Cosa può essere considerato astratto nell'opera di Robert Rauschenberg

Un’astrazione è un punto di partenza. È il seme di un’idea che potrebbe, nelle giuste circostanze contemplative, circostanze che richiedono apertura per manifestarsi, crescere in una foresta di pensieri. La risposta breve, quindi, alla domanda se l’opera di Robert Rauschenberg possa essere considerata astratta, è sì. Tutto di essa può essere letto come astratto. Ogni elemento di ogni opera che Rauschenberg ha realizzato nel corso di oltre 60 anni di carriera professionale era inteso come stimolo al pensiero. Abbiamo come prova le parole dell’artista in numerose interviste, in cui ha sottolineato ripetutamente l’importanza del ruolo del singolo spettatore nel determinare il significato dei suoi esperimenti. E come ulteriore, decisiva dimostrazione della natura astratta della sua opera, abbiamo la retrospettiva di Robert Rauschenberg inaugurata il 1° dicembre 2016 alla Tate Modern di Londra. È la prima mostra completa del suo lavoro dalla morte dell’artista nel 2008, e include più di 200 opere che coprono l’intera linea temporale della sua carriera e l’intera gamma di tecniche con cui ha sperimentato. La mostra si sposterà poi a San Francisco per una permanenza al SFMoMA, e successivamente al MoMA di New York. Le opere nel suo catalogo offrono l’opportunità di contemplare appieno la vita e l’opera di un artista che, prima di tutto, sperava di convincerci a guardare attentamente il nostro mondo e il nostro tempo, e a determinarne il significato da soli.

L’arte del suo tempo

La già citata retrospettiva di Robert Rauschenberg attualmente in mostra alla Tate Modern presenta le opere di Robert Rauschenberg in ordine cronologico, secondo l’anno in cui sono state realizzate. Questa non è stata una scelta fatta per semplicità. Il tempo è un elemento essenziale in tutto ciò che Rauschenberg ha creato. In ogni fase della sua carriera Rauschenberg è stato un artista del suo momento. Non che abbia semplicemente realizzato opere sul suo tempo. Piuttosto, il suo lavoro è stato un prodotto del suo tempo. Si è manifestato attraverso la sua interazione con la cultura del presente ed è emerso come una definizione del presente.

Il primo corpus di opere che Rauschenberg realizzò e che definì con audacia e precisione il presente fu una serie di grandi dipinti monocromi che dipinse in vari colori, tra cui bianco, nero, rosso e oro. Era l’inizio degli anni ’50 e lui era immerso nella scena artistica di New York, dominata dall’Espressionismo Astratto. Rauschenberg era amico di molti pittori di quell’ambiente. Con loro beveva, li accompagnava a casa quando avevano bevuto troppo, e condivideva le loro conversazioni quotidiane su arte e vita. I suoi monocromi furono il risultato inevitabile di quel dramma. Essi dimostrano, seppur in modo astratto, il semplice valore insito nel fare qualcosa di completamente diverso da ciò che fanno tutti gli altri.

Robert Rauschenberg - Senza titolo (monocromo nero opaco, trittico), 1951, olio su tela, 72 x 108 pollici. © Robert Rauschenberg Foundation

Forze combinate

Dopo essersi affermato con i suoi monocromi, Robert Rauschenberg iniziò a realizzare i suoi primi Combines, assemblaggi di detriti del mondo reale che occupano una posizione intermedia tra varie forme artistiche tradizionali. Sono in parte dipinti, in parte sculture, in parte ready-made, e in parte collage. Annunciarono la conclusione già prevalente e inevitabile che le classificazioni formali tradizionali erano diventate irrilevanti e che tutta l’arte poteva essere un’arte totale.

Mentre l’Espressionismo Astratto era impregnato delle emozioni individuali degli artisti stessi, i Combines di Rauschenberg erano un’espressione dell’intera cultura. Erano fatti di ritagli di giornale, spazzatura, oggetti trovati, curiosità, legno di scarto e naturalmente pittura. Sono un’immagine esatta e rappresentativa del mondo, così com’era nei giorni in cui furono realizzati. Esprimono simultaneamente il totale della società umana offrendo un invito aperto a contemplarne la natura e i valori.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, olio, acquerello, matita, pastello, carta, tessuto, fotografie, riproduzioni stampate, miniatura di progetto, giornale, metallo, vetro, erba secca e lana d’acciaio con cuscino, palo di legno, luci elettriche e gallo su struttura di legno montata su quattro ruote. © Robert Rauschenberg Foundation

Un mondo di immagini

Anche se fu il suo contemporaneo Andy Warhol a diventare più famoso per questa pratica, fu Robert Rauschenberg a essere pioniere nell’uso del processo industriale della serigrafia per creare dipinti che incorporano fotografie tratte dalla cultura contemporanea, come chiarisce l’attuale retrospettiva alla Tate. L’iconico Retroactive II, una serigrafia di Rauschenberg che presenta un’immagine prominente di John F. Kennedy accanto a quella di un astronauta, un misuratore meteorologico, una Polaroid di un bicchiere d’acqua scattata dall’artista e diverse altre immagini, sembra essere particolarmente apprezzato dalla Tate, dato che è stato usato in tutto il materiale pubblicitario, compresa la copertina del catalogo.

Oltre alla serigrafia, Rauschenberg utilizzò anche una varietà di altri processi di stampa, come la litografia, nel corso della sua carriera. Alcune delle sue stampe (Retroactive II in particolare) sembrano un diario, come per dire semplicemente: “questo è ciò a cui sto pensando oggi, anche se non so cosa significhi.” Altre, come Earth Day, una litografia del 1970, sembrano più propaganda, esprimendo una posizione sociale attivista diretta. Altre ancora, come Renascence, una serigrafia del 1962, appaiono totalmente astratte. Indipendentemente dal loro contenuto apparente, le stampe di Rauschenberg dimostrano l’intenzione generale che l’artista ha sempre avuto, cioè esprimere il suo tempo. Come disse, “Ho sempre voluto che le mie opere—qualunque cosa accadesse nello studio—assomigliassero di più a ciò che accadeva fuori dalla finestra. Il compito dell’artista è essere testimone del suo tempo nella storia.”

Robert Rauschenberg - Renascence, 1962, olio e inchiostro serigrafico su tela. © Robert Rauschenberg Foundation

Il mondo è un palcoscenico

Oltre al lavoro in studio, Robert Rauschenberg fu anche un collaboratore attivo nel mondo della rappresentazione scenica. Nel corso della sua carriera creò oggetti di scena, fondali e costumi per varie produzioni teatrali e di danza. Occasionalmente recitò anche in alcune di queste produzioni. Una delle sue opere più famose, un combine del 1954 intitolato Minutiae, fu realizzata come elemento scenico per un balletto di Merce Cunningham. (Un film del balletto è presentato nella retrospettiva alla Tate.)

Il modo in cui interagiscono specificamente con un’opera più ampia fa sì che le sue opere legate alla rappresentazione scenica si distinguano dagli altri suoi lavori. Il loro quadro concettuale ci offre un contesto ampliato da cui interpretarle. Se consideriamo Minutiae puramente come oggetto d’arte astratta, possiamo arrivare a molteplici interpretazioni personali basate sul nostro rapporto individuale con la sua forma e i suoi vari elementi estetici. Ma come elemento di un balletto possiamo liberarci dalla responsabilità dell’interpretazione personale e vederlo semplicemente come decorazione o come una dichiarazione sulla narrazione che si svolge sul palco. È allettante, infatti, chiedersi quali ulteriori astrazioni potrebbero emergere leggendo tutto il lavoro di Rauschenberg come decorazione o oggetti di scena piuttosto che come arte.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, olio, carta, tessuto, giornale, legno, metallo e plastica con specchio su filo intrecciato su struttura di legno. © Robert Rauschenberg Foundation

Ciò che non è mostrato

Sebbene i suoi monocromi, Combines, stampe e scenografie siano ciò per cui Robert Rauschenberg è più conosciuto, la sua prolifica creatività si manifestò anche in altri mezzi. Come accade per molti artisti famosi, se gli interessi finanziari del mercato non attribuiscono un certo valore a un corpus di opere, talvolta queste non vengono discusse nel contesto più ampio della loro opera. L’attuale mostra alla Tate aiuta gli spettatori a uscire da questa visione miope offrendo uno sguardo gradito a molti dei primi lavori di Rauschenberg che precedono quei dipinti monocromi che per primi gli diedero fama. Ad esempio, è esposto un bellissimo esempio delle sue inquietanti monoprint di progetti esposti. La mostra dedica inoltre la giusta attenzione ai suoi sforzi al di fuori dello studio, offrendo uno sguardo ad alcuni reperti d’archivio del suo lavoro benefico, esemplificato dalla fondazione senza scopo di lucro Rauschenberg Foundation.

Nella sua vita privata Robert Rauschenberg era un realista. Pur avendo la mente di un filosofo, era anche noto per la sua passione, cordialità, generosità e senso dell’umorismo. E a volte mostrava tutte queste qualità nelle sue opere. C’erano elementi realistici, appassionati, amichevoli e umoristici in ciascuno degli esperimenti di Rauschenberg, mentre tentava senza riserve di mostrare alla sua generazione il loro mondo. Ciò che fortunatamente non è mostrato nell’attuale retrospettiva alla Tate sono risposte conclusive riguardo al significato dei suoi numerosi esperimenti. L’elemento più chiaramente astratto dell’eredità che Rauschenberg ha creato è che ciascuna delle sue opere ha un numero potenzialmente infinito di significati, limitati solo dall’immaginazione individuale di ogni spettatore. Come disse Rauschenberg, “Vorrei realizzare un dipinto e una situazione che lascino tanto spazio alla persona che lo guarda quanto all’artista.”

Immagine in evidenza: Robert Rauschenberg - Charlene (dettaglio), 1954, olio, carboncino, carta, tessuto, giornale, legno, plastica, specchio e metallo su quattro pannelli di Homasote, montati su legno con luce elettrica. © Robert Rauschenberg Foundation
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio