Pittura a Impasto nell'Arte Astratta

Forse l’edificio più simbolico d’America è l’One World Trade Center a Lower Manhattan. Come fulcro dello sviluppo che ha sostituito le torri gemelle distrutte nel 2001, la sua stessa esistenza è una potente dichiarazione. A rafforzare il suo simbolismo contribuiscono due enormi dipinti impasto astratti installati permanentemente nella hall del suo ingresso sud. L’edificio è soprannominato Freedom Tower, ed è l’edificio più alto dell’emisfero occidentale. Si eleva per 1776 piedi: un riferimento voluto all’anno in cui l’America dichiarò la sua indipendenza. I suddetti dipinti impasto che adornano le pareti della hall sud sono dell’artista americano Donald Martiny. Uno dei dipinti si chiama Lenape, e l’altro si chiama Unami. I titoli fanno riferimento alla storia precolombiana di New York. I Lenape sono la tribù nativa che originariamente abitava il terreno su cui è stata costruita la Freedom Tower. Unami è un dialetto Lenape. In cima alla Freedom Tower c’è una terrazza panoramica chiamata One World Observatory. Per quanto l’occhio può vedere dall’osservatorio, l’intero ambiente circostante un tempo sosteneva la cultura Lenape. Cosa comunica questo edificio? È stato progettato per commemorare uno dei peggiori attacchi terroristici della storia umana. Propone le idee di un mondo unico, libertà, indipendenza e commercio. Incoraggia i visitatori a guardare lontano. E le sue opere d’arte più importanti portano il nome di coloro che furono sottomessi per costruire la nazione responsabile della sua creazione. Quale conversazione si sta svolgendo qui? Qual è il significato di tutto questo simbolismo? Forse c’è qualcosa da imparare dalle opere stesse, e dalle qualità astratte che il dipinto impasto rappresenta.

Ombra e Luce

Il termine impasto deriva dalla parola italiana per impasto (pasta). Nella pittura, si riferisce alla tecnica di applicare spesse strati di medium su una superficie per fornire una dimensione tattile a un’opera d’arte. Il pittore italiano del XVI secolo Tiziano fu uno dei primi artisti noti ad aver incorporato intenzionalmente tecniche impasto nelle sue opere. Iniziò a usare questa tecnica in un’epoca in cui i dipinti erano apprezzati per le loro superfici lisce e l’assenza di pennellate visibili. Maestro della pittura realistica, Tiziano capì che accumulando colore in certe aree di una superficie poteva creare variazioni nel modo in cui la luce vi si rifletteva, conferendo agli elementi del dipinto un aspetto vivo.

Ogni pennellata di un dipinto impasto provoca gradazioni di colore che emergono dalle ombre create quando la luce colpisce la vernice in rilievo. A seconda della posizione delle luci e del punto di vista dello spettatore, un dipinto impasto può mutare in modi sottili, aggiungendo variazioni di profondità e un senso accentuato di realismo. Nel suo secolo, Tiziano sfidava la tradizione permettendo che le sue pennellate fossero visibili e che le proprietà materiali del suo medium emergessero. Ma era così abile nella tecnica che la sua influenza la fece rapidamente diffondere. Nel XVII secolo, Rembrandt incorporava famosamente la pittura impasto nelle sue opere. E nel XIX secolo la tecnica era così apprezzata che Van Gogh la rese il suo stile distintivo.

Van Gogh - Notte stellata, 1889. Olio su tela. 29 x 36 1/4 pollici. Collezione MoMA. © Van Gogh (Sinistra) e dettaglio (Destra)

Espressioni Astratte

Intorno al cambio del XX secolo, un gruppo di pittori chiamati Espressionisti cercava modi per esprimere stati emotivi interiori nelle loro opere piuttosto che semplicemente catturare la realtà esterna. Adottarono la pittura impasto come una delle loro tecniche preferite. La vernice applicata in strati spessi possiede molte qualità intrinseche, come peso, profondità e gravità. Più è spessa, più ombra crea. Astrae le immagini, distorcendo il modo in cui gli spettatori interagiscono con il soggetto. Gli Espressionisti la trovarono ideale per comunicare serietà, intensità e drammaticità.

Allo stesso tempo in cui l’Espressionismo guadagnava importanza, l’astrazione stava diventando un interesse crescente per molti artisti. La pittura impasto si rivelò una tecnica ideale per i pittori astratti poiché aiutava a spostare l’attenzione di un dipinto dal soggetto alle qualità formali dell’opera. Un dipinto impasto astratto quindi non deve rappresentare nulla se non la vernice stessa. Hans Hofmann fu un artista astratto particolarmente influente che abbracciò pienamente la pittura impasto. Hofmann credeva che concentrandosi sugli elementi formali dell’estetica piuttosto che imitare la realtà, gli artisti potessero esprimere verità più profonde. Usò la pittura impasto per esprimere le qualità astratte di struttura, spazio, colore, forma e illusione.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Olio su lino. 40 x 50 pollici (101,6 x 127 cm). Collezione privata. Cortesia Tom Powel Imaging (Sinistra) e dettaglio del dipinto (Destra)

Dimensioni Scultoree

Oltre a essere pittore, Hofmann fu anche insegnante. Molti degli studenti che insegnò, come Helen Frankenthaler e Lee Krasner, moglie di Jackson Pollock, divennero figure di spicco nel movimento Espressionista Astratto. Hofmann influenzò profondamente il modo in cui questi pittori si relazionavano ai loro medium. Poiché l’obiettivo di molti pittori Espressionisti Astratti era trasmettere i loro sentimenti inconsci e catturare sulla tela l’emozione e l’intensità dell’atto pittorico, Hofmann insegnò loro che le qualità materiali del medium dovevano essere un elemento chiave del loro lavoro.

Disse loro che, “ogni mezzo di espressione ha il proprio ordine dell’essere.” Nelle mani di pittori come Jackson Pollock e Jane Frank, la pittura impasto assunse una dimensione completamente nuova, letteralmente. Jane Frank costruiva strati scultorei di medium sulle sue superfici impasto. Jackson Pollock schizzava, gocciolava e versava vernice in quantità tali che il peso stesso dei suoi strati impasto minacciava di distruggere i supporti delle sue opere. Gli Espressionisti Astratti inoltre ampliarono il concetto di pittura impasto includendo materiali diversi dalla vernice, come medium insoliti e detriti quali vetri rotti, pietre, mozziconi di sigaretta. Aggiungendo materiali e medium insoliti ai loro strati impasto, questi pittori espressero profondità concettuale oltre che fisica.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Olio e stucco su tela. 70 x 50 pollici. © Jane Frank

Tutto sulla Vernice

In risposta all’intensità emotiva dell’Espressionismo Astratto, la pittura impasto cadde in disgrazia presso molti artisti negli anni ’60 e ’70, specialmente quelli associati al Minimalismo. Questi artisti cercavano di creare superfici lisce che eliminassero ogni traccia dell’artista individuale che aveva realizzato l’opera. Per ottenere superfici ultra lisce ricorrevano a tecniche come la tintura e la spruzzatura, e usavano processi meccanizzati e industriali. Ma negli anni ’80 l’amore per l’impasto tornò.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Olio su lino. 28,25 x 28,25 pollici (71,76 x 71,76 cm). Cortesia George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Una ragione per cui la tecnica tornò in auge fu una reazione contro la percepita mancanza di anima del Minimalismo. Un’altra ragione fu un interesse crescente per le qualità formali dei materiali artistici. Una delle espressioni di maggior successo dell’estetica minimalista fu la pittura monocroma. I monocromi esprimono colore puro e piattezza. Negli anni ’80, pittori come James Hayward e Alan Ebnother iniziarono a reimmaginare il monocromo attraverso la pittura impasto. I loro monocromi impasto abbracciavano l’espressione del colore ma aggiungevano una dimensione di fisicità e specificità del medium. Eliminando l’anonimato industriale dei monocromi minimalisti e reintroducendo il segno dell’artista, riassegnarono priorità all’emozione e alla personalità, e riportarono l’attenzione sulle qualità essenziali della vernice.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Olio su tela su tavola. 30 x 28 pollici. © James Hayward (Sinistra) e Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Olio su tela su pannello di legno. © James Hayward (Destra)

Oltre l’Impasto

Guardando indietro alla storia della pittura impasto è chiaro che la tecnica porta con sé una serie di associazioni astratte. Nei suoi primi giorni, compì il passo senza precedenti di non nascondere il fatto che un’opera d’arte fosse fatta di vernice. In questo senso, infranse l’illusione. Successivamente servì a mettere in risalto le sottili e spesso mutevoli differenze tra oscurità e luce. Nell’era modernista, la pittura impasto divenne un modo per esprimere la profonda emozione e le sensibilità primordiali della mente subconscia. E nel suo uso contemporaneo è diventata un’espressione della potenza e semplicità del gesto artistico stesso. Allora cosa possiamo dedurre dalla conversazione che si svolge tra l’One World Trade Center e i dipinti impasto astratti di Donald Martiny che occupano la sua hall?

Sebbene questi dipinti appaiano come enormi pennellate impasto, in realtà sono stati realizzati meticolosamente in un processo laborioso, durante il quale Martiny versa, gocciola e spalma strato dopo strato di medium, talvolta usando le mani nude. Esprimono duro lavoro, adattamento, pazienza, visione e la forza insita nella costruzione attenta di strati nel tempo. Oltre a ciò, come tutti i dipinti impasto, Lenape e Unami simboleggiano anche la rottura delle illusioni, la natura evolutiva di oscurità e luce, la gamma di profondità emotiva e fisica, e le realtà primordiali della mente subconscia umana. Considerati da questa prospettiva diventano più che oggetti estetici, e più che gesti simbolici. Diventano i perfetti rappresentanti astratti del loro medium, del loro ambiente, dei loro omonimi, della loro storia e del loro tempo.

Immagine in evidenza: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio