Sviluppare l'Aastrazione Ottica o Come Victor Vasarely Trovò il Suo Stile

A volte si presume che quando parliamo di "arti e scienze" stiamo parlando di cose nettamente diverse. La scienza riguarda lo studio delle cose, dopotutto, mentre l'arte riguarda la creazione di cose. Ma non creano anche gli scienziati e studiano anche gli artisti? E non è l'immaginazione parte integrante di entrambi? Victor Vasarely era sia uno scienziato che un artista. Il padre di un movimento artistico astratto modernista noto come Op-Art, abitava comodamente in entrambi i mondi. Inizialmente formato in medicina, Vasarely si avvicinò all'arte da una prospettiva sistematica. Analizzò le qualità formali di ciò che costituiva un oggetto estetico. Studiò la natura in cerca dei mattoni fondamentali dell'universo visivo. E analizzò il modo in cui gli spettatori percepivano l'universo visivo in cerca di come l'arte potesse aiutare a rivelare verità fondamentali. Dagli anni '20, quando condusse i suoi primi esperimenti estetici, fino agli anni '60, quando rivelò la sua creazione definitiva, l'"Alphabet Plastique", fino alla fine della sua vita all'età di 90 anni, Vasarely si avvicinò alla sua arte da un punto di vista che includeva simultaneamente creatività e analisi. Lungo il cammino, modificò il modo in cui gli esseri umani vedono lo spazio bidimensionale e creò un corpus di opere che, anche decenni dopo la sua morte, continua a ispirare artisti, amanti dell'arte, designer e scienziati.

Victor Vasarely lo Scienziato

Nel 1906, anno in cui nacque Victor Vasarely, artisti e scienziati erano rispettati in egual misura. A Budapest, dove Vasarely frequentò l'università, non sarebbe stato insolito che membri di entrambi i campi interagissero tra loro, specialmente nei vivaci caffè lungo le rive del Danubio, che erano centri della scena intellettuale europea. Quando Vasarely entrò per la prima volta all'università, era per studiare per diventare medico presso la Scuola di Medicina dell'Università di Budapest. Ma dopo due anni nel programma cambiò bruscamente direzione e decise di dedicarsi allo studio dell'arte.

Ma sebbene il suo argomento cambiasse, il suo approccio all'apprendimento non cambiava. Nel 1927, all'età di 21 anni, Vasarely si iscrisse a una scuola d'arte privata dove ricevette una formazione formale come pittore. Eccelleva come studente d'arte e, mentre affinava le sue abilità estetiche, continuava anche a leggere libri dei principali scienziati dell'epoca. Uno dei suoi autori preferiti da leggere in quel periodo della sua vita era Niels Bohr, che nel 1922 ricevette il Premio Nobel per il suo studio sulla struttura atomica. Nella fisica quantistica, il modello di Bohr rappresenta la struttura di un atomo come simile a quella della struttura del sistema solare. Visivamente, assomiglia a un cerchio circondato da cerchi più grandi, un modello che Vasarely avrebbe esplorato ripetutamente nella sua arte.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Stampa serigrafica. 38 1/2 × 28 1/2 in; 97.8 × 72.4 cm. Edizione di 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Costruire il suo caso

Attraverso il suo studio duale di arte e scienza, Vasarely iniziò a formulare una teoria secondo cui i due modi di pensiero si intersecavano in un modo tale che, quando percepiti insieme, potevano, come disse, “formare una costruzione immaginaria che è in accordo con la nostra sensibilità e conoscenza contemporanea.” Nel 1929, si iscrisse all'Accademia Muhely di Budapest, che all'epoca era l'equivalente ungherese del Bauhaus. I suoi studi lì si concentrarono sul concetto di un'arte totale basata sulla geometria. Sperimentò con l'astrazione geometrica e iniziò a comprendere come le illusioni ottiche potessero essere create attraverso l'arrangiamento di forme geometriche e colori su una superficie bidimensionale. Un confronto tra uno dei suoi dipinti dell'Accademia Muhely intitolato Etudes Bauhaus C e un dipinto che realizzò nel 1975 intitolato Vonal-Stri dimostra il focus costante e univoco di Vasarely sulle possibilità della geometria di esprimere l'intersezione tra scienza e arte.

Dopo aver lasciato l'Accademia Muhely, Vasarely si trasferì a Parigi, si sposò e ebbe due figli. Sostenne la sua famiglia come grafico, dedicandosi alla sua arte di notte. Mentre il suo lavoro diurno richiedeva uno stile pulito e preciso, la sua pratica artistica era aperta alla sua immaginazione. Sviluppò uno stile personale intriso di entrambi. Si manifestò nei suoi dipinti “Zebra” e “Harlequin”, serie a cui tornò per tutta la vita, e in opere come “Il scacchiere.”

Victor Vasarely - Scacchiera, 1975. Serigrafia. 31 1/2 × 30 in; 80 × 76.2 cm. Edizione di 300. RoGallery. © Victor Vasarely

La strada sbagliata

Dopo 14 anni di lavoro su carriere duali a Parigi, Vasarely ricevette finalmente la sua prima grande esposizione. Fu accolta così bene che si convinse di poter dedicarsi a tempo pieno all'arte. Fu in questo periodo che si allontanò dallo stile visivo che aveva creato. Mentre era in vacanza su un'isola in Bretagna, notò come le onde influenzassero il paesaggio, in particolare come alterassero la costa e modellassero le pietre. Questa osservazione lo portò su un cammino verso una sorta di astrazione geometrica biomorfica mentre cercava di connettersi con una manifestazione visiva della geometria naturale del mondo organico.

Sebbene Vasarely in seguito si riferisse a questo periodo della sua vita come "il cammino sbagliato", esso portò a un'importante evoluzione nel suo lavoro. Aggiunse elementi più arrotondati ai suoi dipinti. Quando tornò al suo precedente stile geometrico, lo fece includendo forme arrotondate dinamiche che sembravano sporgere verso l'esterno dal dipinto o collassare verso l'interno dalla superficie. Il modo in cui queste forme ingannavano l'occhio faceva sembrare che l'immagine si muovesse. Quell'illusione cinetica, combinata con la tridimensionalità delle immagini sulle tele di Vasarely, divenne la base per l'estetica iconica che ora chiamiamo Op-Art.

Victor Vasarely - Senza titolo #8 (sfera rosa e turchese). Serigrafia. 13 × 10 in; 33 × 25,4 cm. Edizione di 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Il Manifesto Giallo

Nel 1955, Vasarely espose alcune delle sue opere in una mostra d'arte cinetica chiamata “Le Movement” a Parigi. Per accompagnare il suo lavoro pubblicò un saggio intitolato Notes for a Manifesto. Stampato su carta gialla, il saggio è da allora conosciuto come The Yellow Manifesto. In esso Vasarely dichiarò: “Siamo all'alba di una grande epoca.” Insistette sul fatto che etichette come pittura e scultura fossero obsolete poiché artisti come Arp, Kandinsky, Mondrian e Calder avevano distrutto le separazioni artificiali tra le arti plastiche. Dichiarò che poiché tutti i fenomeni estetici sono manifestazioni dello stesso impulso, era tempo di considerare tutti i risultati artistici come parte di “una singola sensibilità plastica in spazi diversi.”

Il contributo di Vasarely a questa "grande epoca" è chiaro quando si osservano i dipinti che ha realizzato durante questo periodo della sua vita. Il suo lavoro ha completamente ridefinito l'esperienza del pubblico di un'opera d'arte bidimensionale. Ha creato la percezione che lo spazio esistesse dove lo spazio non esisteva. L'esperienza del pubblico è stata trasformata per esistere interamente nella mente dello spettatore. Le forme che risiedono su una delle tele di Vasarely sono formali e scientifiche, eppure quando vengono interpretate dall'occhio assumono qualità che sembrano sfidare i fatti scientifici della realtà spaziale.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Serigrafia su carta Arches. 30 7/8 × 37 7/8 in; 78.4 × 96.2 cm. Edizione di 250. © Victor Vasarely

L'alfabeto di plastica

All'apice della sua popolarità negli anni '60, Vasarely creò ciò che avrebbe rappresentato il culmine del suo lavoro. Descrisse quello che chiamava l'Alfabeto Plastico, un linguaggio visivo simbolico basato su forme geometriche e colori. C'erano 15 forme nell'alfabeto, tutte basate su variazioni del cerchio, del triangolo e del quadrato, e ciascuna delle forme esisteva in una gamma di 20 diverse tonalità. Ogni forma era rappresentata all'interno di una cornice quadrata, e la forma e la sua cornice circostante erano presentate in tonalità diverse. L'Alfabeto Plastico poteva essere disposto in un assortimento apparentemente infinito di combinazioni e utilizzato per creare un'infinità di immagini.

Il concetto che Vasarely implicava esplicitamente con il suo Alfabeto Plastico era che attraverso la sua attuazione, l'atto creativo potesse essere condotto attraverso un processo puramente scientifico. Da un lato era disumanizzante, poiché rappresentava una forma di programmazione, come una proto-intelligenza artificiale che poteva prendere il controllo del processo di creazione artistica. Dall'altro lato era umanizzante, poiché democratizzava e demistificava il processo creativo, permettendo a chiunque di impegnarsi in un'attività estetica creativa.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Stampa serigrafica. 22 × 23 1/2 in; 55.9 × 59.7 cm. Edizione di 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Arte per tutti

È appropriato che il contributo per cui Vasarely è maggiormente ricordato sia una forma di interruzione. Non solo il suo lavoro visivo ha distorto la superficie dell'arte bidimensionale, ma anche le sue idee e il suo Alfabeto Plastico hanno distorto la superficie della cultura. Gli amici, i colleghi e i seguaci di Vasarely ricordano con entusiasmo che uno dei suoi motti era “arte per tutti.” Era entusiasta di vedere la sua arte inclusa su abbigliamento, cartoline, prodotti commerciali e pubblicità. Prevedeva che in futuro l'unico modo per l'arte di rimanere rilevante sarebbe stato se ogni essere umano potesse partecipare al suo godimento.

Non solo possiamo vedere echi dell'arte di Vasarely nei prodotti dell'arte e del design contemporanei, ma vediamo anche echi della sua filosofia nella comunità digitale e nella cultura globale a cui ha contribuito. Creando uno stile di arte fine che potesse avere un'attrattiva universale oltre le divisioni sociali artificiali, Vasarely ha creato qualcosa di unico: un'esperienza estetica sincera e gioiosa che, sebbene astratta, può essere facilmente apprezzata da chiunque possa vedere. E forse, ancora più prezioso, ha condiviso una visione di un futuro in cui arte e scienza lavorano insieme per un mondo più interessante ed equo.

Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park