Il Ruolo delle Forme Biomorfiche nell'Arte Astratta

Biomorfismo deriva dalle parole greche bio, che significa vita, e morphe, che significa forma. Tuttavia, non significa forma di vita. Piuttosto, indica la tendenza a mostrare l'aspetto o le qualità di un essere vivente. Anche se suona scientifico, il primo uso del termine era per descrivere l'arte biomorfica nella mostra di Cubismo e Arte Astratta del 1936 al MoMA. Scritto da Alfred H. Barr, il catalogo per quella mostra definiva il biomorfismo come, “Curvilineare piuttosto che rettilineare, decorativo piuttosto che strutturale e romantico piuttosto che classico nella sua esaltazione del mistico, dello spontaneo e dell'irrazionale.” Barr coniò il termine per spiegare agli spettatori la natura di un certo tipo di astrazione che era emersa nell'arte moderna sin dai primi anni del 20° secolo. L'astrazione biomorfica incorpora un linguaggio visivo basato su forme biomorfiche—forme bulbose, lussureggianti, sfarzose—che non sono né rappresentative né geometriche, ma che sono inquietantemente familiari; le persone le riconoscono e si connettono con esse a un livello primordiale, anche se non le hanno mai viste prima.

Le Radici del Biomorfismo

Un filosofo francese di nome Henri Bergson espresse per la prima volta i concetti alla base del biomorfismo all'inizio del 1900. A quel tempo, l'atteggiamento prevalente della classe intellettuale era che la ragione e la scienza fossero i migliori, se non gli unici, modi per comprendere il mondo reale. Un modo particolarmente popolare di guardare al mondo era da una prospettiva teleologica. La teleologia afferma che tutto ha due tipi di scopi: scopi naturali, innati o intrinseci, e scopi innaturali, imposti o estrinseci. Ad esempio, lo scopo intrinseco di un bulbo di fiore sarebbe quello di crescere in un fiore. Lo scopo estrinseco di un bulbo di fiore sarebbe quello di generare entrate per il proprietario di un negozio di bulbi di fiori.

Henri Bergson credeva che lo scopo non fosse né intrinseco né estrinseco, ma fosse malleabile, inconoscibile e forse inesistente nel senso che non poteva essere definito oggettivamente. Credeva che l'intuizione, basata sull'esperienza e sull'istinto, fosse altrettanto, se non di più, importante della scienza e della logica. Spiegò che la creatività si evolve nello stesso modo della natura, attraverso processi di fecondità, mutazione e ciò che descrisse come novità imprevedibile. Sentiva che c'era un limite alla ragione e a ciò che poteva essere pianificato, e che il caso era vitale sia nel mondo naturale che nel lavoro creativo degli artisti. Fondamentale per la sua filosofia era l'automatismo; l'idea che i sistemi naturali e gli individui creativi possano agire in modo indipendente e imprevedibile, senza precedenti o spiegazioni.

Wassily Kandinsky - Study for Composition II, 1910. 97.5 x 130.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY, US

Arte biomorfica

Le idee proposte da Bergson erano in netto contrasto con il modo analitico con cui molti artisti si avvicinavano al loro lavoro. Una delle prime manifestazioni estetiche dei processi naturali descritti da Bergson è stata il dipinto Le Bonheur de Vivre, di Henri Matisse. Il dipinto è figurativo ma astratto. Mostra persone sdraiate nude in un paradiso simile a Eden. Le forme biomorfiche compongono l'ambiente naturale, e le forme umane sono corpulente e dall'aspetto organico. L'ambiente naturale sembra essere in uno stato di cambiamento, e il linguaggio visivo che condividono con le figure umane implica che l'umanità sia anche connessa allo stato in continua evoluzione della natura. L'estetica di questo dipinto ha formato le basi di ciò che sarebbe stato considerato astrazione biomorfica.

L'astrazione biomorfica era un'alternativa per molti pittori al formalismo intenzionale che dominava le tendenze astratte precise e geometriche di stili come il Costruttivismo e l'Arte Concreta. Wassily Kandinsky era particolarmente interessato agli aspetti spirituali e musicali dell'arte astratta. Ha combinato forme biomorfiche con le linee e le forme geometriche nei suoi primi dipinti puramente astratti. Sebbene il pittore Joan Miró insistesse sul fatto che i suoi dipinti non fossero astratti, ma rappresentativi delle immagini oniriche che vedeva nella sua testa, incorporò anche famosamente forme biomorfiche nel suo stile iconico e idiosincratico.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (The Joy of Life), 1905-1906. Oil on canvas. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, US

Scultura biomorfa

Poco dopo la sua apparizione nei dipinti astratti, il biomorfismo trovò la sua voce nelle arti tridimensionali. Il primo scultore astratto biomorfico fu Jean Arp. Inizialmente incorporò forme biomorfiche nei suoi rilievi murali, che assomigliavano a oggetti a forma di uovo con forme che si annidavano all'interno di altre forme. Successivamente si espanse nella creazione di oggetti scultorei biomorfici in un'enorme varietà di forme e dimensioni, sviluppando gradualmente un'immensa lingua di forme organiche e naturali nel corso della sua carriera.

Il linguaggio delle forme bulbose che Arp creò divenne una profonda ispirazione per i due scultori britannici di metà secolo che definirono veramente il linguaggio della scultura astratta biomorfica modernista. Il primo fu Henry Moore, che utilizzò il biomorfismo per esprimere il legame essenziale tra natura e umanità, ed è meglio conosciuto per le sue monumentali astrazioni biomorfiche di figure umane sdraiate. L'altro fu Barbara Hepworth, che utilizzò un'enorme varietà di materiali e tecniche e ampliò enormemente il linguaggio del biomorfismo nella sua monumentale opera.

Joan Miró - Pittura, 1933. Olio su tela. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Surrealismo e l'Altra Morfosi

Uno degli stili più influenti su cui il biomorfismo ha avuto impatto è stato il Surrealismo. Yves Tanguy dipinse forme inquietanti, stranamente realistiche, ma al contempo alienate nei suoi desolati paesaggi surrealisti. La loro luce dura e gli ambienti innaturali evocano nozioni apocalittiche, e le forme stesse sembrano più ossa e resti che vita stessa. Nel frattempo, le forme che colano, gocciolano e cambiano continuamente nei dipinti di Salvador Dali abitano uno spazio tra vita e morte. Anche ciò che sembra essere fatto di pietra minaccia di prendere vita nelle sue immagini oniriche.

L'uso surrealista delle forme biomorfiche aggiunge un ulteriore strato interpretativo allo studio dell'arte astratta biomorfica. Questi pittori avevano una connessione speciale con la parola radice morphe. Nella mitologia greca, Ipnos è il dio del sonno. Suo figlio si chiama Morfeo ed è il dio dei sogni. Il surrealismo era radicato nello studio del subconscio ed era fortemente influenzato dal mondo dei sogni. In questo senso, era la manifestazione ultima del biomorfismo, poiché si basava sul vero automatismo, l'espressione perfetta della libertà e della novità imprevedibile, e abitava anche il regno di Morfeo, il dio dei sogni. 

La Tradizione Biomorfica Contemporanea

Oggi le forme biomorfiche hanno trovato un posto all'interno del lessico estetico generale dell'arte astratta, e molti artisti contemporanei incorporano le tradizioni del biomorfismo nel loro lavoro. Il pittore astratto di Los Angeles Gary Paller esplora quelle tradizioni direttamente creando composizioni intuitive e stratificate di forme organiche che sembrano annidarsi insieme, avvolte nei ritmi del processo e dell'evoluzione. E l'artista di New York nato a Boston Dana Gordon incorpora modelli biomorfici nelle sue esplorazioni di preoccupazioni astratte più formali, come colore, struttura e linea.

Sebbene il pensiero alla base del biomorfismo sia emerso come una reazione contro la razionalità e la scienza, l'evoluzione del biomorfismo nell'arte ci ha aiutato a realizzare che le persone non devono più scegliere tra ragione e istinto. Ci ha aiutato a unire il lato razionale e analitico della nostra natura con l'inquietante bellezza naturale di quello che Alfred H. Barr chiamava il “misterioso, lo spontaneo e l'irrazionale” mondo biomorfico.

Immagine in evidenza: Yves Tanguy - Ti aspetto, 1934. Olio su tela. 28 1/2 x 45 in. (72.39 x 114.3 cm) Cornice: 35 × 50 × 1 in. (88.9 × 127 × 2.54 cm). Collezione LACMA
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park