Arte dell'Illusione Ottica che ha Contrassegnato il XX Secolo

La realtà non è sempre fissa; o almeno così può sembrare alla mente umana. Ciò in cui crediamo si basa in una certa misura su ciò che percepiamo, ma ciò che percepiamo è talvolta determinato anche da ciò in cui crediamo. Arte dell’illusione ottica, o più brevemente Op Art, è uno stile estetico che sfrutta intenzionalmente quella stranezza della percezione umana che dà all’occhio la capacità di ingannare il cervello. Manipolando motivi, forme, colori, materiali e configurazioni, gli artisti Op cercano di creare fenomeni che ingannano l’occhio, confondendo gli spettatori nel vedere più di quanto sia realmente presente. E poiché la credenza può essere influente quanto il fatto, l’Op Art pone la domanda su cosa conti di più: la percezione o la verità.

Breve storia dell’arte dell’illusione ottica

L’Op Art ha le sue radici in una tecnica chiamata trompe-l'œil, che in francese significa ingannare l’occhio. I primi riferimenti a tali tendenze nell’arte risalgono all’antichità, quando gli artisti greci cercavano di realizzare dipinti così realistici da ingannare letteralmente le persone facendole credere che le immagini fossero reali. La tecnica è poi passata più volte di moda nei secoli, raggiungendo il suo apice nel XIX secolo con dipinti trompe-l'œil come Escaping Criticism, realizzato nel 1874 da Pere Borrell del Caso, che mostra un’immagine iperrealistica di un bambino che esce da una cornice.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Olio su tela. Collezione Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Ma sebbene anch’essa intesa a ingannare l’occhio, l’Op Art non è la stessa cosa dell’arte iperrealista. Infatti, l’Op Art come la conosciamo oggi è più spesso astratta, basandosi su composizioni geometriche per convincere l’occhio che esistano forme e piani spaziali irreali. La prima tecnica astratta progettata per ingannare l’occhio si chiamava puntinismo. Invece di mescolare i colori in anticipo, i pittori puntinisti posizionavano colori non mescolati uno accanto all’altro sulla tela, creando l’illusione di campi solidi di colore. Quando questi dipinti sono osservati da lontano sembra che i colori siano mescolati. Georges Seurat inventò il puntinismo e perfezionò l’effetto con dipinti come Faro a Honfleur.

Georges Seurat - Faro a Honfleur, 1886. Olio su tela. Dimensioni complessive: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), con cornice: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collezione di Mr. e Mrs. Paul Mellon

Illusioni astratte

Il concetto alla base del puntinismo ha infine dato origine a molte altre tecniche mentre gli artisti cercavano modi per ingannare la mente nel completare un’immagine. Ha ispirato il divisionismo dei futuristi italiani e i piani quadridimensionali del cubismo. Ma la sua applicazione più riuscita è arrivata quando è stata combinata con l’estetica dell’astrazione geometrica, come nell’incisione geometrica astratta Costellazione strutturale, realizzata nel 1913 da Josef Albers.

Secondo le sue stesse dichiarazioni, Albers non cercava di creare un’illusione ottica con quest’opera. Era impegnato in semplici esperimenti compositivi riguardanti la percezione di linee e forme su una superficie bidimensionale. Tuttavia, scoprì che la disposizione di linee, forme e colori su una superficie può effettivamente alterare il modo in cui la mente percepisce ciò che è reale. E sebbene non abbia intenzionalmente cercato di ingannare gli spettatori con le sue opere, ha comunque dedicato tutta la vita a studiare questi effetti.

Josef Albers - Costellazione strutturale, 1913. Linee bianche incise su sfondo nero su legno. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebre e scacchiere

Victor Vasarely, un contemporaneo di Albers, si impegnò invece consapevolmente a trovare modi per ingannare gli spettatori con la sua arte. Vasarely era tanto uno scienziato quanto un pittore, ed era particolarmente interessato a come queste due attività si unissero per influenzare la percezione. Già negli anni ’20, l’artista aveva scoperto che manipolando solo le linee poteva distorcere completamente una superficie bidimensionale in modo da ingannare la mente facendola percepire come uno spazio tridimensionale.

Un soggetto a cui Vasarely tornava spesso nelle sue opere era la zebra. Le strisce di questo animale servono effettivamente a ingannare i predatori naturali che non riescono a capire in quale direzione l’animale stia correndo a causa dell’interazione delle sue strisce bianche e nere con l’ambiente circostante. Svelati i segreti di questo fenomeno, li applicò a composizioni geometriche più complesse e negli anni ’60 creò uno stile distintivo che ispirò ciò che oggi è considerato il movimento Modernista dell’Op Art.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Bianco e nero

Una delle più famose artiste dell’illusione ottica del XX secolo fu la britannica Bridget Riley, che fu direttamente ispirata dal lavoro di Victor Vasarely. Riley studiò al Royal College of Art nei primi anni ’50. I suoi primi lavori erano figurativi, ma dopo aver lavorato come illustratrice in un’agenzia pubblicitaria si interessò maggiormente a creare illusioni visive. Iniziò a studiare il puntinismo, poi il divisionismo e infine sviluppò il suo stile distintivo di Op Art, basato principalmente sull’astrazione geometrica in bianco e nero.

Riley ebbe tanto successo nel creare illusioni ottiche nelle sue opere che gli spettatori a volte riferivano di provare sensazioni di mal di mare o di nausea da movimento guardando i suoi dipinti. Questo fenomeno affascinò Riley, che si convinse che il confine tra percezione e realtà è davvero molto fragile, e che una credenza causata da un’illusione può effettivamente manifestare conseguenze reali nel mondo fisico. Riley disse: “C’è stato un tempo in cui i significati erano chiari e la realtà poteva essere fissata; quando quel tipo di credenza scomparve, le cose divennero incerte e aperte all’interpretazione.”

Bridget Riley davanti a uno dei suoi grandi dipinti ipnotici di Op Art, © Bridget Riley

L’occhio reattivo

L’apice del movimento Modernista dell’Op Art arrivò con una mostra chiamata L’occhio reattivo che girò per gli Stati Uniti nel 1965. Questa mostra presentava più di 120 opere di decine di artisti che rappresentavano una vasta gamma di posizioni estetiche. La mostra includeva le opere altamente illusionistiche di Victor Vasarely e Bridget Riley, così come astrazioni geometriche più sobrie di artisti come Frank Stella e Alexander Liberman e sculture cinetiche di artisti come Wen-Ying Tsai e Carlos Cruz-Diez.

Faceva parte del gruppo L’occhio reattivo anche lo scultore Jesús Rafael Soto, che probabilmente portò l’Op Art più lontano nel regno della percezione tridimensionale con una serie di opere chiamata Penetrabili. Queste creazioni interattive sono composte da centinaia di tubi di plastica parzialmente dipinti e sospesi che gli spettatori possono attraversare. Quando non disturbati presentano una forte illusione di una forma concreta sospesa nello spazio. Ma quando gli spettatori interagiscono fisicamente con le sculture, l’illusione si dissolve, dando la percezione che una realtà concreta possa, in effetti, essere deformata e alterata dal tocco umano.

Jesús Rafael Soto - Penetrabile. © Jesús Rafael Soto

L’eredità dell’Op Art

La benedizione e la maledizione dell’Op Art è la sua popolarità. Quando il movimento era al suo apice negli anni ’60, molti critici lo disprezzavano perché le sue immagini venivano avidamente usate per oggetti di cattivo gusto come magliette, tazze da caffè e manifesti. Ma per artisti come Victor Vasarely e Jesús Rafael Soto, questo era proprio il punto.

Questi creativi credevano che il valore di un’opera d’arte sia determinato dal grado in cui uno spettatore può partecipare al suo completamento. Realizzarono fenomeni estetici che si adattano a ogni nuovo spettatore, creando possibilità interpretative illimitate. Il fatto che la loro arte fosse consumata su scala di massa era perfettamente in linea con il loro concetto, che non dovrebbero esserci barriere tra le persone e l’arte, e che qualunque barriera sembri esistere esiste solo nella nostra percezione.

Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrilico su tela. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio