La storia dietro la Composizione VII di Wassily Kandinsky

“Composizione VII” (1913) di Wassily Kandinsky è considerata da molti appassionati di arte astratta il dipinto più importante del XX secolo—forse addirittura il dipinto astratto più importante mai creato. Eppure spesso, quando qualcuno lo guarda per la prima volta, reagisce negativamente, esprimendo rabbia, frustrazione o addirittura disgusto. Indiscutibilmente, è un dipinto difficile, soprattutto per chi è nuovo all’arte astratta. Innanzitutto, è enorme, misura 200 x 300 centimetri. In secondo luogo, la superficie è completamente coperta da innumerevoli forme amorfe sovrapposte, linee apparentemente casuali e un campo minato di colori, alcuni vividi e altri sfocati. Nulla fa riferimento al mondo naturale conosciuto. È percepibile solo l’illusione della profondità, ma lo spazio in cui essa si ritira non ha alcuna somiglianza con la realtà. Il dipinto potrebbe facilmente sembrare un nonsenso a chiunque non sia disposto a lavorare per svelarne i misteri. Ma per chi è disposto a studiarlo con mente aperta, “Composizione VII” può offrire dividendi intellettuali, visivi e persino spirituali sufficienti per tutta la vita. E non sto esagerando. Questo dipinto è davvero così importante per alcune persone—non solo per le sue qualità visive, fisiche o formali, ma perché per Kandinsky e per chi lo apprezza, “Composizione VII” è diventata una concreta incarnazione della purezza spirituale nell’arte.

Scala verso il Sette

Tra il 1910 e il 1939, Kandinsky dipinse 10 tele a cui assegnò il titolo “Composizione.” Oggi, solo sette di questi dipinti sono sopravvissuti, i primi tre essendo stati distrutti durante la Prima Guerra Mondiale. Ma esistono fotografie delle prime tre Composizioni. Sebbene manchino le informazioni sul colore, da esse possiamo ricavare alcuni indizi sull’essenza del viaggio visivo che Kandinsky stava compiendo mentre creava ciascuna di esse. Quel viaggio inizialmente prevedeva la trasformazione di paesaggi e figure tradizionali in masse biomorfiche semplificate, per poi guidare quelle masse verso forme sempre più astratte. In “Composizione III,” per esempio, le forme di umani e animali sono ancora riconoscibili, che si muovono, forse giocano o forse combattono, o entrambe le cose, in una sorta di ambiente pastorale. Ma poi in “Composizione IV” (1911), le forme sono quasi irriconoscibili. Kandinsky ci dice che in questa immagine ci sono figure sdraiate in basso a destra e due torri in cima a una collina in alto a destra, una scena che descrive come guerra e pace simultanee. Ma sarebbe difficile per me arrivare a questa conclusione senza la sua spiegazione.

Wassily Kandinski - Composizione VI, 1913. Olio su tela. 195 x 300 cm. Museo Statale dell’Hermitage

“Composizione V” (1911) è ancora più astratta, eppure l’emozione che esprime sembra anche più intensa rispetto alle Composizioni precedenti. In questo dipinto, le forme presenti sono ancora in qualche modo legate al mondo naturale, poiché figure leggermente umanoidi e caratteristiche quasi naturali, seppur ridotte all’essenziale, sono sparse nell’immagine. Quasi totalmente astratta, invece, è “Composizione VI,” che Kandinsky dipinse due anni dopo “Composizione V.” La sua caratteristica più evidente sono le linee, come le sei linee parallele al centro dell’immagine che ricordano il manico di una chitarra. Secondo Kandinsky, questo dipinto rappresenta “il Diluvio,” ovvero la storia biblica di Noè. Tentò di distillare le essenze emotive, psicologiche e spirituali della storia—distruzione e creazione; paura e speranza—in un’esplorazione visiva di equilibrio e armonia. A proposito di “Composizione VI” scrisse: “il motivo originale del dipinto (il Diluvio) è stato dissolto e trasferito all’esistenza interna, puramente pittorica, indipendente e oggettiva.” Tuttavia, il dipinto include ancora chiaramente alcuni elementi figurativi, che collegano il suo linguaggio visivo al mondo esterno.

Un’Espressione del Sentimento Interiore

“Composizione VII” è considerata così importante perché è la prima volta che Kandinsky sentì di aver raggiunto l’ideale per cui la sua serie Composizione era stata chiamata. Negli ultimi paragrafi dell’ultimo capitolo del suo libro fondamentale, Sull’arte spirituale, pubblicato nel 1910, descrive tre diversi tipi di ispirazione artistica. Il primo, che chiama “impressione,” lo descrive come un’impressione artistica diretta della natura esterna. Il secondo, che chiama “improvvisazione,” lo descrive come “espressione inconscia e spontanea,” simile alla pratica surrealista successiva del disegno automatico. Il terzo, che chiama “composizione,” lo descrive come “un’espressione di un sentimento interiore lentamente formato, che si manifesta solo dopo una lunga maturazione.” Quando si parla di “Composizione VII,” la frase “lunga maturazione” è fondamentale. Quando dipinse “Composizione VII,” Kandinsky viveva a Monaco. Basandoci sul registro storico che teneva all’epoca, sappiamo che pianificò “Composizione VII” per mesi, creando più di 30 schizzi preliminari in vari medium. Ogni schizzo preliminare costruisce un’immagine completamente priva sia di “impressione” che di “improvvisazione.”

Wassily Kandinski - Composizione VII, 1913. Olio su tela. 79 x 119 in (200,6 x 302,2 cm). Galleria Tretyakov

Poco dopo aver terminato questo traguardo, Kandinsky fu costretto dallo scoppio della Prima Guerra Mondiale a tornare in Russia. Depresso per la guerra, dipinse pochissimo per anni. Passarono 10 anni prima che riprendesse la sua serie Composizione. “Composizione VIII” (1923) traduce l’immaginario astratto del suo predecessore in un linguaggio visivo puramente geometrico. “Composizione IX,” completata solo nel 1936, non è puramente astratta, ma reintroduce l’idea di “impressione” aggiungendo forme floreali e altre immagini naturali. “Composizione X” (1939), completata cinque anni prima della morte di Kandinsky, è altamente simbolica e anche sorprendentemente moderna, ancora oggi. Tuttavia, sebbene ciascuna di queste Composizioni successive, e ciascuna delle sei che le precedettero, possa essere considerata visionaria, ciò che distingue “Composizione VII” è il fatto che, raggiungendo un’astrazione riflessiva, metodica, matura e totale, realizza l’ideale ultimo che Kandinsky cercava di raggiungere, non solo con questa serie ma con tutte le sue opere del XX secolo. È la prima volta che Kandinsky ottiene con la pittura ciò che credeva i musicisti ottenessero con la musica: una pura traduzione dei sentimenti in elementi formali astratti capaci di esprimere lo spirito umano.

Immagine in evidenza: Wassily Kandinski - Composizione V, 1911. Olio su tela. 74,8 x 108,2 in (190 x 275 cm). Collezione privata.
Tutte le immagini via Wikimedia Commons.
Di Phillip Barcio