Le caratteristiche più importanti dell'arte cinetica

Che cos'è l'arte cinetica? La definizione più semplice è: “arte che dipende dal movimento per il suo effetto.” Ma questo è davvero inadeguato. Scientificamente parlando, tutto dipende dal movimento per il suo effetto, poiché tutto si muove tutto il tempo, dal più grande oggetto alla più piccola particella dell'universo. Quindi forse una definizione migliore per l'arte cinetica sarebbe qualcosa come: “qualsiasi creazione estetica intenzionale che, per essere considerata completa, dipende dal movimento fisico progettato e estraneo di una o più delle sue parti a un grado che è all'interno dell'intervallo percettibile dei sensi umani.” Ma forse anche quella definizione è incompleta. Forse, come con tante altre cose riguardanti l'arte, le definizioni semplicemente ci deludono. Forse invece di definire l'arte cinetica con parole dovremmo definirla con esempi. Tenendo presente ciò, ecco un breve esame, ammettiamo incompleto, della storia e dei più famosi esempi di arte cinetica.

Soffiando nel vento

Come con molte tendenze estetiche, la cinetica si è manifestata nella cultura creativa prosaica molto prima di apparire nell'arte fine. Probabilmente il primo esempio di cinetica artistica sarebbe il campanello a vento, che era in uso almeno 5000 anni fa in tutta l'Asia sudorientale. Sì, sarebbe facile sostenere che i campanelli a vento non sono arte fine, ma d'altra parte sarebbe anche facile sostenere che potrebbero esserlo. Come molta arte fine, alludono al sacro, esplorano l'interconnessione tra umani e natura e ispirano stati di essere trascendenti. E certamente si adattano alla definizione di fenomeni estetici.

Se non accetti i campanelli a vento come la prima arte cinetica, potremmo anche rivolgerci alla cultura nordica, che ha una ricca e antica tradizione di espressione artistica cinetica. Una scultura mobile appesa di un viaggio di balenieri nel Museo Zaans nei Paesi Bassi risale a molto prima dell'Età Industriale. E gli Himmeli nordici sembrano essere un diretto discendente dei moderni mobiles. Queste antiche sculture appese, fatte a mano, hanno avuto origine nei territori germanici (himmel è una parola germanica per cielo). Anche se non è chiaro quale fosse lo scopo originale degli Himmeli, o da quanto tempo siano in uso, essi sono cinetici, estetici e almeno precedono il Modernismo.

Una scultura cinetica di balena secolare della collezione del Museo Zaans

Il Primo Artista Cinético Modernista

Quasi tutti gli storici dell'arte modernista direbbero che il primo artista cinetico moderno è stato Marcel Duchamp, e la prima opera cinetica realizzata da Duchamp è stata la sua Ruota di Bicicletta. Composta da una ruota di bicicletta capovolta e inserita nella parte superiore di uno sgabello, quest'opera è anche considerata il primo "readymade". Ma a volte, più impariamo su un argomento, meno chiaro diventa. Lo stesso Duchamp non considerava questa scultura in movimento come arte fine. Quando gli fu chiesto riguardo alla sua creazione, disse che l'aveva costruita solo perché, "Mi piaceva guardarla. Proprio come mi piace guardare le fiamme danzare nel camino."

Se le intenzioni del creatore di un oggetto sono centrali affinché quell'oggetto venga considerato arte fine, per ammissione del suo creatore Bicycle Wheel non si qualifica. Chi può dire che i campanelli antichi, il Himmeli nordico o una scultura mobile di un viaggio baleniero olandese non debbano essere considerati arte cinetica? Perché dovrebbero essere trascurati come artigianato, giocattoli, artefatti popolari o mera decorazione? Forse c'è qualche indizio in ciò che Duchamp ha detto riguardo a guardare le fiamme nel camino che unisce la natura di tutti i fenomeni creativi, indipendentemente dalle loro intenzioni, come manifestazioni di qualche impulso umano primordiale.

Marcel Duchamp - Rotary demisphere, 1924. Yale University Art Gallery (Yale University), New Haven, CT, US. © Marcel Duchamp

Il Movimento Movimento

Ciò che consideriamo essere il moderno movimento dell'arte cinetica è iniziato realmente negli anni '20. Affinché un movimento artistico generi entusiasmo e guadagni credibilità intellettuale, è utile che qualcuno lo nomini e ne difenda la posizione per iscritto. Gli artisti costruttivisti russi Naum Gabo e Antoine Pevsner lo hanno fatto per l'arte cinetica nel 1920. Gabo e Pevsner, che erano anche fratelli, dichiararono nel loro Manifesto Realistico: “Ripudiamo: l'errore millenario ereditato dall'arte egiziana: i ritmi statici sembrano essere gli unici elementi della creazione plastica. Proclamiamo un nuovo elemento nelle arti plastiche: i ritmi cinetici, che sono forme essenziali della nostra percezione del tempo reale."

Un anno prima di scrivere quel manifesto, Gabo, che era anche un ingegnere formato, creò quella che dovrebbe probabilmente essere considerata la prima scultura cinetica intenzionale. Chiamò l'opera Kinetic Construction. Consisteva in un singolo asta di metallo che sporgeva da una scatola di legno. Quando un interruttore veniva attivato, un motore meccanico vibrava l'asta. L'opera guadagnò il soprannome di “standing wave” a causa del modo in cui imita una formazione d'onda quando viene attivata. Oltre a sculture in movimento, Gabo realizzò anche sculture statiche che catturavano l'estetica del movimento, un interesse che perseguì per tutta la sua carriera.

Naum Gabo - Costruzione Cinetica (Onda Stazionaria), 1919. Metallo, legno e motore elettrico. 616 x 241 x 190 mm. Collezione Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londra 2018

Mobilità ascendente

Intorno allo stesso periodo in cui Gabo e Pevsner introducevano la parola cinetico nella discussione sull'arte moderna, l'artista americano Dada Man Ray era impegnato nella creazione della sua personale interpretazione dell'estetica cinetica. In quanto amico e collega di Marcel Duchamp, Man Ray era sicuramente a conoscenza di Bicycle Wheel, e probabilmente era anche a conoscenza di Kinetic Construction. Ciò che rendeva i suoi sforzi diversi da entrambe quelle opere è che, piuttosto che utilizzare motori o meccanismi come le ruote, Man Ray cercava di catturare il movimento organico nella sua arte.

Man Ray arrivò alla sua soluzione per una scultura organica in movimento nel 1920 con un'opera che chiamò Obstruction. Essa consisteva in 36 grucce, ciascuna inserita attraverso un foro praticato all'estremità dell'armatura di un'altra, e tutte appese a una singola gruccia attaccata a un gancio sul soffitto. L'elemento cinetico dell'opera si introduce quando le grucce vengono disturbate dal vento, da tremori o dal contatto diretto con un osservatore o un oggetto. Oltre a costruire Obstruction, Man Ray creò un diagramma con istruzioni su come potesse essere replicata, incoraggiando chiunque tentasse la sua replicazione a superare ciò che aveva fatto e a portare la scultura "verso l'infinito". Questo diagramma ricorda le opere concettuali successive di artisti come Sol LeWitt, che creò istruzioni dettagliate simili su come replicare i suoi disegni murali.

Man Ray - Obstruction, 1920. 36 interconnected hangers hanging from the ceiling. © Man Ray

L'Ascesa delle Macchine

Sebbene fossero innovativi per il loro tempo, sculture in movimento come Obstruction e Kinetic Construction sembrano quasi antiquate in confronto a ciò che seguì. Negli anni '20, l'artista ungherese László Moholy-Nagy lavorò a una scultura meccanica che, una volta completata, chiamò Light Prop for an Electric Stage, o Light Space Modulator.

Questa creazione fantastica era composta da motori elettrici, pannelli mobili e lampadine elettriche di vari colori. Quando attivata, dimostrava l'interazione cinetica di colore, luce, movimento e suono. Il Light Space Modulator non era solo un'opera seminale del movimento dell'arte cinetica; era anche l'inizio del movimento dell'arte lumino-cinetica e introduceva anche il concetto di utilizzare la luce elettrica come elemento di scultura.

Laszlo Moholy-Nagy - Light Prop for an Electric Stage, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Movimento delle Masse

Quando molte persone oggi pensano all'arte cinetica, visualizzano i fantasiosi mobili dell'artista americano Alexander Calder. Molti considerano addirittura Calder il padre dell'arte cinetica. Ma Calder non iniziò nemmeno a creare i suoi mobili fino al 1931. Come possiamo vedere, ci sono stati molti altri prima di lui che cercavano anche di sfuggire ai confini statici dell'arte plastica. Infatti, non possiamo nemmeno parlare di Calder e dei suoi mobili senza menzionare ancora una volta Marcel Duchamp che, mentre visitava Calder nel suo studio, conferì a queste creazioni cinetiche appese il loro soprannome, mobili, una parola che in francese può significare sia movimento che motivo.

Ma Calder ha comunque reso ampiamente popolare l'arte cinetica. Dopo Calder, la tendenza è stata continuata da generazioni di artisti ispirati dalle forze del movimento. Bruno Munari ha aperto nuove strade nell'estetica cinetica con le sue Macchine Inutili. Lo scultore americano George Rickey ha creato sculture cinetiche pubbliche che rispondono ai più leggeri correnti d'aria o vibrazioni. E l'artista contemporanea Emily Kennerk esplora la cinetica con progetti come il suo tavolo da pranzo vibrante attivato dalla voce, che, alla maniera di Omaggio a New York dell'artista concettuale Jean Tinguely, utilizza forze cinetiche per autodistruggersi. Anche se potremmo non essere in grado di definire precisamente cos'è l'arte cinetica, possiamo almeno indicare questi artisti cinetici ed esaminare il loro lavoro. Da qualche parte nei loro sforzi iniziamo a vedere cosa c'è nell'arte cinetica che cattura la nostra immaginazione. Anche se non possiamo descriverlo, possiamo godere nel guardarlo, come disse Duchamp, mentre “ci godiamo a guardare le fiamme danzare nel camino.”

Immagine in evidenza: Naum Gabo - Costruzione Lineare N. 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londra 2018
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park