Sviluppare l'Aastrazione Ottica o Come Victor Vasarely Trovò il Suo Stile

Si presume talvolta che quando parliamo di “arti e scienze” ci riferiamo a cose nettamente diverse. La scienza riguarda lo studio delle cose, dopotutto, mentre l’arte riguarda la creazione di cose. Ma non è forse vero che anche gli scienziati creano e gli artisti studiano? E l’immaginazione non è forse parte integrante di entrambi? Victor Vasarely fu sia scienziato che artista. Padre di un movimento artistico astratto modernista noto come Op-Art, abitava con disinvoltura entrambi i mondi. Inizialmente formato in medicina, Vasarely si avvicinò all’arte da una prospettiva sistematica. Analizzò le qualità formali di ciò che costituiva un oggetto estetico. Studiò la natura alla ricerca dei mattoni fondamentali dell’universo visivo. E analizzò il modo in cui gli spettatori percepivano l’universo visivo per capire come l’arte potesse aiutare a rivelare verità fondamentali. Dagli anni Venti, quando condusse i suoi primi esperimenti estetici, fino agli anni Sessanta, quando rivelò la sua creazione definitiva, l’“Alphabet Plastique”, e fino alla fine della sua vita a 90 anni, Vasarely affrontò la sua arte da un punto di vista che includeva contemporaneamente creatività e analisi. Nel corso del tempo modificò il modo in cui gli esseri umani vedono lo spazio bidimensionale e creò un corpus di opere che, anche decenni dopo la sua morte, continua a ispirare artisti, amanti dell’arte, progettisti e scienziati allo stesso modo.

Victor Vasarely lo Scienziato

Nel 1906, quando nacque Victor Vasarely, artisti e scienziati godevano di pari rispetto. A Budapest, dove Vasarely frequentò l’università, non era insolito che membri di entrambi i campi interagissero tra loro, specialmente nei vivaci caffè lungo le rive del Danubio, centri della scena intellettuale europea. Quando Vasarely entrò all’università, lo fece per studiare medicina presso la Scuola di Medicina dell’Università di Budapest. Ma dopo due anni cambiò improvvisamente direzione e decise di dedicarsi allo studio dell’arte.

Sebbene il suo campo di studio cambiò, il suo approccio all’apprendimento non mutò. Nel 1927, a 21 anni, Vasarely si iscrisse a una scuola d’arte privata dove ricevette una formazione formale come pittore. Eccelse come studente d’arte e, mentre affinava le sue capacità estetiche, continuò a leggere libri dei principali scienziati dell’epoca. Uno dei suoi autori preferiti in quel periodo fu Niels Bohr, che nel 1922 ricevette il Premio Nobel per il suo studio della struttura atomica. Nella fisica quantistica, il modello di Bohr rappresenta la struttura di un atomo come simile a quella del sistema solare. Visivamente, assomiglia a un cerchio circondato da cerchi più grandi, un motivo che Vasarely avrebbe esplorato ripetutamente nella sua arte.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Serigrafia. 97,8 × 72,4 cm. Edizione di 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Costruire il suo Caso

Attraverso il suo doppio studio di arte e scienza, Vasarely iniziò a formulare una teoria secondo cui i due modi di pensare si intersecavano in modo tale che, percepiti insieme, potessero, come disse lui, “formare un costrutto immaginario che sia in accordo con la nostra sensibilità e la conoscenza contemporanea.” Nel 1929 si iscrisse all’Accademia Muhely di Budapest, che all’epoca era l’equivalente ungherese del Bauhaus. I suoi studi lì si concentrarono sul concetto di arte totale basata sulla geometria. Sperimentò con l’astrazione geometrica e iniziò a comprendere come le illusioni ottiche potessero essere create attraverso la disposizione di forme geometriche e colori su una superficie bidimensionale. Un confronto tra uno dei suoi dipinti dell’Accademia Muhely intitolato Etudes Bauhaus C e un dipinto del 1975 intitolato Vonal-Stri dimostra il focus costante e unico di Vasarely sulle possibilità della geometria per esprimere l’intersezione tra scienza e arte.

Dopo aver lasciato l’Accademia Muhely, Vasarely si trasferì a Parigi, si sposò e ebbe due figli. Manteneva la famiglia come grafico, dedicandosi all’arte di notte. Mentre il suo lavoro diurno richiedeva uno stile pulito e preciso, la sua pratica artistica era aperta all’immaginazione. Sviluppò uno stile personale immerso in entrambi. Si manifestò nelle sue serie di dipinti “Zebra” e “Harlequin”, a cui tornò per tutta la vita, e in dipinti come “La scacchiera.”

Victor Vasarely - Scacchiera, 1975. Serigrafia. 80 × 76,2 cm. Edizione di 300. RoGallery. © Victor Vasarely

La Strada Sbagliata

Dopo 14 anni di doppia carriera a Parigi, Vasarely ebbe finalmente la sua prima grande mostra. Fu accolta così bene che si convinse di poter dedicarsi a tempo pieno all’arte. Fu in quel periodo che prese una deviazione dallo stile visivo che aveva creato. In vacanza su un’isola in Bretagna, notò come le onde influenzassero il paesaggio, specialmente come modificassero la linea costiera e modellassero le pietre. Questa osservazione lo portò verso una sorta di astrazione geometrica biomorfa mentre cercava di connettersi con una manifestazione visiva della geometria naturale del mondo organico.

Sebbene Vasarely in seguito definì questo periodo della sua vita “la strada sbagliata,” esso portò a un’importante evoluzione nel suo lavoro. Aggiungeva elementi più arrotondati ai suoi dipinti. Quando tornò al suo precedente stile geometrico, lo fece includendo forme arrotondate dinamiche che sembravano sporgere dal dipinto o collassare verso l’interno dalla superficie. Il modo in cui queste forme ingannavano l’occhio dava l’impressione che l’immagine si muovesse. Questa illusione cinetica, unita alla tridimensionalità delle immagini sulle tele di Vasarely, divenne la base per l’estetica iconica che ora chiamiamo Op-Art.

Victor Vasarely - Senza titolo #8 (sfera rosa e turchese). Serigrafia. 33 × 25,4 cm. Edizione di 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Il Manifesto Giallo

Nel 1955, Vasarely espose alcune sue opere in una mostra di arte cinetica chiamata “Le Movement” a Parigi. Per accompagnare il suo lavoro pubblicò un saggio intitolato Note per un Manifesto. Stampato su carta gialla, il saggio è da allora noto come Il Manifesto Giallo. In esso Vasarely dichiarò: “Siamo all’alba di una grande epoca.” Sostenne che etichette come pittura e scultura erano superate poiché artisti come Arp, Kandinsky, Mondrian e Calder avevano distrutto le separazioni artificiali tra le arti plastiche. Dichiarò che poiché tutti i fenomeni estetici sono manifestazioni dello stesso impulso, era tempo di considerare tutti i risultati artistici come parte di “una singola sensibilità plastica in spazi diversi.”

Il contributo di Vasarely a questa “grande epoca” è chiaro osservando i dipinti che realizzò in quel periodo della sua vita. La sua opera ridefinì completamente l’esperienza dello spettatore di un’opera d’arte bidimensionale. Creò la percezione che lo spazio esistesse dove in realtà non c’era. L’esperienza dello spettatore si trasformò in un’esistenza interamente nella mente di chi guarda. Le forme che abitano una tela di Vasarely sono formali e scientifiche, eppure, interpretate dall’occhio, assumono qualità che sembrano sfidare i fatti scientifici della realtà spaziale.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Serigrafia su carta Arches. 78,4 × 96,2 cm. Edizione di 250. © Victor Vasarely

L’Alfabeto Plastico

Al culmine della sua popolarità negli anni Sessanta, Vasarely creò ciò che rappresentò il culmine della sua opera di vita. Descrisse ciò che chiamò l’Alfabeto Plastico, un linguaggio visivo simbolico basato su forme geometriche e colori. L’alfabeto comprendeva 15 forme, tutte basate su variazioni del cerchio, del triangolo e del quadrato, e ciascuna forma esisteva in una gamma di 20 diverse tonalità. Ogni forma era rappresentata all’interno di una cornice quadrata, e la forma e la cornice circostante erano presentate in tonalità diverse. L’Alfabeto Plastico poteva essere disposto in un assortimento apparentemente infinito di combinazioni e utilizzato per creare una gamma evidentemente senza fine di immagini.

Il concetto che Vasarely implicò esplicitamente con il suo Alfabeto Plastico era che, attraverso la sua applicazione, l’atto creativo potesse essere condotto tramite un processo puramente scientifico. Da un lato era disumanizzante, poiché rappresentava una forma di programmazione, come una proto-intelligenza artificiale che poteva prendere il controllo del processo di creazione artistica. Dall’altro lato era umanizzante, poiché democratizzava e smitizzava il processo creativo, permettendo a chiunque di impegnarsi in un’attività estetica creativa.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Serigrafia. 55,9 × 59,7 cm. Edizione di 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Arte per Tutti

È giusto che il contributo per cui Vasarely è più ricordato sia una forma di rottura. Non solo la sua opera visiva distorse la superficie dell’arte bidimensionale, ma anche le sue idee e il suo Alfabeto Plastico distorsero la superficie della cultura. Amici, colleghi e seguaci di Vasarely ricordano con entusiasmo che uno dei suoi motti era “arte per tutti.” Era entusiasta di vedere la sua arte su abbigliamento, cartoline, prodotti commerciali e pubblicità. Prevedeva che in futuro l’unico modo per mantenere l’arte rilevante fosse che ogni essere umano potesse partecipare al suo godimento.

Non solo possiamo vedere echi dell’arte di Vasarely nei prodotti dell’arte e del disegno contemporanei, ma vediamo anche echi della sua filosofia nella comunità digitale e nella cultura globale a cui essa ha contribuito. Creando uno stile di arte raffinata che potesse avere un richiamo universale oltre le divisioni sociali artificiali, Vasarely creò qualcosa di unico: un’esperienza estetica sincera e gioiosa che, sebbene astratta, può essere facilmente apprezzata da chiunque sappia vedere. E forse ancora più prezioso, condivise una visione di un futuro in cui arte e scienza lavorano insieme per un mondo più interessante e giusto.

Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio