Cosa può essere considerato astratto nell'opera di Robert Rauschenberg

Un'astrazione è un punto di partenza. È il seme di un'idea che potrebbe, nelle giuste circostanze contemplative, circostanze che richiedono apertura per manifestarsi, crescere in una foresta di pensiero. La risposta breve, quindi, alla domanda se l'opera d'arte di Robert Rauschenberg possa essere considerata astratta, è sì. Tutto ciò che la riguarda può essere letto come astratto. Ogni elemento di ogni opera d'arte che Rauschenberg ha realizzato nel corso della sua carriera professionale di oltre 60 anni era inteso come un istigatore di pensiero. Abbiamo come prova le parole dell'artista in innumerevoli interviste, in cui ha sottolineato ripetutamente l'importanza del ruolo dell'osservatore individuale nell'instaurare il significato dei suoi esperimenti. E come ulteriore, decisivo dimostrazione della natura astratta della sua opera, abbiamo la retrospettiva di Robert Rauschenberg che è stata inaugurata il 1 dicembre 2016 al Tate Modern di Londra. È la prima esposizione completa del suo lavoro dalla morte dell'artista nel 2008, e include più di 200 opere d'arte che coprono l'intero arco della sua carriera e l'intera gamma di media con cui ha sperimentato. L'esposizione si sposterà successivamente a San Francisco per una permanenza al SFMoMA, e poi al MoMA di New York. Le opere nel suo catalogo offrono l'opportunità di contemplare appieno la vita e il lavoro di un artista che, sopra ogni altra cosa, sperava di convincerci a guardare da vicino il nostro mondo e il nostro tempo, e a determinare il suo significato per noi stessi.

L'arte del suo tempo

La retrospettiva di Robert Rauschenberg sopra menzionata, attualmente in mostra al Tate Modern, presenta l'opera di Robert Rauschenberg in ordine sequenziale, secondo l'anno in cui è stata realizzata. Questa è stata una decisione non presa per motivi di semplicità. Il tempo è un elemento essenziale in tutto ciò che Rauschenberg ha creato. In ogni fase della sua carriera, Rauschenberg è stato un artista del suo momento. Non che abbia semplicemente realizzato opere sul suo tempo. Piuttosto, il suo lavoro era un sottoprodotto del suo tempo. Si manifestava attraverso la sua interazione con la cultura del presente ed emergeva come una definizione del presente.

Il primo corpo di lavoro che Rauschenberg realizzò e che definì audacemente e accuratamente il presente fu una serie di grandi pitture monocromatiche che dipinse in vari colori, tra cui bianco, nero, rosso e oro. Erano i primi anni '50 e lui era immerso nella scena artistica di New York, dominata dall'Espressionismo Astratto. Rauschenberg era amico di molti dei pittori Ab Ex. Beveva con loro, li portava a casa quando avevano bevuto troppo e condivideva le loro conversazioni quotidiane su arte e vita. Le sue monocromie erano il risultato inevitabile del loro dramma. Dimostrano, sebbene in modo astratto, il semplice valore intrinseco nel fare qualcosa di completamente diverso da ciò che fanno tutti gli altri.

Robert Rauschenberg - Untitled (mate black monochrome, triptych), 1951, Oil on canvas, 72 x 108 in. © Robert Rauschenberg Foundation

Forze combinate

Dopo aver fatto il suo nome con i suoi monocromi, Robert Rauschenberg iniziò i suoi primi Combines, assemblaggi di detriti del mondo reale che abitano un terreno intermedio tra varie forme artistiche tradizionali. Sono parte pittura, parte scultura, parte readymade e parte collage. Annunciarono la conclusione già prevalente e inevitabile che le classificazioni formali tradizionali erano diventate irrilevanti e che tutta l'arte poteva essere un'arte totale.

Mentre l'Espressionismo Astratto era immerso nelle emozioni individuali degli artisti stessi, i Combines realizzati da Rauschenberg erano un'espressione dell'intera cultura. Erano fatti di ritagli di giornale, spazzatura, oggetti trovati, curiosità, legno di scarto e, naturalmente, vernice. Sono un'immagine esatta e rappresentativa del mondo, così com'era nei giorni in cui furono realizzati. Esprimono simultaneamente il totale della società umana mentre estendono un invito aperto a contemplare la sua natura e i suoi valori.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, oil, watercolor, pencil, crayon, paper, fabric, photographs, printed reproductions, miniature blueprint, newspaper, metal, glass, dried grass, and steel wool with pillow, wood post, electric lights, and rooster on wood structure mounted on four casters. © Robert Rauschenberg Foundation

Un mondo di immagini

Anche se è stato il suo contemporaneo Andy Warhol a diventare più famoso per la pratica, è stato Robert Rauschenberg a pionierare l'uso del processo di serigrafia industriale per creare dipinti che incorporano fotografie tratte dalla cultura contemporanea, come chiarisce la retrospettiva attuale della Tate. L'iconico Retroactive II, una serigrafia di Rauschenberg che presenta un'immagine prominente di John F. Kennedy accanto a un'immagine di un astronauta, un barometro, una Polaroid di un bicchiere d'acqua scattata dall'artista e diverse altre immagini, sembra essere particolarmente apprezzato dalla Tate, poiché è stato utilizzato in tutti i suoi materiali pubblicitari, compresa la copertina del catalogo.

Oltre alla serigrafia, Rauschenberg ha utilizzato anche una varietà di altri processi di stampa, come la litografia, nel corso della sua carriera. Alcune delle sue stampe (Retroactive II in particolare) sembrano una voce di diario, come a dire semplicemente: “questo è ciò a cui sto pensando oggi, anche se non so cosa significhi.” Altre, come Earth Day, una litografia del 1970, sembrano più propaganda, esprimendo una posizione di attivismo sociale molto diretta. Altre ancora, come Renascence, una serigrafia del 1962, appaiono totalmente astratte. Indipendentemente dal loro contenuto apparente, le stampe di Rauschenberg dimostrano l'intenzione predominante che Rauschenberg ha sempre avuto, cioè esprimere il suo tempo. Come disse: “Ho sempre voluto che le mie opere—qualunque cosa accadesse nello studio—somigliassero di più a ciò che stava accadendo fuori dalla finestra. Il compito dell'artista è essere testimone del suo tempo nella storia.”

Robert Rauschenberg - Renascence, 1962, Oil and silkscreen ink on canvas. © Robert Rauschenberg Foundation

Il Mondo è un Palco

Oltre al suo lavoro in studio, Robert Rauschenberg è stato anche un collaboratore attivo nel mondo della performance. Nel corso della sua carriera, ha creato scenografie, fondali e costumi per una varietà di produzioni teatrali e di danza. Ha persino recitato occasionalmente in alcune di queste produzioni. Uno dei suoi pezzi più famosi, un combine del 1954 intitolato Minutiae, è stato creato come pezzo di scena per un balletto di Merce Cunningham. (Un film del balletto è presentato alla retrospettiva Tate.)

Il modo in cui interagiscono specificamente con un'opera d'arte più grande fa sì che i suoi lavori legati alla performance si distinguano dai suoi altri sforzi. Il loro quadro concettuale ci offre un contesto ampliato da cui interpretarli. Se consideriamo Minutiae puramente come un oggetto d'arte astratta, potremmo arrivare a un numero qualsiasi di interpretazioni personali basate sulla nostra relazione individuale con la sua forma e i suoi vari elementi estetici. Ma come un elemento di un balletto possiamo allontanarci dalla responsabilità dell'interpretazione personale e vederlo semplicemente come decorazione o una dichiarazione sulla narrazione che si svolge sul palcoscenico. È tentante, in effetti, chiedersi quali ulteriori astrazioni potrebbero essere ottenute leggendo tutto il lavoro di Rauschenberg come decorazione o oggetti di scena piuttosto che arte.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, oil, paper, fabric, newspaper, wood, metal, and plastic with mirror on braided wire on wood structure. © Robert Rauschenberg Foundation

Ciò che non viene mostrato

Sebbene i suoi monocromi, Combines, stampe e design per il palcoscenico siano ciò per cui Robert Rauschenberg è meglio conosciuto, la sua creatività prolifica si è manifestata anche in altri media. Come nel caso di molti artisti famosi, se gli interessi finanziari del mercato non considerano un certo corpo di lavoro con sufficiente stima, a volte non viene discusso nel contesto più ampio della loro opera. L'attuale esposizione alla Tate aiuta i visitatori a sfuggire a quella visione miopica offrendo un gradito sguardo a molti dei primi sforzi che Rauschenberg ha realizzato e che precedono quei dipinti monocromi che hanno fatto il suo nome. Ad esempio, è in mostra un bellissimo esempio delle sue inquietanti monoprint a blueprint esposte. L'esposizione si concentra anche sull'attenzione dovuta ai suoi sforzi al di fuori dello studio, offrendo uno sguardo ad alcuni dei reperti archivistici del suo lavoro caritatevole, esemplificato dalla fondazione no-profit Rauschenberg.

Nella sua vita privata, Robert Rauschenberg era un realista. Anche se aveva la mente di un filosofo, era anche rinomato per la sua passione, cordialità, generosità e senso dell'umorismo. E a volte mostrava tutte queste cose nel suo lavoro. C'erano elementi realistici, appassionati, amichevoli e umoristici in ciascuno degli esperimenti di Rauschenberg, mentre tentava senza vergogna di mostrare alla sua generazione il loro mondo. Ciò che fortunatamente non viene mostrato nella retrospettiva attuale della Tate sono risposte conclusive riguardo al significato dei suoi molti esperimenti. L'elemento astratto più ovvio dell'eredità che Rauschenberg ha creato è che ciascuna delle sue opere d'arte ha un numero potenzialmente infinito di significati, limitato solo dall'immaginazione individuale di ciascun spettatore. Come disse Rauschenberg, “Vorrei fare un dipinto e una situazione che lasci tanto spazio per la persona che lo guarda quanto per l'artista.”

Immagine in evidenza: Robert Rauschenberg - Charlene (dettaglio), 1954, olio, carbone, carta, tessuto, giornale, legno, plastica, specchio e metallo su quattro pannelli di Homasote, montati su legno con luce elettrica. © Robert Rauschenberg Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park