La storia dietro la Composizione VII di Wassily Kandinsky

“Composizione VII” (1913) di Wassily Kandinsky è considerata da molti appassionati d'arte astratta il dipinto più importante del XX secolo—forse persino il dipinto astratto più importante mai creato. Eppure, frequentemente, quando qualcuno lo guarda per la prima volta, reagisce negativamente, esprimendo rabbia, frustrazione o addirittura disgusto. Indubbiamente, è un dipinto difficile, specialmente per coloro che sono nuovi all'arte astratta. Prima di tutto, è massiccio, misurando 200 x 300 centimetri. In secondo luogo, la superficie è interamente coperta da innumerevoli forme amorfe sovrapposte, linee apparentemente casuali e un campo minato di colori, alcuni vividi e altri sfocati. Nulla fa riferimento al mondo naturale conosciuto. Solo l'illusione di profondità è percepibile, ma lo spazio in cui si ritira non ha alcuna somiglianza con la realtà. Il dipinto potrebbe facilmente sembrare nonsenso a chiunque non sia disposto a lavorare per svelarne i misteri. Ma per coloro che sono disposti a studiarlo con una mente aperta, “Composizione VII” può restituire abbastanza dividendi intellettuali, visivi e persino spirituali da durare una vita. E non sto esagerando. Questo dipinto è davvero così importante per alcune persone—non solo a causa delle sue qualità visive, fisiche o formali, ma perché per Kandinsky e per coloro che lo apprezzano, “Composizione VII” è venuto a essere inteso come un'incarnazione concreta della purezza spirituale nell'arte.

Scala per sette

Tra gli anni 1910 e 1939, Kandinsky dipinse 10 tele a cui assegnò il titolo "Composizione". Oggi, solo sette di quelle opere sopravvivono, le prime tre essendo state distrutte durante la Prima Guerra Mondiale. Ma esistono fotografie delle prime tre Composizioni. Sebbene manchino di informazioni sui colori, possiamo dedurre da esse alcuni indizi sull'essenza del viaggio visivo che Kandinsky stava compiendo mentre creava ciascuna di esse. Quel viaggio inizialmente comportava la trasformazione di paesaggi e figure tradizionali in masse semplificate, biomorfiche, e poi il coaxing di quelle masse in forme e figure che diventavano sempre più astratte. In "Composizione III", ad esempio, le forme di esseri umani e animali sono ancora riconoscibili, che si aggirano, forse giocando o forse combattendo, o entrambi, in una sorta di ambiente pastorale. Ma poi in "Composizione IV" (1911), le forme sono quasi irriconoscibili. Kandinsky ci dice che in quest'immagine ci sono figure sdraiate in basso a destra, e due torri in cima a una collina in alto a destra, una scena che descrive come guerra e pace simultanee. Ma sarebbe difficile per me arrivare a questa conclusione senza la sua spiegazione.

Wassily Kandinski - Composizione VI, 1913. Olio su tela. 195 x 300 cm. Museo Statale dell'Ermitage

"Composizione V" (1911) è ancora più astratta, eppure l'emozione che esprime sembra anche più intensa rispetto alle Composizioni precedenti. In questo dipinto, le forme presenti nel quadro si relazionano ancora in qualche modo al mondo naturale, poiché figure leggermente umanoidi e caratteristiche quasi naturali, sebbene ridotte all'essenziale, sono disseminate in tutta l'immagine. Quasi totalmente astratta, tuttavia, è "Composizione VI", che Kandinsky dipinse due anni dopo "Composizione V". La sua caratteristica più prominente sono le linee, come le sei linee parallele al centro dell'immagine che somigliano al collo di una chitarra. Ciò che questo dipinto rappresenta, secondo Kandinsky, è "il Diluvio", ovvero la storia biblica di Noè. Ha cercato di distillare le essenze emotive, psicologiche e spirituali della storia—distruzione e creazione; paura e speranza—in un'esplorazione visiva di equilibrio e armonia. Riguardo a "Composizione VI" scrisse: "il motivo originale del dipinto (il Diluvio) è stato dissolto e trasferito all'esistenza interna, puramente pittorica, indipendente e oggettiva." Tuttavia, il dipinto include ancora chiaramente alcuni elementi figurativi, che legano il suo linguaggio visivo al mondo esterno.

Un'espressione di sentimenti interiori

“Composizione VII” è considerata così importante perché è la prima volta che Kandinsky sentì di aver raggiunto l'ideale per cui la sua serie di Composizioni era stata nominata. Negli ultimi paragrafi dell'ultimo capitolo del suo libro fondamentale, Lo spirituale nell'arte, che Kandinsky pubblicò nel 1910, descrive tre diversi tipi di ispirazione artistica. Il primo, che chiama “impressione”, lo descrive come un'impressione artistica diretta della natura esterna. Il secondo, che chiama “improvvisazione”, lo descrive come “espressione inconscia e spontanea”, simile alla successiva pratica surrealista del disegno automatico. Il terzo, che chiama “composizione”, lo descrive come “un'espressione di un sentimento interiore lentamente formato, che si esprime solo dopo una lunga maturazione.” Quando si tratta di “Composizione VII”, la frase “lunga maturazione” è fondamentale. Quando dipinse “Composizione VII”, Kandinsky viveva a Monaco. Sulla base del resoconto storico che tenne all'epoca, sappiamo che pianificò “Composizione VII” per mesi, creando più di 30 schizzi preliminari per essa in vari mezzi. Ogni schizzo preliminare costruisce un'immagine completamente priva sia di “impressione” che di “improvvisazione.”

Wassily Kandinski - Composizione VII, 1913. Olio su tela. 79 x 119 in (200,6 x 302,2 cm). Galleria Tretyakov

Poco dopo aver raggiunto questo traguardo, Kandinsky fu costretto dall'inizio della Prima Guerra Mondiale a tornare a casa in Russia. Depresso per la guerra, dipinse a malapena per anni. Ci vollero 10 anni prima che riprendesse la sua serie di Composizioni. "Composizione VIII" (1923) traduce l'immaginario astratto del suo predecessore in un linguaggio visivo puramente geometrico. "Composizione IX", che non fu completata fino al 1936, non è puramente astratta, ma reintroduce l'idea di "impressione" aggiungendo forme floreali e altre immagini naturali. "Composizione X" (1939), completata cinque anni prima della morte di Kandinsky, è altamente simbolica e anche sorprendentemente moderna, anche oggi. Tuttavia, sebbene ciascuna di queste Composizioni successive, e ciascuna delle sei che la precedettero, possa essere considerata visionaria, ciò che rende "Composizione VII" unica è il fatto che, raggiungendo un'astrazione riflessiva, metodica, matura e totale, essa realizza l'ideale supremo che Kandinsky cercava di raggiungere, non solo con questa serie ma con tutte le sue opere del XX secolo. È la prima volta che Kandinsky raggiunge con la pittura ciò che credeva i musicisti avessero raggiunto con la musica: una pura traduzione di sentimenti in elementi astratti formali capaci di esprimere lo spirito umano.

Immagine in evidenza: Wassily Kandinski - Composizione V, 1911. Olio su tela. 74,8 x 108,2 in (190 x 275 cm). Collezione privata.
Tutte le immagini tramite Wikimedia Commons.
Di Phillip Park