Colore audace e geometria nella pittura di Gillian Ayres

L'acclamata artista astratta britannica Gillian Ayres crea arte professionalmente da quasi 70 anni. Dalla sua laurea alla Camberwell School of Art di Londra nel 1950, non ha mai vacillato dalla sua unica pura passione: la pittura. Anche in mezzo a tendenze globali come l'Arte Concettuale, l'Arte Performativa, l'Arte Ambientale, l'Arte d'Installazione e l'Arte Multimediale, ognuna delle quali ha messo in discussione la rilevanza del suo lavoro, Ayres è rimasta dedicata alla semplice proposta di creare immagini con la pittura. Il suo lavoro è sempre stato astratto, anche se il suo stile si è continuamente evoluto. Quando le viene chiesto il significato della sua opera, o quale sia stato l'impulso per un particolare lavoro che ha creato, lei devia la conversazione lontano dalle parole. “È un'esperienza visiva,” dice, “non una letteraria.”

Una certa inquietudine

Quando parla dei suoi primi giorni alla scuola d'arte, Gillian Ayres adotta un aspetto piuttosto astuto. Ricorda di essere stata completamente scoraggiata dai metodi di insegnamento di molti dei suoi professori. Lei e gli altri studenti erano tenuti a trascorrere intere giornate concentrandosi su cose come disegnare ripetutamente una parte del corpo di un modello o schizzare una scena davanti a un caffè di Londra. Percepiva la ripetizione e la precisione instancabile come qualcosa di banale. Desiderava scoprire l'arte modernista e l'arte astratta, e creare il tipo di arte che la facesse sentire viva, vibrante e libera.

Si descrive in quei giorni come sovversiva. Tuttavia, ha detto: “Non è un'ambizione andare controcorrente. Non penso ci fosse un desiderio di essere sovversivi. Penso che ci si sentisse semplicemente irrequieti.” Quella irrequietezza fu finalmente convalidata all'inizio degli anni '50 quando incontrò per la prima volta il lavoro di Jackson Pollock. Le immagini che vide di lui mentre lavorava a terra, maneggiando la vernice in modo sciolto, attivo e vitale, la ispirarono, e sapeva immediatamente di voler essere libera in quel modo. Fino ad oggi Ayres considera Pollock una grande fonte di ispirazione; non perché abbia copiato la sua tecnica, stile o l'aspetto del suo lavoro, ma piuttosto perché le mostrò un percorso per liberarsi dal caos classico.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Una vera vocazione

Rinfrancata, Ayres trascorse gli anni '50 sviluppando uno stile astratto dinamico e vibrante. Ma sebbene il lavoro le portasse il rispetto di altri pittori e, in piccola misura, del pubblico, il Modernismo e l'astrazione non erano ancora ampiamente accettati in Gran Bretagna. Aveva esposto e venduto un numero limitato di dipinti, ma il successo finanziario le sfuggiva. Così accettò con gioia quando le fu offerta una posizione temporanea di insegnamento presso la Bath Academy of Art, una scuola d'arte nota per essere progressista. Finì per rimanere a Bath per sette anni, poi si trasferì a tenere lezioni alla Saint Martin's School of Art per 12 anni e a dirigere il dipartimento di pittura alla Winchester School of Art per tre anni.

Mentre insegnava, Ayres continuò a evolvere il suo stile. Sperimentò con forme biomorfiche, esplorò una gamma di palette di colori e oscillò tra opere pittoriche, impasto e superfici piatte. E la sua reputazione di ribelle crebbe, mentre continuava a sostenere fermamente la pittura quando quasi tutti i suoi colleghi stavano indirizzando i loro studenti verso altri media, più contemporanei. Ma poi, alla fine degli anni '70, ebbe un momento di chiarezza. Dopo essere quasi morta a causa di un caso di pancreatite acuta, si rese conto che, nonostante il suo successo come educatrice, tutto ciò che desiderava veramente era dipingere. Decise quindi di ridurre la sua carriera accademica e si trasferì nella campagna del Galles per dedicarsi a tempo pieno alla sua arte.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Colore e forma

Rinnovata, Ayres si immerse nel suo amore per la pittura. Si era già avvicinata a uno stile più impasto e testurizzato, e ora il suo lavoro divenne ancora più pittorico, più tattile e più lussureggiante. Usava le sue mani nude per manipolare la vernice, connettendosi direttamente e personalmente con le superfici. I suoi dipinti di questo periodo sembrano terreni di allevamento primordiali per nuove relazioni di colore e forme inimmaginabili. Innumerevoli possibilità esplodono dalle composizioni estatiche, raggiungendo in qualche modo un'armonia nonostante la loro complessità.

Era circa questo periodo che Ayres si rese conto di non avere più alcun interesse per il tono. Non voleva nulla di tonalità smorzate o sfumature di colore. Voleva intensità. E insieme al suo focus su colori vibranti e puri, iniziò anche a gravitare verso un uso più figurativo della forma, indurendo le sue linee e permettendo a campi più ampi di colore di abitare le sue composizioni. Un senso di calma fiducia emerse nei suoi dipinti, forse legato a una vita ora trascorsa in costante contemplazione del lavoro essenziale che sentiva di essere nata per fare.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olio su tela. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Una nuova geometria

Negli anni '90 e all'inizio degli anni 2000, Ayres ha continuato a evolversi ulteriormente verso un senso di forme riconoscibili nelle sue composizioni. Accenni di oggetti naturali appaiono e scompaiono, come una luna o un sole, una linea dell'orizzonte, o un assortimento mondano di forme simili a un banchetto su un tavolo o fiori in un campo. Alcune delle sue composizioni flirtano con forme e schemi geometrici, anche se solo in frammenti. Ma non è tanto la figura realistica che è emersa nelle sue opere più recenti, quanto piuttosto un linguaggio visivo astratto figurativo che si è affermato, simile a quello che si è materializzato quando Matisse, nella fase finale della sua carriera, sviluppò i suoi iconici hard-edge ritagli.

Questo linguaggio visivo si presta particolarmente bene al mezzo della stampa, che ha da sempre interessato Ayres. Negli ultimi anni ha apprezzato realizzare stampe e incisioni su legno durante i mesi invernali nel suo studio. I colori delle sue stampe sono più vibranti e puri che mai, creando relazioni audaci che colpiscono l'occhio con la loro presenza dinamica. Si riferisce al processo di stampa come a qualcosa che si connette con la spinta a riprodurre. Ma nonostante la sua qualità essenzialmente riproduttiva, tende ad aggiungere elementi dipinti a mano a molte delle stampe che realizza, rendendo ogni opera d'arte unica. Questa fusione di processi meccanici e pittura a mano dà origine a una miscela stratificata di texture.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Innovazione Senza Confini

In un'epoca in cui la tecnologia e le pratiche multimediali sembrano essere in prima linea in ogni fiera d'arte e biennale, e quando il lavoro apertamente sociale, culturale e politico attira gran parte dell'attenzione dei media, è un traguardo che Gillian Ayres ha continuato a dimostrare che la pittura astratta è sempre rilevante. Ha resistito alla pressione di innumerevoli tendenze, rimanendo sempre fedele al suo semplice amore per il colore, la forma, la superficie e la pittura. Nella tradizione dei maestri modernisti che l'hanno ispirata, come Picasso, Matisse e Miro, Ayres ha dimostrato il valore della pittura mostrando simultaneamente quanto possa essere semplice e quanto possa essere varia.

Eppure, nonostante il suo amore monomaniacale per il medium, la sua visione estetica e le sue abitudini sono continuamente progredite. Ha lavorato in vari modi con una gamma di diversi medium pittorici, esplorando e abbracciando la specificità di ciascuno. E ampliando la sua pratica per includere processi di stampa, ha allargato i confini della pittura ogni volta che ha potuto. Ha dimostrato di essere complessa, eppure riducendo gli elementi della pittura a colore, forma e spazio ha insegnato a più generazioni di spettatori come semplicemente guardare. “Ci si preoccupa terribilmente, in un modo nervoso,” dice. “Voglio trovare qualcosa, e voglio che i miei dipinti siano edificanti, ma non penso di sapere come finire un quadro, e non so nemmeno come iniziare. Alle persone piace capire, e vorrei che non lo facessero. Vorrei che si limitassero a guardare.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Immagine in evidenza: Gillian Ayres - Sun Up (dettaglio), 1960. Olio su tela. © Gillian Ayres
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park