Astrazione nella Fotografia di László Moholy-Nagy

Oggi, la fotografia è onnipresente. Le macchine fotografiche sono incorporate in miliardi di dispositivi elettronici, ed è difficile immaginare un soggetto che non sia stato esplorato a fondo fino alla noia nelle fotografie. Ma qual è lo stato della fotografia come arte astratta? Nel 1925, l'artista ungherese e professore del Bauhaus László Moholy-Nagy si lamentava che, sebbene la fotografia esistesse da più di 100 anni all'epoca, gli artisti la usassero poco più che per la riproduzione della realtà. Disse: “il risultato totale fino ad oggi ammonta a poco più di un'impresa enciclopedica visiva.” Definiva la maggior parte delle fotografie come nient'altro che un “momento fermato da una scena in movimento.” Ora, quasi 100 anni dopo, usiamo ancora principalmente la fotografia per la riproduzione, non per la produzione. In Pittura, Fotografia, Cinema, il suo libro fondamentale sull'argomento, Moholy-Nagy discuteva a lungo della moltitudine di altre possibilità che la fotografia potrebbe offrire agli artisti disposti a perseguire il suo potenziale astratto. Tra queste possibilità, a suo avviso, la più importante era il potenziale della fotografia di creare “nuove relazioni tra il noto e l'ancora sconosciuto.” Moholy-Nagy credeva che siamo al nostro meglio quando tutti i nostri sistemi biologici lavorano in sintesi tra loro, e che parte integrante di quello stato di funzionalità totale è l'incorporazione di un flusso regolare di nuove sensazioni. Per gli artisti, ciò significa che il contributo più grande che si può dare all'elevazione della razza umana è offrire nuove esperienze sensoriali; non semplicemente imitando, o fotografando, ciò che già esiste, ma offrendo prospettive su come vedere il mondo in modo nuovo.

Il Personale e l'Universale

L'arte non è un argomento da generalizzare facilmente, perché quasi ogni artista aspira all'originalità. Fuori da quei momenti in cui un gruppo di artisti firma un manifesto che descrive esattamente ciò che stanno facendo, è quasi impossibile raggruppare gli artisti in un movimento o in un particolare punto di vista. Tuttavia, a volte è corretto dire che una tendenza comune è stata o è adottata da un particolare gruppo di artisti, e parlare in modo generale di ciò che quella tendenza sembra essere. (Se questo suona come una riserva, è perché lo è.) Due delle tendenze più comunemente generalizzate che sembrano verificarsi nell'arte astratta sono la tendenza verso espressioni estetiche personali e la tendenza verso espressioni estetiche universali.

Le espressioni personali sono generalmente un po' soggettive o ambigue; le espressioni universali sono generalmente oggettive o inequivocabili. Queste due tendenze si manifestarono in modo distinto tra molti dei primi artisti astratti modernisti. Da una parte c'erano artisti come Kazimir Malevich e Piet Mondrian che sostenevano una sensibilità geometrica e oggettiva. Dall'altra parte c'erano artisti come Wassily Kandinsky e Paul Klee che cercavano di esprimere la loro ricerca personale dello spirituale. Questa è una semplificazione, ma un modo per dirlo è che un lato era emotivo, e l'altro pratico. Ma tutti speravano di raggiungere qualcosa di universalmente prezioso, anche se le loro prospettive erano molto diverse e i loro approcci spesso diametralmente opposti.

László Moholy-Nagy- Unsere Grossen, 1927. © Fondazione László Moholy-Nagy

Bianco e Nero

Fino a quando non fu quasi sul letto di morte, László Moholy-Nagy fu fermamente dalla parte degli artisti pratici. Una storia su di lui racconta che, avvicinandosi alla morte, rinunciò al suo disprezzo per l'arte emotiva e annunciò l'importanza della soggettività. Ma quando era più influente, mentre era al Bauhaus e impegnato nella fotografia, era il più inequivocabile possibile. Il suo stato d'animo era che gli artisti dovessero usare la fotografia in accordo con la sua funzione oggettiva come mezzo. Quella funzione, come disse lui, è la capacità di trasmettere il chiaroscuro.

Il chiaroscuro è la rappresentazione delle qualità di luce e ombra in un dipinto. I dipinti con forti contrasti tra ombra e luce si dicono ricchi di chiaroscuro. László Moholy-Nagy percepiva la fotografia come un mezzo principalmente legato alla luce, e quindi la considerava il mezzo supremo per rappresentare il chiaroscuro. Lo vedeva come l'uso più alto del mezzo, e molte delle sue prime fotografie astratte erano intese come composizioni pure e formali di bianco, nero e sfumature di grigio. Queste immagini diventano astratte quando ci concentriamo sul chiaroscuro, perché riconosciamo che l'oggetto fotografato non è il soggetto, ma che il soggetto è un'idea, in questo caso l'idea di luce e oscurità.

László Moholy-Nagy - Senza titolo, Fotogramma, Dessau, 1925-8. © Fondazione László Moholy-Nagy

Il Mistico Quotidiano

Oltre al chiaroscuro, László Moholy-Nagy identificò anche diverse altre qualità astratte uniche che credeva fossero insite nella fotografia, tutte le quali cercò di esprimere nel suo lavoro. Una è la capacità di trasformare qualcosa di ordinario in qualcosa di magico attraverso la manipolazione di elementi formali come l'esposizione e la composizione. Intorno a noi esistono immagini che, se fossimo in grado di vederle da una certa prospettiva, apprezzeremmo per le loro proprietà estetiche surreali, oniriche o addirittura mistiche. Ma la nostra vera esperienza del mondo limita la nostra prospettiva e ci impedisce di scegliere ciò che vediamo e come lo vediamo.

Una macchina fotografica vede inevitabilmente la realtà da un punto di vista modificato. Può congelare un momento e prolungarlo all'infinito nel tempo. La fotografia sfrutta anche il fatto che la mente umana percepisce istintivamente qualsiasi cosa l'occhio veda in una fotografia come realtà. Anche se una fotografia ci mostra solo una vista parziale del mondo, manipolata dall'artista, la nostra mente la interpreta comunque come vera. Questo può far sembrare qualcosa di familiare come estraneo, o viceversa, e quell'esperienza inquietante può creare la sensazione che ciò che stiamo vedendo in qualche modo trascenda il naturale.

László Moholy-Nagy - Ritratto di un bambino, 1928. © Fondazione László Moholy-Nagy

Molteplicità Consapevole

Un'altra qualità potenzialmente astratta nella fotografia è la capacità dell'artista di usare il mezzo per creare molteplicità. László Moholy-Nagy realizzò multipli in vari modi nelle sue fotografie. A volte esponeva un negativo più volte, creando composizioni che contenevano prospettive diverse simultanee su un singolo soggetto; molto simile a un dipinto cubista. Altre volte realizzava una stampa che presentava multipli della stessa immagine, risultando in strane composizioni di oggetti identici ripetuti.

Guardando queste immagini, la nostra mente fatica a identificare ciò che dovrebbe considerare come soggetto. Il soggetto è l'immagine riconoscibile di una persona o di un oggetto? Dovremmo ignorare il fatto delle immagini multiple o delle prospettive multiple? Oppure il soggetto è l'idea della ripetizione? In verità, il soggetto è il fatto che non conosciamo il soggetto. È la rappresentazione astratta dell'ancora sconosciuto.

László Moholy-Nagy - La legge delle serie, 1925. © Fondazione László Moholy-Nagy

Verità Attraverso la Distorsione

La prospettiva può essere lo strumento astratto più potente che un fotografo possiede. Una fotografia permette al mondo intero di vedere ciò che una singola macchina fotografica può vedere. In un senso, la prospettiva aumenta la capacità di una fotografia di mostrarci la realtà. Per esempio, nella sua famosa fotografia Balconi, Moholy-Nagy ci offre una nuova prospettiva sulla composizione armoniosa degli oggetti nel mondo reale catturando la composizione geometrica dell'architettura alla luce del sole. Questa è la verità visiva del nostro ambiente ordinato e geometrico, che la nostra vista limitata non ci permette di vedere.

In un altro senso, la prospettiva aumenta la capacità di una fotografia di distorcere la realtà. Nella sua fotografia chiamata Torre Radio di Berlino, Moholy-Nagy ci mostra un punto di vista così soggettivo da risultare quasi kitsch. Questo è il nostro mondo come probabilmente non lo vedremo mai nella vita reale, né ne avremo bisogno. Questa è la realtà, ma non la nostra realtà quotidiana. Possiamo apprezzare la fotografia puramente secondo il suo soggetto oggettivo, oppure possiamo apprezzarne gli elementi compositivi, distaccati da qualsiasi responsabilità personale verso il contenuto. Oppure possiamo interpretare il soggetto come la nozione astratta della nostra abituale incapacità di vedere una prospettiva più ampia sul nostro mondo.

László Moholy-Nagy - Balconi (sinistra), e László Moholy-Nagy - Torre Radio di Berlino (destra). © Fondazione László Moholy-Nagy

Nuovi Modi di Vedere

Molte delle fotografie create da László Moholy-Nagy sembrano distorte, offuscate o intenzionalmente astratte. Ma lui non le definiva in base a queste proprietà. Vedeva la macchina fotografica come uno strumento attraverso cui si poteva esprimere una realtà elevata e universale. Ma per esprimere quella realtà elevata credeva che la macchina dovesse essere usata “in conformità con le proprie leggi e il proprio carattere distintivo.”

Definì il carattere distintivo della fotografia come qualcosa di simultaneamente oggettivo e astratto. La fotografia cattura la realtà, ma non limita sempre il suo soggetto alla realtà che cattura. Invece, il soggetto ruota attorno a nozioni di luce e oscurità, al mistero della prospettiva, alla capacità di congelare il movimento e al potere di estendere il tempo. Attraverso il suo lavoro, Moholy-Nagy dimostrò come le fotografie astratte non siano necessariamente distorsioni, ma piuttosto, nelle mani di un artista visionario, possano essere, “un invito a rivedere il nostro modo di vedere.”

Immagine in evidenza: László Moholy-Nagy - Composizione Z VIII, 1924. © Fondazione László Moholy-Nagy
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio