cinetiche sospese il loro nome, mobili, una parola che in francese può significare sia movimento che motivo.

Tuttavia, Calder rese l’arte cinetica ampiamente popolare. Dopo Calder, la tendenza è stata esplorata da generazioni di artisti ispirati dalle forze del movimento. Bruno Munari aprì nuove strade nell’estetica cinetica con le sue Macchine Inutili. Lo scultore americano George Rickey creò sculture cinetiche pubbliche che rispondono alle più lievi correnti d’aria o vibrazioni. E l’artista contemporanea Emily Kennerk esplora la cinetica con progetti come il suo tavolo da pranzo vibrante attivato dalla voce che, alla maniera di Omaggio a New York dell’artista concettuale Jean Tinguely, usa forze cinetiche per autodistruggersi. Anche se non possiamo definire con precisione cos’è l’arte cinetica, possiamo almeno indicare questi artisti cinetici ed esaminare le loro opere. Da qualche parte nei loro sforzi iniziamo a vedere cosa dell’arte cinetica cattura la nostra immaginazione. Anche se non possiamo descriverlo, possiamo goderci di guardarla, come disse Duchamp, mentre “ci piace guardare le fiamme danzare nel camino.”

Immagine in evidenza: Naum Gabo - Costruzione Lineare n. 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londra 2018
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio