Arte dell'Illusione Ottica che ha Contrassegnato il XX Secolo

La realtà non è sempre fissa; o almeno può sembrare così alla mente umana. Ciò che crediamo si basa in qualche misura su ciò che percepiamo, ma ciò che percepiamo è anche a volte determinato da ciò che crediamo. L'arte dell'illusione ottica, o Op Art per abbreviare, è uno stile estetico che sfrutta intenzionalmente quell'anomalia della percezione umana che dà all'occhio umano la capacità di ingannare il cervello umano. Manipolando schemi, forme, colori, materiali e forme, gli artisti Op si sforzano di creare fenomeni che ingannano l'occhio, confondendo gli spettatori facendoli vedere più di quanto ci sia realmente. E poiché la credenza può essere influente quanto il fatto, l'Op Art pone la domanda su cosa conti di più: percezione o verità.

Una Breve Storia dell'Arte delle Illusioni Ottiche

L'Op Art ha le sue radici in una tecnica chiamata trompe-l'œil, che in francese significa ingannare l'occhio. I primi riferimenti a tali tendenze nell'arte risalgono all'antichità, quando gli artisti greci antichi cercavano di realizzare dipinti così realistici che le persone venivano letteralmente ingannate nel credere che le loro immagini fossero reali. La tecnica è successivamente andata e venuta di moda numerose volte nel corso dei secoli, raggiungendo il suo apice nel XIX secolo con dipinti trompe-l'œil come Escaping Criticism, dipinto nel 1874 da Pere Borrell del Caso, che mostra un'immagine iper-realistica di un bambino che esce da una cornice.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Ma sebbene sia anche destinato a ingannare l'occhio, l'Op Art non è la stessa cosa dell'arte iperrealista. In effetti, l'Op Art come la conosciamo oggi è più spesso astratta, basandosi su composizioni geometriche per convincere l'occhio che esistono forme irreali e piani spaziali. La prima tecnica astratta progettata per ingannare l'occhio si chiamava Puntinismo. Invece di mescolare i colori in anticipo, i pittori puntinisti posizionavano colori non mescolati l'uno accanto all'altro su una tela, creando l'illusione di campi solidi di colori. Quando questi dipinti vengono osservati da lontano, sembra che i colori siano mescolati. Georges Seurat inventò il Puntinismo e padroneggiò l'effetto con dipinti come Faro a Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Illusioni astratte

Il concetto alla base del Puntinismo ha dato origine a molte altre tecniche mentre gli artisti cercavano modi per ingannare la mente nel completare un'immagine. Ha ispirato il Divisionismo dei Futuristi italiani e i piani quadridimensionali del Cubismo. Ma la sua applicazione più riuscita è avvenuta quando è stato combinato con l'estetica dell'astrazione geometrica, come nell'incisione geometrica astratta Costellazione Strutturale, dipinta nel 1913 da Josef Albers.

Secondo le sue stesse dichiarazioni, Albers non stava cercando di creare un'illusione ottica con quest'opera. Era impegnato in semplici esperimenti compositivi riguardanti la percezione delle linee e delle forme su una superficie bidimensionale. Tuttavia, scoprì che l'arrangiamento di linee, forme e colori su una superficie può effettivamente alterare il modo in cui la mente percepisce ciò che è reale. E sebbene non cercasse intenzionalmente di ingannare gli spettatori con le sue opere, trascorse comunque una vita a indagare questi effetti.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebre e Scacchiere

Victor Vasarely, un contemporaneo di Albers, si impegnò, tuttavia, in uno sforzo consapevole per trovare modi per ingannare gli spettatori con la sua arte. Vasarely era tanto scienziato quanto pittore, ed era particolarmente interessato ai modi in cui queste due attività si univano per influenzare la percezione. Già negli anni '20, l'artista aveva appreso che attraverso la manipolazione della linea da sola poteva distorcere completamente una superficie bidimensionale in un modo che ingannava la mente facendola percepire come uno spazio tridimensionale.

Un soggetto a cui Vasarely si è ripetutamente dedicato nel suo lavoro è stato la zebra. Le strisce di questo animale servono in realtà a ingannare i predatori naturali che non riescono a capire in quale direzione sta correndo l'animale a causa dell'interazione delle sue strisce bianche e nere con l'ambiente circostante. Mentre svelava i segreti di questo fenomeno, li applicava a composizioni geometriche più complesse e, negli anni '60, creò uno stile distintivo che ispirò quello che oggi è considerato il movimento Modernista dell'Op Art. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Bianco e nero

Uno degli artisti di Illusioni Ottiche più famosi del XX secolo è stata l'artista britannica Bridget Riley, che è stata direttamente ispirata dal lavoro di Victor Vasarely. Riley ha studiato al Royal College of Art all'inizio degli anni '50. I suoi primi lavori erano figurativi, ma dopo aver accettato un lavoro come illustratrice in un'agenzia pubblicitaria, è diventata più interessata a creare illusioni visive. Ha iniziato a indagare il Puntinismo e poi il Divisionismo e infine ha sviluppato il suo stile distintivo di Op Art, basato principalmente su astrazioni geometriche in bianco e nero.

Riley ebbe così tanto successo nel creare illusioni ottiche nel suo lavoro che a volte gli spettatori riportavano di provare sensazioni di mal di mare o di cinetosi guardando i suoi dipinti. Questo fenomeno affascinava Riley, che divenne convinta che il confine tra percezione e realtà sia in effetti piuttosto fragile, e che una credenza causata da un'illusione potrebbe effettivamente manifestare conseguenze reali nel mondo fisico. Disse Riley, “C'era un tempo in cui i significati erano focalizzati e la realtà poteva essere fissata; quando quel tipo di credenza scomparve, le cose divennero incerte e aperte all'interpretazione.”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

L'occhio reattivo

L'apice del movimento Modernista Op Art si è avuto con un'esposizione chiamata The Responsive Eye che ha girato gli Stati Uniti nel 1965. Questa esposizione ha presentato oltre 120 opere d'arte di decine di artisti che rappresentano una vasta gamma di posizioni estetiche. Lo spettacolo includeva le opere altamente illusionistiche di Victor Vasarely e Bridget Riley, così come astrazioni geometriche più sobrie di artisti come Frank Stella e Alexander Liberman e sculture cinetiche di artisti come Wen-Ying Tsai e Carlos Cruz-Diez.

Incluso nel gruppo The Responsive Eye c'era lo scultore Jesús Rafael Soto, che ha portato l'Op Art il più lontano possibile nel regno della percezione tridimensionale con un corpo di opere chiamato Penetrables. Queste creazioni interattive consistono in centinaia di tubi di plastica parzialmente dipinti e pendenti attraverso i quali gli spettatori possono camminare. Quando non vengono disturbati, presentano un'illusione sorprendente che una forma concreta stia fluttuando nello spazio. Ma quando gli spettatori interagiscono fisicamente con le sculture, l'illusione si dissolve, dando la percezione che una realtà concreta possa, in effetti, essere deformata e alterata dal tocco umano.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

L'eredità dell'Op Art

La benedizione e la maledizione dell'Op Art è la sua popolarità. Quando il movimento era al suo apice negli anni '60, molti critici lo disprezzavano perché le sue immagini venivano appropriatamente utilizzate dai produttori di oggetti kitsch come t-shirt, tazze da caffè e manifesti. Ma per artisti come Victor Vasarely e Jesús Rafael Soto, questo era esattamente il punto.

Questi creativi credevano che il valore di un'opera d'arte sia determinato dal grado in cui uno spettatore può partecipare al suo completamento. Hanno creato fenomeni estetici che si adattano a ogni nuovo spettatore, creando possibilità interpretative illimitate. Il fatto che la loro arte fosse consumata a livello di massa era perfettamente in linea con il loro concetto, secondo cui non dovrebbero esserci barriere tra le persone e l'arte, e che qualsiasi barriera sembri esistere esiste solo nella nostra percezione.

Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrilico su tela. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park