Colore audace e geometria nella pittura di Gillian Ayres

La rinomata artista astratta britannica Gillian Ayres crea arte professionalmente da quasi 70 anni. Dal suo diploma alla Camberwell School of Art di Londra nel 1950, non ha mai abbandonato la sua unica vera passione: la pittura. Anche in mezzo a tendenze globali come l’Arte Concettuale, l’Arte Performativa, l’Arte della Terra, l’Arte Installativa e l’Arte Multimediale, ognuna delle quali metteva in discussione la rilevanza del suo lavoro, Ayres è rimasta fedele alla semplice proposta di creare immagini con la pittura. La sua opera è sempre stata astratta, anche se il suo stile si è continuamente evoluto. Quando le si chiede il significato della sua opera o quale sia stato lo stimolo per un particolare lavoro che ha creato, sposta la conversazione lontano dalle parole. “È un’esperienza visiva,” dice, “non letteraria.”

Una Certa Irritazione

Parlando dei suoi primi giorni alla scuola d’arte, Gillian Ayres assume un’espressione un po’ furba. Ricorda di essere stata completamente scoraggiata dai metodi di insegnamento di molti dei suoi professori. Lei e gli altri studenti dovevano passare intere giornate concentrandosi su cose come disegnare ripetutamente una parte del corpo di un modello o schizzare una scena davanti a un caffè di Londra. Percepiva la ripetizione e la precisione instancabile come banali. Desiderava scoprire l’arte Modernista e astratta, e creare il tipo di arte che la facesse sentire viva, vibrante e libera.

Si descrive in quegli anni come sovversiva. Tuttavia, ha detto, “Non è un’ambizione andare controcorrente. Non credo ci fosse il desiderio di essere sovversivi. Penso che semplicemente ci si sentisse irritati.” Quell’irritazione fu infine confermata nei primi anni ’50 quando incontrò per la prima volta l’opera di Jackson Pollock. Le immagini che vide di lui mentre lavorava sul pavimento, maneggiando la pittura in modo libero, attivo, vivo, la ispirarono, e capì subito che voleva essere libera così. Ancora oggi Ayres considera Pollock una grande fonte d’ispirazione; non perché abbia copiato la sua tecnica, lo stile o l’aspetto delle sue opere, ma perché le mostrò una via per uscire dal caos classico.

Gillian Ayres - Distillazione, 1957. Olio e vernice domestica su tavola dura. 84 x 60 pollici. © Gillian Ayres

Una Vera Vocazione

Rinfrancata, Ayres trascorse gli anni ’50 sviluppando uno stile astratto dinamico e vibrante. Ma sebbene il lavoro le portasse il rispetto di altri pittori e, in piccola misura, del pubblico, il Modernismo e l’astrazione non erano ancora ampiamente accettati in Gran Bretagna. Aveva esposto e venduto un piccolo numero di dipinti, ma il successo economico le sfuggiva. Così accettò volentieri quando le fu offerta una posizione temporanea di insegnamento alla Bath Academy of Art, una scuola d’arte nota per essere progressista. Finì per restare a Bath per sette anni, poi passò a insegnare alla Saint Martin's School of Art per 12 anni, e a dirigere il dipartimento di pittura alla Winchester School of Art per tre anni.

Mentre insegnava, Ayres continuò a evolvere il suo stile. Sperimentò con forme biomorfiche, esplorò una gamma di palette cromatiche e oscillò tra opere pittoriche, a impasto e superfici piatte. E la sua reputazione di ribelle crebbe, mentre continuava a sostenere con fermezza la pittura quando quasi tutti i suoi colleghi indirizzavano i loro studenti verso altri media più contemporanei. Ma poi, alla fine degli anni ’70, ebbe un momento di chiarezza. Dopo essere quasi morta per una pancreatite acuta, si rese conto che, nonostante il successo come educatrice, tutto ciò che voleva davvero fare era dipingere. Interruppe prontamente la carriera accademica e si trasferì nella campagna del Galles per dedicarsi a tempo pieno alla sua arte.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Olio su tela. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Colore e Forma

Rinata, Ayres si immerse nel suo amore per la pittura. Aveva già teso verso uno stile più a impasto, testurizzato, e ora il suo lavoro divenne ancora più pittorico, più tattile e più rigoglioso. Usava le mani nude per manipolare la pittura, connettendosi direttamente e personalmente con le superfici. I suoi dipinti di questo periodo sembrano terreni primordiali per nuove relazioni cromatiche e forme inimmaginabili. Innumerevoli possibilità esplodono dalle composizioni estatiche, raggiungendo in qualche modo armonia nonostante la loro complessità.

Fu in questo periodo che Ayres capì di non avere più alcun interesse per il tono. Non voleva nulla di toni smorzati o sfumature di colore. Voleva intensità. E insieme al suo focus sul colore vibrante e puro, iniziò anche a tendere verso un uso più figurativo della forma, indurendo le linee e permettendo a campi più ampi di colore di abitare le sue composizioni. Un senso di calma fiducia emerse nei suoi dipinti, forse legato a una vita ora trascorsa in costante contemplazione del lavoro essenziale che sentiva di dover compiere.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olio su tela. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Una Nuova Geometria

Negli anni ’90 e nei primi anni 2000, Ayres continuò a evolversi verso una maggiore presenza di forme riconoscibili nelle sue composizioni. Appaiono e scompaiono accenni a oggetti naturali, come una luna o un sole, una linea d’orizzonte o un assortimento vario di forme simili a un banchetto su un tavolo o fiori in un campo. Alcune delle sue composizioni flirtano con forme e motivi geometrici, anche se solo in frammenti. Ma non è tanto una figurazione realistica quella che emerge nelle sue opere più recenti, quanto piuttosto un linguaggio visivo astratto figurativo che si è affermato, simile a ciò che si manifestò quando Matisse, nella fase finale della sua carriera, sviluppò i suoi iconici ritagli hard-edge.

Questo linguaggio visivo si presta particolarmente bene alla tecnica della stampa, che da tempo interessa Ayres. Negli ultimi anni si è divertita a realizzare stampe e xilografie durante i mesi invernali nel suo studio. I colori nelle sue stampe sono più vibranti e puri che mai, creando relazioni audaci che colpiscono l’occhio con la loro presenza dinamica. Si riferisce al processo di stampa come a qualcosa che si collega all’impulso di riprodurre. Ma nonostante la sua natura essenzialmente riproduttiva, tende ad aggiungere elementi dipinti a mano a molte delle stampe che realizza, rendendo ogni opera unica. Questa fusione di processi meccanici e pittura a mano dà luogo a una miscela stratificata di texture.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Acquaforte e acquatinta con carborundum (carburo di silicio) e pittura a mano su carta. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Innovazione Senza Confini

In un’epoca in cui la tecnologia e le pratiche multimediali sembrano essere al centro di ogni fiera d’arte e biennale, e quando opere apertamente sociali, culturali e politiche attirano gran parte dell’attenzione dei media, è un risultato che Gillian Ayres abbia continuato a dimostrare che la pittura astratta è sempre attuale. Ha resistito alla pressione di innumerevoli mode, rimanendo sempre fedele al suo semplice amore per il colore, la forma, la superficie e la pittura. Nella tradizione dei maestri modernisti che l’hanno ispirata, come Picasso, Matisse e Miró, Ayres ha dimostrato il valore della pittura mostrando contemporaneamente quanto essa possa essere semplice e varia.

Eppure, nonostante il suo amore esclusivo per il mezzo, la sua visione estetica e le sue abitudini sono continuamente progredite. Ha lavorato con vari mezzi pittorici, esplorando e abbracciando la specificità di ciascuno. E ampliando la sua pratica includendo processi di stampa, ha spinto i confini della pittura ogni volta che ha potuto. Si è dimostrata complessa, eppure riducendo gli elementi della pittura a colore, forma e spazio ha insegnato a molte generazioni di osservatori come guardare semplicemente. “Ci si preoccupa terribilmente, in modo nervoso,” dice. “Voglio trovare qualcosa, e voglio che i miei dipinti siano edificanti, ma non credo di sapere come finire un quadro, e non so nemmeno come iniziare. La gente vuole capire, e vorrei che non lo facesse. Vorrei che si limitasse a guardare.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Acquaforte e acquatinta con carborundum (carburo di silicio) e pittura a mano su carta. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Immagine in evidenza: Gillian Ayres - Sun Up (dettaglio), 1960. Olio su tela. © Gillian Ayres
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio