La Rivoluzione Pittura Astratta Acrilica Portata al Medium

Ogni mezzo artistico possiede qualità che influenzano il modo in cui gli spettatori interagiscono con esso. Essendo uno dei mezzi più recenti, la pittura acrilica comunica, tra le altre cose, la modernità. Cos'altro rende uniche le acriliche? Per esempio, se un pittore dipingesse un quadro astratto con pittura acrilica e poi ridipivesse lo stesso quadro più volte, ogni volta usando un mezzo diverso, quali sarebbero le differenze fondamentali tra le varie opere? Ci sarebbero ovviamente differenze fisiche, dovute alle proprietà fisiche dei vari mezzi. Ma ci sarebbero anche differenze metafisiche? La pittura acrilica possiede qualità astratte o simboliche che le fanno suscitare risposte viscerali diverse rispetto, per esempio, alla pittura a olio o agli acquerelli? Esaminando la storia della pittura acrilica e il suo uso nella pittura astratta, forse possiamo scoprire le qualità rivoluzionarie che distinguono questo mezzo.

Grazie Sam Golden

Oggi è difficile immaginare un tempo in cui apprendere di un particolare mezzo pittorico richiedeva un grande impegno. Ma ai tempi prima dei mass media, gli artisti che volevano rimanere aggiornati sulle ultime tendenze nella pittura non potevano semplicemente cercare le informazioni su Google; dovevano andare al negozio di colori locale e iniziare una conversazione. Nel 1933, il miglior negozio di colori di New York City, in 15th Street, si chiamava Bocour Artist Colors. Un artista di nome Leonard Bocour e suo nipote, Sam Golden, erano i proprietari. Producevano pitture a olio a mano ed erano rinomati per i loro prodotti di alta qualità.

Nel suo periodo di massimo splendore, Bocour Artist Colors era un vortice che attirava molti degli artisti più seri di New York. I pittori andavano lì, si fermavano a parlare di lavoro e sperimentavano con le diverse pitture. Leonard e Sam preparavano persino colori su misura per gli artisti. Un giorno del 1946, un artista entrò con una resina sintetica e chiese loro di fare una pittura con quel materiale. Era un prodotto industriale e aveva caratteristiche notevolmente diverse da qualsiasi mezzo usato dagli artisti all’epoca. Sam e Leonard lavorarono su di esso e, dopo diversi tentativi falliti, riuscirono a trasformarlo in una pittura utilizzabile. La chiamarono Magna. Fu la prima pittura acrilica per artisti.

Robert Motherwell - Primal Image II, 1988. Acrilico su tela. 55 x 74 in. © Robert Motherwell

I primi dipinti astratti acrilici

Sam e Leonard offrirono campioni di Magna ai vari artisti che frequentavano il loro negozio. Uno dei primi artisti a passare all’uso di questo materiale fu un giovane pittore astratto di nome Morris Louis. Louis nacque e crebbe a Baltimore. Si era trasferito a New York all’età di 24 anni, in un appartamento a breve distanza da Bocour Artist Colors, in 21st Street. Era interessato ai mezzi sperimentali fin dal 1937, quando partecipò a un laboratorio tenuto nelle vicinanze, in 14th Street, da un pittore messicano di nome David Alfaro Siqueiros. Jackson Pollock e altri artisti emergenti avevano partecipato anch’essi al laboratorio di Siqueiros. In quell’occasione, Siqueiros incoraggiava gli artisti a usare mezzi moderni e industriali e a impiegare tecniche come lo spruzzo, la gocciolatura e il versamento.

Siqueiros era un rivoluzionario che credeva che nuovi atteggiamenti richiedessero nuovi mezzi e nuove tecniche per trovare la loro voce. Sebbene Morris Louis partecipasse al laboratorio di Siqueiros, continuò comunque a dipingere in uno stile figurativo e a usare mezzi tradizionali come la guazzo e la pittura a olio per un altro decennio. Ma nel 1948, quando Sam e Leonard gli diedero da provare Magna, vide la sua occasione per trasformare il suo lavoro. Abbracciò l’astrazione e da quell’anno in poi scelse l’acrilico come suo mezzo principale.

Morris Louis - Senza titolo (Pesce), 1948. Resina acrilica (Magna) su tela. Dimensioni sconosciute. Firmato, in basso a destra: Louis 48, DU17. © 2014 MICA / Artist Rights Society

L’acrilico e gli espressionisti astratti

Cosa aveva di così impattante Magna per Morris Louis? Potrebbe essere stato il semplice fatto che rappresentava un riflesso moderno del tempo. Comunica l’ingegno della sua generazione. Ma c’erano anche altre caratteristiche del mezzo acrilico che potevano attrarlo e che lo resero attraente anche per i suoi contemporanei, gli espressionisti astratti. La pittura acrilica si asciugava più rapidamente della pittura a olio, quindi invece di aspettare giorni che uno strato si asciugasse, i pittori d’azione potevano dipingere più strati senza attendere. La pittura acrilica non si screpolava, permettendo superfici più lisce anche dopo più strati. Inoltre, aveva l’opacità della pittura a olio, ma era facile da lavorare come gli acquerelli o il guazzo.

Molti dei pittori espressionisti astratti più famosi adottarono le pitture acriliche, tra cui Jackson Pollock, Willem de Kooning e Robert Motherwell. Le adottarono perché permettevano di sperimentare, dipingendo rapidamente, intuitivamente, in più strati e usando tecniche radicali. Il mezzo piacque anche agli artisti associati alla pittura a campi di colore. Kenneth Noland usava gli acrilici per la loro capacità di creare colori vibranti con pochi strati, permettendogli di realizzare le sue tele astratte lisce, piatte e con bordi netti. E Mark Rothko usava pitture acriliche insieme agli oli per creare le sue iconiche tele contemplative. Scoprì che gli acrilici riflettevano la luce in modo diverso dagli oli. Ancora oggi, mentre i suoi dipinti sbiadiscono col tempo, gli elementi acrilici si deteriorano in modo differente, aggiungendo nuove dimensioni interpretative alla natura eterea delle opere.

Kenneth Noland - Beginning, 1958. Magna su tela. © Kenneth Noland

Altri famosi pittori astratti acrilici

Nel 1962, Helen Frankenthaler passò dagli oli agli acrilici. In precedenza usava pitture a olio diluite con trementina per creare i suoi celebri dipinti a macchia assorbente, ma era insoddisfatta del modo in cui la pittura a olio interagiva con le sue tele non preparate. Doveva aggiungere una grande quantità di trementina alla pittura a olio per ottenere la viscosità desiderata. La trementina diluiva il colore e aveva anche un effetto dannoso sulla tela stessa. Oggi molte delle sue tele macchiate a olio si stanno deteriorando.

Frankenthaler scoprì che gli acrilici avevano una viscosità naturalmente più fluida. Erano più adatti alla sua tecnica idiosincratica e fornivano colori più vivaci alle sue composizioni. Bridget Riley fu un’altra pittrice che lavorò con una grande varietà di mezzi, ma che si rivolse agli acrilici più tardi nella sua carriera per le loro particolari qualità fisiche. Usò la pittura acrilica nelle sue tele negli anni ’70, quando si interessò maggiormente agli effetti ottici del colore, poiché l’opacità e le qualità superficiali sintetiche degli acrilici permettono maggiore luminosità con meno strati di pittura.

Bridget Riley - Orient IV, 1970, acrilico su tela. © Bridget Riley

Pittori astratti acrilici contemporanei

Osservando le varie qualità fisiche che distinguono la pittura acrilica, possiamo vedere che ci sono molte ragioni concrete e astratte per cui i pittori contemporanei potrebbero usare questo mezzo nelle loro opere. Il mezzo è moderno, luminoso, semplice e diretto, rendendolo perfetto per pittori come l’artista astratto nato in Australia Brent Hallard e il pittore astratto francese Frédéric Prat, che esplorano questioni di colore, superficie, precisione e intento. E gli acrilici permettono anche dichiarazioni estetiche intuitive e stratificate, rendendoli ideali per pittori contemporanei come Francine Tint, che stanno ampliando l’eredità degli espressionisti astratti.

Ciò che tutti i pittori astratti acrilici hanno in comune è che sono attratti da questo mezzo rivoluzionario per le sue qualità uniche e idiosincratiche. Se queste qualità possano essere comunicate visceralmente agli spettatori dipende dalla natura soggettiva di tali interazioni. Ma è chiaro che ci sono elementi fondamentalmente unici nel mezzo. E poiché è ancora nella sua infanzia, il mezzo potrebbe ancora avere molti messaggi da scoprire.

Francine Tint - Male Muse, 2016, acrilico su tela

Immagine in evidenza: Helen Frankenthaler - The Bay, 1963. Acrilico su tela. 6′ 8-7/8″ x 6′ 9-7/8″. Detroit Institute of Arts. © Helen Frankenthaler
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio